Espléndido renacimiento de los teatros de Madrid

Por María Rosa Jordán

El Teatro de la Zarzuela fue inaugurado el 10 de octubre de 1856, fecha del cumpleaños de la Reina Isabel II.  Gracias a la iniciativa de la Sociedad Lírica Española con el objetivo de tener un espacio propio para las interpretaciones de zarzuelas en la capital de España. 

Los espectáculos que últimamente se han presentado han sido una maravilla:  ”Benamor» casi un reestreno mundial del maestro Pablo Luna, fue un gran espectáculo.  «El Rey que Rabió» una sátira política de Ruperto Chapí, una pieza divertida y muy vigente.  También sentir en un concierto, las castañuelas de Lucero Tena y el arpa de Xavier de Maistre y el concierto de piano del 75 aniversario de Joaquín Achucharro. 

Poniendo el broche de oro a su temporada con el Ballet Nacional de España, estreno absoluto de «La Bella Otero», presentando la temporada 2021-2022 con un programa excepcional.

El Teatro Real de Madrid de inauguró el 19 de noviembre de 1850 con la ópera «La Favorita» de Gaetano Donizetti. El Teatro Real es el Centro Europeo de la Ópera y referente también de la ópera y la cultura.  Preparado últimamente para que las nuevas generaciones conozcan y se aficionen, he presenciado el entusiasmo que les ha suscitado oyendo Tosca. Los últimos espectáculos de la temporada, fueron la maravillosa Tosca de Giacomo Puccini, un thiller operístico, con grandes voces, fue trasmitido en pantallas gigantes en dos plazas de Madrid, por televisión y Radio Clásica. 

En el ciclo Flamenco del Real se ofreció una gran cita con «La vida en flamenco» con la intervención de Farruquito, Ketama, Canales y Pepe de Lucia, sin olvidar a Rosario Montoya la Farruca y al hijo de Farruquito, Juan el Moreno de tan sólo 9 años. 

La presentación de la temporada 2021-2022, el teatro Real ha programado las óperas, que para mí, son perfectas, «La Boheme», «Las Bodas de Fígaro”, «Nabuco» y muchas más, alternando con Grandes Ballets.

Teatro Español, el viejo Corral del Príncipe, el Coliseo más antiguo del mundo, el 21 de septiembre de 1583 se abrió en Madrid. La programación es óptima, la última obra fue escrita e interpretada por el actor argentino Juan Diego Botto «Una noche sin luna», un acercamiento muy especial a la figura de Lorca, desde una sensibilidad del siglo XXI.

Teatro de la Comedia, programación de la Compañía Nacional de Teatro Clásico INAEM.  La obra «Castelvines y Monteses» es un espectáculo completo, elenco, orquesta, coro y cuerpo de baile, dirigida y adaptada por Sergio Peris-Mencheta. El tema de la obra es sobre el cuento de los amantes de Verona.

Teatro Bellas Artes, siempre en la vanguardia.  «Cinco horas con Mario» y «Señora de Rojo sobre Fondo Gris» ambas de Miguel Delibes e interpretadas, por los grandes actores, Lola Herrera la primera obra y José Sacristán la última.

Fundación Juan March, presentó un original Ballet de Roberto Gerhard, estreno absoluto, nueva producción de la Fundación Juan March y el gran Teatro Liceo de Barcelona, compañía de Antonio Ruz, un ballet inédito, llamado «La noche de San Juan».

Los Teatros del Canal, único teatro nacional en la red internacional Prospero Extended Theatre que forma parte del programa Europa creativa y tiene como objetivo fomentar la difusión de obras teatrales, tanto en los teatros como en el espacio digital para llegar a nuevas audiencias.  La directora de los Teatros del Canal, Blanca Li, ha participado en la presentación del proyecto en el Festival de Aviñon.

Teatro Fígaro presentó un musical original llegado de Brasil, pura Bossa Nova, llamada «La canción de Ipanema» un cálido y fascinante viaje al Brasil de los años 60.

Teatro Cofidis Alcázar, este coliseo tiene una bella historia, fue bautizado inicialmente como Coliseo Pardiñas el 27 de enero de 1925, se inauguró con la representación de Madam Pompadour, su actuación reciente, fue una recreación del famoso grupo ABBA de Suecia de música POP, el cuarteto se formó en Estocolmo en 1972.

Teatro Fernán Gómez Centro de la Villa y Centro de Arte, Teatros, Exposiciones, Danza, Música y mucho más.

Orquesta Excelentia, referente de los conciertos más exclusivo de Madrid, impartidos en el Auditorio Nacional de Madrid.

La fuerza conmovedora de Tosca en el Teatro Real

Por Norma Sturniolo

Tosca, melodrammaen tres actos con música de Giacomo Puccini (1858-1924) y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca (1887) de Victorien Sardou, se estrenó en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900 y al final de aquel año, en el Teatro Real el 15 de diciembre de 1900.
Este mes de julio de 2021 se representará una coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real (Coro Intermezzo y Orquesta Sinfónica de Madrid)).Director musical: Nicola Luisotti, Director de escena y escenógrafo: Paco Azorín, Figurinista: Isidre Prunés, Vestuario de Floria Tosca: Ulises Mérida, Iluminador: Pedro Yagüe, Vídeo: Alessandro Arcangeli, Coreógrafo: Carlos Martos de la Vega, Director del coro: Andrés Máspero. Hay tres repartos: Floria Tosca: Sondra Radvanovsky (días 4, 7, 10, 13, 16, 19, 22), Maria Agresta (5, 8, 11, 14, 17, 20, 23) y Anna Netrebko (21, 24).Mario Cavaradossi: Joseph Calleja (4, 7, 10, 13, 16, 23), Michael Fabiano (5, 8, 11, 14, 17, 20), Yusif Eyvazof (21, 24) y Jonas Kaufmann (19, 22),Barón Scarpia: CarlosÁlvarez (4, 7, 10, 13, 16, 19, 22), Gevorg Hakobyan(5,8,11,14,17,20,23),y Luca Salsi (21,24).

Será retransmitida en pantalla grande en el exterior del Teatro Real el 10 de julio con el aforo limitado previa solicitud a través de la web de la institución. Ese mismo día se emitirá también en la plataforma My Opera Player y se podrá ver en TV2 a las 23 horas del día siguiente.

Foto: Javier del Real

Cuando Giacomo Puccini asistió en 1889 a la representación del melodrama La Tosca de Victorien Sardou en el Teatro de iFilodrammatici de Milán donde el papel de Floria Tosca lo interpretaba una leyenda teatral como era Sara Bernhardt, quedó fascinado con la obra e inmediatamente escribió a Giulio Ricordi con el fin de que obtuviera el permiso de Sardou para realizar una ópera. Finalmente, fue en el verano de 1896, año del estreno de La Bohème, cuando comenzó a trabajar en la obra y la terminó en 1899. A partir de su estreno en 1900 el éxito de la misma fue continuo .

El libreto fue escrito por Luigi Illica y Giuseppe Giacos aquienes ya habían trabajado con Puccini en La Bohème. Los libretistas redujeron los cinco actos de la pieza teatraldel dramaturgo francés a tres actos, dejando de lado muchas explicaciones históricas que se encuentran el la obra de Sardou. La ópera comienza en la iglesia de Sant´Andreadella Valle, en Roma, adonde va a esconderse Cesare Angelotti, cónsul de la extinta República romana. Es un preso político que se ha fugado de la cárcel del castillo Sant´Angeloy se dirige a la Iglesia porque su hermana, la marquesa Attavanti, le ha dejado ropa  femenina para que disfrazado pueda huir  del jefe de policía, Scarpia. El pintor Cavaradossi había visto a la marquesa y creía que su permanencia en la Iglesia se debía a devoción. Al contemplar su belleza, decidió otorgar los rasgos de la marquesa a la imagen de Maria Magdalena que está pintando. Cavaradossi y Angelotti se encuentran y el pintor le dice que se refugie en el pozo de su casa de campo lo que es aceptado por Angelotti. La amante de Cavaradossi es la cantante Floria Tosca que al reconocer en el retrato de Maria Magdalena a la marquesa Attavanti siente celos y su carácter celoso la perderá a ella y a su amante asicomo los celos pierden a Otello y su mujer.

La fuerza conmovedora de esta ópera se produce por la perfecta conjunción de libreto y música en la que los leitmotivs crean un continuum donde los retratos de los personajes están perfectamente delimitados, música sabiamente dirigida por Nicola Luisotti.

En Tosca el pérfido Yago será el jefe de policía Barón Scarpia, más siniestro que el Yago shakespeariano. Scarpia se da cuenta de que Angelotti se escondió en la iglesia y que Cavaradossi lo ayudó a escapar. Sabiendo que Tosca es celosa trama un ardid: Para llevar a un celoso al desastre/Yago tenía un pañuelo…y yo tengo un abanico. Cuando regresa Tosca a la iglesia, Scarpia le sale al encuentro y le muestra el abanico haciéndole creer que es el de una mujer que lo habría olvidado al ser sorprendida con su amante. Invadida por los celos,Tosca va a la casa de campo y Scarpia hace que la sigan para apresar a Angelotti, a Cavaradossi y satisfacer su lascivia, su lúbrico deseo de Tosca. Mientras tanto, se decide celebrar con un Te Deum la  supuesta victoria sobre las tropas napoleónicas.

Foto: Javier del Real

Cavaradossi es apresado y llevado al Palacio Farnese donde es sometido a tortura para que confiese el paradero de Angelotti. Tosca llega al despacho del Palacio Farnese donde está Scarpia que la ha mandado llamar porque sabe que ella no soportará el sufrimiento de su amado y, en efecto, ella termina revelando el escondite de Angelotti. En medio de esta fuerte tensión dramática se anuncia que Napoleón ha vencido y Cavaradossi canta la victoria de la libertad, pero es condenado al patíbulo. Cuando Scarpia se queda solo con Tosca le confiesa su deseo de hacerla suya y de esa forma ella podrá  salvar a Cavaradossi. Ahí se produce la bella aria Vissid´arte, vissid´amore en la que Tosca vierte su dolor que comienza:He vivido para el arte, he vivido para el amor,/¡nunca le he hecho mal a nadie …! / Con mano discreta/ he aliviado cuantas miserias he conocido…/Siempre con fe sincera/ he elevado mis plegarias(….). Ella da muestras de que accederá y Scarpia promete que el fusilamiento de Cavaradossi será fingido  y firma un salvoconducto que le pide Tosca para que ella y su amante puedan huir. Cuando Scarpia se acerca a Tosca, ella lo apuñala. Tosca corre al Castillo de Sant´Angelo donde Cavaradossi expresa bellamente su deseo de vivir en el aria antológica E lucevan le stelle (Y brillaban las estrellas) con un texto espléndido donde hay un estallido de riqueza sensorial recordando el pasado tan bello que hace exclamar al condenado a muerte: ¡Y nunca he amado tanto la vida! Llega Tosca. Le cuenta todo lo sucedido y le dice que debe fingir su ejecución.

Paco Azorín ha sabido mostrar los entresijos de una alianza entre el poder de la iglesia y el poder temporal y ha realizado un trabajo actoral con los estupendos cantantes para que sean a la vez excelentes actores que expresen toda la complejidad de los sentimientos humanos.

Es magnífica la emoción del encuentro, la ansiedad de la espera de lo que creen será un fusilamiento simulado. Después de una desesperante espera, se produce el fusilamiento real  y Tosca descubre la dolorosa verdad. Llegan los esbirros de Scarpia en busca de Tosca por el asesinato del jefe de policía y ella se  arroja al vacío desde la torre del castillo gritando la admonitoria frase: ¡Oh Scarpia, nos veremos ante Dios! l desastre/Yago tenía un pañuelo…y yo tengo un abanico. Cuando regresa Tosca a la iglesia, Scarpia le sale al encuentro y le muestra el abanico haciéndole creer que es el de una mujer que lo habría olvidado al ser sorprendida con su amante. Invadida por los celos, Tosca va a la casa de campo y Scarpia hace que la sigan para apresar a Angelotti, a Cavaradossi y satisfacer su lascivia, su lúbrico deseo de Tosca. Mientras tanto, se decide celebrar con un Te Deum la  supuesta victoria sobre las tropas napoleónicas.

Foto: Javier del Real

La fuerza conmovedora de esta ópera se produce por la perfecta conjunción de libreto y música en la que los leitmotivs crean un continuum donde los retratos de los personajes están perfectamente delimitados, música sabiamente dirigida por Nicola Luisotti. El clima de poder opresivo y oscurantismo se opone a la belleza del arte y los deseos de libertad ya desde el comienzo de la ópera donde la libertad perseguida es encarnada por Angeolotti y la fuerza de la imaginación liberadora en Cavaradossi  detestada por el servil y cobarde sacristán que odia cualquier atisbo de libertad incluso la libertad artística como la de elegir una modelo para el retrato de Maria Magdalena.

Paco Azorín ha sabido mostrar los entresijos de una alianza entre el poder de la iglesia y el poder temporal y ha realizado un trabajo actoral con los estupendos cantantes para que sean a la vez excelentes actores que expresen toda la complejidad de los sentimientos humanos.

Un magnífico broche de oro de final de temporada para un teatro que con absoluta justicia ha ganado el premio al Mejor Teatro de Ópera del Mundo

Humor, brillantez y una música estupenda en ¡24 horas mintiendo!

 

Por  Norma Sturniolo

 

La comedia musical ¡24 horas mintiendo! (estrenada en 1947), del compositor Francisco Alonso, con libreto de Francisco Ramos de Castro y Joaquín Gasa en versión libre de Alfredo Sanzol (Premio de Literatura Dramática 2017) se representa en el Teatro de la Zarzuela desde el 29 de junio hasta el 14 de julio. La dirección escénica es de Jesús Castejón que también actúa en la obra y la dirección musical, de Carlos Aragón, la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Ana Garay, la iluminación de Eduardo Bravo y la coreografía de Nuria Castejón.

1 _ 24 horas

El elenco está integrado por el propio Jesús Castejón, Gurutze Beitia, Estíbaliz Martyn, Nuria Pérez, José Luis López, Enrique Viana, Raffaela Chacón, Ángel Ruiz,  Cecilia Solaguren, José Luis Martínez, María José Suárez, Mario Martín y Luis Maesso.6.-24 horas

Maravillosa recuperación de una obra que demuestra el gran talento musical del compositor Francisco Alonso (Granada, 9 de mayo de 1887-Madrid, 18 de mayo de 1948), con un libreto chispeante lleno de humor y en el que no falta la sátira social. Sátira que está actualizada en la versión de Alfredo Sanzol, donde, como no podía ser de otra forma, uno de sus dardos apunta a la corrupción política.

Quien nunca haya escuchado esta obra quedará admirado al comprobar la maestría del compositor que realiza verdaderas creaciones de diversas tradiciones musicales. En esta magnífica hibridez se mezcla la tradición europea y la latina, el gusto por lo castizo y la moda del musical americano. Encontramos one-step, slow fox, chotis, fado, marchiña, samba, ranchera, canción mallorquina, vals, swing, guajiras y pasodobles.7.-24 horas

Afortunadamente, tanto la dirección escénica de Jesús Castejón, la escenografía de Carmen Castañón y la coreografía de Nuria Castejón sirven muy bien al texto. Las actualizaciones de ciertos aspectos de la trama (una boite, una compañía teatral) quedan expuestas con claridad y permiten un fácil y ágil movimiento en el escenario. También hay que destacar lo acertado del vestuario de Ana Garay, muy colorido, brillante y en el que no falta el homenaje a los sombreros con frutas y el adorno de plumas propios de la revista.

La música es una delicia muy bien ejecutada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid a las órdenes del talentoso Carlos Aragón.

Todo el elenco canta, se mueve, baila con auténtica entrega. El espectáculo en su totalidad es muy disfrutable y resulta difícil destacar un número. Por citar algunos de los momentos de desternillante humor, podemos poner como ejemplo el número del célebre chotis Arrímate-maté-maté interpretado magníficamente, con una gracia inmejorable, por Jesús Castejón y Gurutze Beitia. Ambos representan en la ficción al matrimonio de Casta y Casto, económicamente arruinados y obsesionados con las apariencias, con ínfulas aristocráticas. En esta actualización de Sanzol son actores arruinados de una compañía teatral y que mienten todo el tiempo. Fingen que se van de gira porque son requeridos en el extranjero y en realidad se esconden en su casa. Cuando reciben, inesperadamente, la visita de Fernando y Laura, un matrimonio argentino “polimillonarios” (otros mentirosos sin blanca, en esta actualización corruptos políticos), que son los padres del novio de una de sus hijas, vuelven a mentir. En este caso, ante los recién llegados, fingen que son los criados de Casta y Casto.

Otro momento memorable por su humor y picardía es el Dueto cómico de la ranchera, en el que Fernando, interpretado magistralmente por Ángel Ruiz ellos, intenta seducir a quien cree que es la criada Casta.

Y también un momento asombroso es el del número Bananas del Perú, interpretado y cantado por el siempre inteligente y chispeante Enrique Viana metamorfoseado en una bella vedette.

Pero, repito, todo el espectáculo es estupendo y todo el elenco da lo mejor de sí.6.-24 horas

El día del estreno de esta brillante representación, cuando llegó el desfile y marcha final, el público aplaudió, gritó bravos y recibió con una sonrisa en los labios el recordatorio de la canción de la felicidad que dice:

La dulce realidad entona su canción entona su canción,

Porque el amor nos da el valor

De la verdad que vive en el corazón.

Gozar, amar, reír es la sublimidad.

Mi pasión es la canción de la felicidad.

4.-24 horas

Fotos cortesía Teatro3.-24 horas

5.- 24 horas

Mujeres danzándole a la vida

Mujeres danzándole a la vida

La Fundación Telefónica exhibe en la cuarta planta de su sede de la calle Fuencarral número 3, la exposición “La bailarina del  futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker” hasta el día 24 de junio de 2018. Este formato pretende sumergir al visitante en las figuras revolucionarias de la danza moderna a través de la vida personal y profesional de siete pioneras bailarinas y coreógrafas de diferentes nacionalidades. Las estadounidenses Isadora Duncan, Loïe Fuller, Martha Graham y Doris Humphrey, la francesa Joséphine Baker, la alemana Mary Wigman y la española Tórtola Valencia son las elegidas para este proyecto. Siete mujeres que vieron la necesidad de reivindicar, a través de la liberación del cuerpo y del alma, el rígido canon del ballet romántico y que han contribuido a convertir la danza moderna en una nueva forma de arte.

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En ACPI hemos tenido el privilegio de contar el pasado 5 de marzo con el escritor y dramaturgo Don Francisco de la Torre y Díaz-Palacios, que dio una conferencia centrada en la vida de la bailarina Isadora Duncan y de cómo esta hizo de su pasión su vida. Desde la Asociación invitamos a todos nuestros lectores y socios a acercarse a la Fundación Telefónica a visitar esta exposición para poder seguir descubriendo el importante legado que han dejado, no solo Isadora, si no estas siete bailarinas, en la sociedad un siglo después.

Redacción: María Valbueno y Carmen Amado, Universidad Pontificia Comillas, Relaciones Internacionales

Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan

Con ocasión de la reciente celebración del Día Internacional de la Mujer ofrecí una conferencia titulada «Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan», pareciéndome oportuno ahora dedicar unas líneas sobre la personalidad de mujer tan extraordinaria que acaso no supe destacar lo suficiente, convencido de que la palabra oral no permite a veces ahondar en matices interesantes.

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Por ello, quiero centrarme ahora en el mérito de esta gran bailarina, con independencia de su vida amorosa y sus veleidades amorosas, porque me parece más interesante resaltar su condición femenina, que desde niña supe encauzar hasta niveles sobresalientes sin que tuviera la oportunidad de formarse en estudios superiores, ni siquiera en los básicos. De inteligencia despierta y atrevida, desde su más tierna infancia, a proyectos superiores supo alzarse hasta costas insospechadas. Ciertamente, su madre era profesora particular de piano y una tía aficionada a la poesía, pero ni una ni otra parecieron preocuparse por la preparación usual de una niña, que en este caso apuntaba cualidades destacadas.

Sí acudió en los primeros años a una escuela pública, pero se rebeló enseguida por considerar que allí no entendía nada y lo que vislumbraba no figuraba en los planes escolares. Ella tuvo muy claro, desde el principio, la belleza del mar y el esplendor de la Naturaleza y sintió muy pronto la fascinación por lo uno y lo otro, que su cuerpo le pedía movimiento y su intelecto le exigía imitación.

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Advirtió que las limitaciones hogareñas y el ámbito en que se movía eran topes que se alzaban ante sus sueños antes de alzarse en proyectos, y convencida de su capacidad para emular el esplendor la Diosa Tierra se propuso dedicar progresivamente su mejor tiempo a dar forma bailando a la contemplación de un amanecer como a la grandeza del océano. Y junto a este sentir le atrajo la manifestación de los sublime en su más amplía expresión: la atracción por las grandes obras de artífices inolvidables, el estudio de la filosofía alemana, la percepción de piezas poéticas magistrales, el seguimiento de notables textos místicos, etc.

Aspectos todos ellos que llenaron innumerables jornadas de su existencia, relativamente breve pues murió a los cincuenta años de edad. Así, aún careciendo de actuaciones escénicas llenaba su tiempo con visitas exhaustivas a los grandes museos (el Louvre o la National Gallery) o se deleitaba en noche sin sueño con la lectura minuciosa de la Divina Comedia o se conmovía hasta el éxtasis al contemplar los grandiosos restos de la arquitectura griega, recitando espontáneamente en su primera visita: ¡Henos aquí, después de tantos trabajos, en la sagrada patria de la Hélade! ¡Salud, olímpico Zeus! ¡Y Apolo! ¡Preparaos, oh Musas, a bailar de nuevo! ¡Nuestros cantos despertarán a Dionysos y a las bacantes dormidas…!

Asimismo, no puede extrañarnos su deleite ante la contemplación de «La Primavera» de Botticelli, confesando: «Bailaré este cuadro y transmitiré a los demás el mensaje de amor, de primavera, de creación de vida que yo he recibido con tanta emoción. A través de la danza transmitiré mi éxtasis». Y sensacional fue su danza, acompañada de un joven compositor, de unos «Nocturnos» de Chopin y los «Sonidos sin palabras» de Mendelssohn en el Threatre Sara Berndardt de París, presentándose «envuelta en unas telas flotantes y con los pies desnudos».

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¡Qué huella nos dejó esta mujer! Supo soñar despierta con grandes sueños; adquirió, sin los medios habituales, un formidable bagaje cultural; rompió la tradicional disciplina de los grandes ballets con originales y bellísimos planteamientos, demostró a las mujeres que no existe frustración en su sexo si ponen de relieve talento y dedicación, generando en definitiva admiración y recuerdo.

Francisco Torres y Díaz Palacios

Atraer a los jóvenes a la Zarzuela: El proyecto Zarza y El dúo de la Africana

 

Por Norma Sturniolo

 

¿Cómo hacer para que el público juvenil se acerque a la Zarzuela?

¿Cómo darla a conocer? ¿Qué cambios son necesarios para captar la atención de los jóvenes?

Estas preguntas están encontrando acertadas respuestas en el Proyecto Zarza que se inició el año pasado y que ofrece zarzuela interpretada por jóvenes, para jóvenes, aunque como se ha visto por el entusiasmo despertado también en los adultos, podríamos decir que tiene edad de partida, pero no de llegada. Eso sí, el objetivo prioritario es seducir a los jóvenes que, en su mayoría desconocen y desconfían del atractivo de este género que es patrimonio cultural español.

Daniel Blanco, el director del Teatro de la Zarzuela está totalmente comprometido con este proyecto. Desde el primer momento

Daniel Blanco director del teatro y Susana Gómez, directora de escena
Daniel Blanco director del teatro y Susana Gómez, directora de escena

dejó claro que tenía una vocación de contemporaneidad y que quería seducir a todo tipo de público. Cuando fue elegido como director del Teatro de la Zarzuela hizo una afirmación que creo apropiado recordar: «Prefiero la curiosidad del descubrimiento a la dinámica del recuerdo».

Podemos asegurar que esta versión de El Dúo de la africana, la obra elegida en esta ocasión, ha sido un descubrimiento sorprendente para quienes hemos asistido a su representación.

Hay que destacar el acierto en la elección del título. La obra del compositor Manuel Fernández Caballero y del libretista Miguel Echegaray, estrenada en el Teatro de Apolo en 1893 con un éxito rotundo, tiene todos los ingredientes para hacer disfrutar al público, tanto por su música como por el chispeante humor que destila el texto y su interesante uso del teatro dentro del teatro. Con todo, para conseguir el objetivo de atraer a un público joven del siglo XXI hay que realizar algunas intervenciones que transformen el lenguaje del siglo XIX en un lenguaje de hoy.

 

Y eso lo consigue la versión libre de Susana Gómez, quien también es la directora de escena. Además, las modificaciones y cortes realizados en el texto no alteran el significado y sentido de la obra original sino que la vuelven más accesible para los jóvenes de hoy. Los colores vivos y el estilo desenfadado de los trajes diseñados por Gabriela Salaverri subrayan el carácter alegre y actual de esta versión. Y cuando en el texto original se nos muestra los entresijos del trabajo teatral con las audiciones para seleccionar cantantes, se introduce una estética actual que se asemeja a los concursos televisivos.

 Y por supuesto, la energía que transmiten los jóvenes intérpretes nos devuelve un espectáculo actual, lleno de vitalidad.

Otro acierto ha sido emplear un pequeño grupo de cámara bajo la dirección musical de Miguel Huertas y asimismo, dar un gran protagonismo al coro que, por otra parte, también lo tenía en la versión original.

Hay que destacar el compromiso de los jóvenes intérpretes que ponen su entusiasmo y su buen hacer.

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En cuanto a Alberto Fría y Talía del Val salen totalmente airosos del famosísimo dúo.

El público disfrutó mucho, fue participativo y salió con una sonrisa en los labios.

Hay que dar la enhorabuena a esta inteligente iniciativa que establece un puente enriquecedor entre el hoy y el ayer. Más de un Muy bonitaespectador desconocedor del género querrá ir a la fuente original y saber más de esos creadores que enriquecieron nuestro patrimonio musical.

 

La magia y la belleza de “La tempestad” de R. Chapí en el Teatro de la Zarzuela

 

Por Norma Sturniolo

 

Los días 16 y 18 de febrero se representa en el Teatro de la Zarzuela “La Tempestad” con música de Ruperto Chapí y libreto de Miguel Ramos Carrión, en versión concierto y en una nueva adaptación del dramaturgo Alberto Conejero. La dirección musical está a cargo de Guillermo García Calvo. Una excelente decisión la de su actual director. Incomprensible que una obra de tanta belleza haya sido sepultada en un silencio de noventa años.La tempestad 2

La obra es muy exigente y demanda excelentes cantantes por lo cual la elección recayó en : Ketevan Kemoklidze, Carlos Álvarez, José Bros, Mariola Cantarero, Alejandro López y Carlos Cosías.

Además, con gran acierto, se ha incluido a un narrador que nos sumerge en una atmósfera legendaria con un texto literario que desde un futuro nos explica hechos del pasado. El narrador es nada menos que el gran Juan Echanove.

Esta maravillosa obra que es mucho más una ópera que una zarzuela y que el propio Chapí denominó melodrama fantástico se estrenó en el Teatro de la Zarzuela en 1882 y tuvo un enorme éxito para luego, inexplicablemente, caer en el olvido.

El estreno el día 16 dejó sorprendidos a quienes no conocían “La Tempestad”, sorpresa que se repetirá el domingo 18. La música tiene una potencia emocional y una belleza propia de las obras que permanecen en la memoria y atraviesan las épocas sin perder un ápice de su hechizo.

Por otra parte, la ambientación en la brumosa Bretaña, la omnipresencia de la tormenta, un asesinato que ha quedado impune , un culpable que es inocente, unos huérfanos que se aman, un misterioso indiano que regresa a Bretaña y es la hipérbole de la generosidad, un malvado y usurero corroído por la culpa, el mar embravecido, están todos los ingredientes de un melodrama que subyuga al espectador.

Mariola Cantarero
Mariola Cantarero

Joseì Bros
Joseì Bros

Ketevan Kemoklidze
Ketevan Kemoklidze

Carlos Alvarez
Carlos Alvarez

La música es de una gran belleza ya desde el maravilloso preludio con la introducción y el coro que canta la plegaria “Estrella de los mares” donde hay claros ecos wagnerianos para pasar luego a la intervención de Simón, el personaje que encarna la maldad cantando “La lluvia ha cesado” y que el barítono Carlos Álvarez interpretó magistralmente siendo ovacionado por el público.

A ese canto marcado por lo siniestro le sucede una bellísima barcarola con ecos de la famosa barcarola de Los cuentos de Hoffmann de Offenbach interpretada por la mezzosoprano Ketevan Kemoklidze y la soprano Mariola Cantarero cuyo canto fue ganando en belleza a medida que avanzaba la obra y destacó en la romanza “Ayer toda alegría/hoy luto, llanto y duelo” , lo mismo que  le sucedió al tenor José Bros que encarnó a Beltrán, el indiano bueno y que cantó con gran calidez el tema “Morir ya puedo”.

También cabe destacar las interpretaciones del bajo mexicano Alejandro López en el papel del juez que, equivocadamente cree que Beltrán es el asesino y la del tenor barcelonés Carlos Cosías, en el papel de Mateo el pescador, que terminará descubriendo al verdadero asesino.

Asimismo, el coro titular del Teatro de la Zarzuela que tiene un gran protagonismo, encarnando temores, sueños, consejos y recordando al protagonismo de los grandes coros románticos.

Es de agradecer esta recuperación que permite conocer el valioso patrimonio de la música española.

La tempestad 2

Un canto a Galicia a través del amor y el dolor

 

      El amor y el dolor, la Galicia eterna y la actual en la nueva representación de Maruxa

 Norma Sturniolo Piñeyro

MARUXA

Desde el 25 de enero al 11 de febrero, después de 46 años de ausencia, la égloga lírica, Maruxa de Amadeo Vives, cobra nueva vida en el Teatro de la Zarzuela, con dirección escénica de Paco Azorín y musical de José Miguel Pérez-Sierra, acompañado por la Orquesta de la Comunidad de Madrid y del Coro Titular del Teatro de la Zarzuela.

Hay, un doble reparto con las voces de Maite Alberola, Rodrigo Esteves, Simón Orfila, Ekaterina Metlova, Susana Cordón, Borja Quiza y Svetla Krasteva, entre otros. Comparten escenario con ellos, un elenco de trece actores, la bailarina María Cabeza de Vaca, que representa a la diosa Galicia y la voz en off corre a cargo de la actriz María Pujalte.

Maruxa, con música de Amadeo Vives y libreto de Luis Pascual Frutos, se estrenó en Madrid, primero como zarzuela en 1914 y luego, como ópera en dos actos en 1915.

¿Cómo hacer que esta obra con una música excelente llegue a los espectadores del siglo XXI?

Este es el desafío que se propuso afrontar el director de escena Paco Marín y consiguió superarlo.

En la historia de los amores sinceros de una pareja de pastores gallegos (Maruxa y Pablo) ayudados por un capataz, Rufo y de las estrategias engañosas urdidas por una pareja de primos que llegan al campo desde la ciudad (Antonio y Rosa), Paco Martín destaca y enaltece el escenario gallego donde transcurre la acción y por medio de él acerca la obra al presente.

 

MAITE ALBEROLA

Se destaca en esta producción una Galicia, bella, feraz, doliente, con un pueblo que lucha y afronta con valor las dificultades. Se nos muestra la Galicia mágica y la que sufre la codicia de los poderosos.

Ya desde el comienzo de la historia, presenciamos en el escenario a los protagonistas del libreto original y, en un segundo plano, amenazante, vemos unos personajes silenciosos que representan a los poderosos, especuladores y desaprensivos culpables de tragedias medioambientales. Esto quedará subrayado con carteles que nos hablan de esos depredadores.

Asimismo, la Galicia eterna está representada con bellas danzas en la esbelta figura de la bailarina María Cabeza de Vaca.

Se proyecta la imagen del buque petrolero Urquiola que vertió unas cien mil toneladas de petróleo en 1976 anegando las rías de Betanzos, Ferrol y Ares y el solidario movimiento popular que se dedicó a limpiar la costa afectada. Por eso, al final, todos, incluida la pareja protagonista, aparecen con los monos manchados con el chapapote.

Otra novedad, es la incorporación de versos de los Cantares gallegos de Rosalía de Castro, un libro fundacional de las Letras gallegas que, como acertadamente se ha dicho, sirvió de espejo dignificante de la comunidad gallega. Versos en los que se habla de la hermosa Galicia, de una Galicia encantada.

Esa fusión entre lo onírico y lo real, lo eterno y lo actual conectó con el público que en el estreno aplaudió de manera entusiasta la representación.

Los primeros aplausos comenzaron en la escena IV cuando el bajo Simón Orfila  comenzó  a cantar el célebre ¡Ganapanes! ¡Atrevidos! Con su famoso Gon, Golondrón,golondrina(…).

La música de Amadeo Vives tiene una bella riqueza melódica y se inscribe en la música europea del momento. La inclusión de algunos temas folclóricos sugiere la ambientación galaica.

En esta nueva representación la escenificación se une a la música para simbolizar ese canto a Galicia que es un canto universal a los ideales de belleza, amor, libertad y justicia.

Madrid: ocio, eventos y cultura. Más allá de la Navidad

 

Por María Rosa Jordán

 

Nueva York, París, Londres, Buenos Aires, por propia experiencia, puedo asegurar, que la ciudad de Madrid, no puede envidiar en cultura y ocio, a ninguna de ellas.  Además se iluminan las céntricas calles, y se anuncia la Navidad, el ambiente alegre de los turistas y madrileños, es inigualable.

Teatro Calderón “La Familia Addams”
Teatro Calderón “La Familia Addams”

 

Los musicales que se exhiben en La Gran Vía y otros barrios: Teatro Nuevo Alcalá con “Billy Elliot”, la historia de un niño dedicado a la danza clásica. Teatro Coliseum “El Guardaespaldas”, recreación de una bella película. Teatro Calderón “La Familia Addams”, los monstruos de la pantalla.  Y el Teatro Lope de Vega, donde El Rey León, lleva 6 años en cartel.

 

 

Los amantes de la ópera, deben conocer el Teatro Real, que acaba de cumplir 200 años de existencia, y en la Gala que tuvo lugar hace pocos días, se conmemoró los 20 años de su reapertura.  Las óperas recientes, son “La Favorita» de Donizetti en concierto, «La Bohéme” de Puccini con una maravillosa puesta en escena, y el Ballet Nacional de España recreando los cuadros de “Sorolla”.

 

Las actividades paralelas son muchas: Cursos de ópera, Enfoques, Taller recreativo, Ópera en cine, las visitas totales del teatro. Y una oportunidad, no pierdas el tiempo, si tienes menos de 30 años, puedes comprar las mejores butacas, por sólo 19 euros. No dejes de conocer la música en estado puro.

 

 

 

“La Bohéme” de Puccini en el Real. Foto de Javier del Real
“La Bohéme” de Puccini en el Real. Foto de Javier del Real

El Teatro de La Luz Philips Gran Vía, nos ofrece un variado y buen programa durante todo el año. Actualmente se ofrece el musical “La reina de las nieves” y cuatro espectáculos más llenan sus salas.  Este grupo lleva los espacios del Teatro Infanta Isabel, Teatro Cofidis Alcázar, Teatro Lara y Teatro Galileo.

 

“Gibraltareña” es un espléndido trabajo de la actriz Elisa Matilla en el Teatro Bellas Artes, alternando con otras obras muy interesantes como “ Troyanas” de Eurípides, una coproducción del Teatro Clásico de Mérida, dentro de la variada programación del Teatro Español.

 

El Teatro del Canal, presenta Madrid en Danza y El festival de otoño en primavera, además de una variada programación, repartida en sus salas. Imprescindible en el Teatro Amaya, ver a Arturo Fernández en “Alta Seducción”. En el Centro Cultural de la Villa, Teatro Fernán Gómez, tuvo lugar un magnífico homenaje  a la desaparecida gran bailarina, Mariaemma.

 

Pronto se estrenará “Casa de Muñecas” de Ibsen y veremos un Jardiel Poncela para el siglo XXI con la puesta en escena “Usted tiene ojos de mujer fatal”. En las salas de exposiciones del Centro Cultural, se puede contemplar la muestra “Basilio Martín Patino”, Madrid rompeolas de todas las Españas.

 

El Teatro de la Zarzuela dirigido por el argentino Daniel Blanco, a quien felicitamos por su enorme gestión. La zarzuela “El Gato Montés”, el concierto del tenor Javier Camarena y El Ballet Nacional de España, “Electra” llenan diariamente la sala del teatro.

 

Para asistir con niños a varios espectáculos, recomendamos: El Teatro Reina Victoria  con “Peter Pan”, “Tarzán el musical” y “Annie Jr”.

 

El famoso Circo del Sol con “Tótem”, el Circo Price y el Circo mágico, un reino de ilusiones.

 

 

Museos y Exposiciones

En la Fundación Mapfre el asombroso “Zuloaga”
En la Fundación Mapfre el asombroso “Zuloaga”

El Museo del Prado nos asombra con “Fortuny  1838-1874” excepcional muestra,  y una serie de singulares pinturas de pólvora del pintor chino Cai Guo-Qiang.

Museo Thyssen Bornemisza presenta “Picasso/Lautrec”
Museo Thyssen Bornemisza presenta “Picasso/Lautrec”

Fundación Juan March: nos enseña el movimiento Arts and Crafts en Gran Bretaña  “William Morris”. Fundación Mapfre con el asombroso “Zuloaga” en el París de la belle Apoque 1889-1914. El Museo Thyssen Bornemisza presenta “Picasso/Lautrec” diálogo artístico entre dos figuras capitales de la vanguardia. Biblioteca Nacional: “Los viajes a Tierra Santa en los siglos XVI y XVII” y la exposición “José Zorrilla”, poeta popular.

 

“Federico Fellini sueño y diseño” en el Círculo de Bellas Artes, que ha cumplido sus 10 años de vida ininterrumpida, con la mejor música de Jazz Círculo. “Alphonse Mucha” en el Palacio Gaviria. El Museo Arqueológico trae “El poder del pasado. 150 años de arqueología en España”.

 

La Casa de América  “Chaco Ra´Anga. Territorio acotado” donde se puede realizar una visita a este precioso palacio. En la Casa Árabe,  emplazamiento cercano al Parque del Retiro, las actividades organizadas son muchas. Últimamente dieron un espectáculo fuera de serie:  “Hamsa para soñar” que se trata de un concierto de música árabe, sefardí, flamenca y africana.

 

Visita el Palacio Real y sus exposiciones.  Y en el Museo de América, la exposición: “Al encuentro del Gran Espíritu”.

 

Los amantes de la música Clásica no pueden perderse la gran programación de la Fundación Excelentia.  También podrán asistir a los conciertos de la Banda municipal de Madrid, con un programa de Navidad muy bonito.  En el Auditorio Nacional de Música, se ofrecen grandes conciertos y los de Año Nuevo son fuera de serie.

 

Websites donde se puede ampliar información:

 

www.fundacionexcelentia.org

www.revistateatros.es

www.guiadelocio.com

 

webmaster: Ana Lucía Ortega

Madama Butterfly o la seducción de una heroína trágica, frágil y digna.

 

Por Norma Sturniolo

Fotos cortesía Javier del Real

Merece destacarse el esfuerzo del Teatro Real por acercar el arte de la ópera a un público amplio. La difusión dada a la representación de Madama Butterfly es admirable. Se barajan cifras importantísimas como las de 120.000 personas en municipios de toda España. La retransmisión en el canal de Facebook del Teatro Real ha sido superior a 800.000.  En Twitter la retransmisión de MadamaButterfly fue trending topic nacional con el hashtag #madamaendirecto, alcanzando una audiencia de 18.000.000 de usuarios con todas las publicaciones. También TVE ha obtenido una excelente cifra de seguimiento en la retransmisión en La 2, con 335.000 espectadores.

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Esta política de divulgación de la ópera está realizada con total acierto porque lo que se ofrece aúna calidad, atractivo y un alto grado de emoción, posibilitando la empatía del público con lo que ve.

Si Madama Buttlerfly es una de las óperas más populares y emocionantes del compositor de Luca, esta Butterfly puede conmover incluso a los más remisos, tanto por los intérpretes como por la reposición de la inteligente y creativa dirección de escena de Mario Gaz, la espléndida escenografía de Ezio Frigerio, los exquisitos figurines de Franca Squarciapino, la dirección musical de Marco Armiliato y dirección del coro de Andrés Máspero. Sobresaliente la interpretación de la soprano Ermonela Jaho en el papel protagonista y de Enkelejda Shkosa en de la fiel Suzuki. Conviene recordar que se representa en el coliseo madrileño desde el 27 de junio al 21 de julio de 2017.

 

El director de escena Mario Gaz opta por el juego de la ficción dentro de la ficción. El juego metaficcional, a veces, produce un distanciamiento, pero, en este caso, el resultado es todo lo contrario, hay un emocionante acercamiento a lo que sucede en escena. Mario Gas sitúa la historia en un plató cinematográfico en los años 30 y los espectadores presenciamos la ópera en sí, la supuesta grabación cinematográfica que se hace de la misma y su reproducción en blanco y negro en una gran pantalla.

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Aparecen un director de cine, los técnicos con su equipo y por encima de los subtítulos, se proyecta la filmación con unos primeros planos que nos permiten apreciar todos los gestos de los personajes. Es como si pudiéramos ver parte de su interioridad, y, sobre todo, nos acerca a esa mujer niña Cio- Cio San o Butterfly, que tiene quince años al comienzo de la historia y al final se suicida con 18. Asistimos a su viaje que es gozoso al principio pero que, muy pronto, se torna doloroso. Pasará desde la inocente, casi pueril felicidad a la posterior esperanza en el regreso del su gran amor y a la necesidad del autoengaño. Todos saben que el oficial de la marina americana de quien se ha enamorado la ha abandonado. Ella, por el contrario, cree que volverá. Pero, ¿su confianza es total o necesita creer para no morir de dolor, servirse del autoengaño para seguir viviendo? Cuando no hay ningún resquicio para la esperanza, la trémula niña se convierte en una mujer capaz de devolverse el honor a sí misma. La música del compositor de Luca, arrebatadora, tiene ecos orientales con los que se subraya la delicadeza del mundo que rodea a Butterfly y, a la vez, su crueldad. ¿Acaso Butterfly tiene una posibilidad de vida mejor acatando a los suyos? A todas luces parece que no. Se insiste en la soberbia del americano, por supuesto que su soberbia queda patente en el primer acto, así como en el conflicto entre dos civilizaciones, una de las cuales se considera superior a la otra, pero no se hace suficiente hincapié en la condición femenina en una sociedad feudal, en la marginación de una mujer pobre como Butterfly en dicha sociedad. ¿Cuál sería su futuro si aceptara las propuestas de quienes la rodean? ¿Casarse con el pretendiente Yamadori que abandonó a sus mujeres, por lo cual podemos prever que haría lo mismo con Butterfly? ¿Volver a ser una geisha obligada a entretener a los demás? Ella sueña con algo diferente, con un amor verdadero. Ama la belleza por eso se encandila con las bellas palabras que no está acostumbrada a oír. Además de la fascinación que le produce el extranjero debido a una extrema juventud más propensa a la ensoñación , la seducen las palabras del yankie Pinkerton que la llama de formas muy bellas, nombres que ellas recuerda con devoción.

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Imposible no conmoverse con ese sueño de amor de Butterfly y más aún cuando la vulnerable japonesa está interpretada por unaButterfly 1826 soprano tan entregada a su papel como la albanesa Ermonela Jaho que transmite todo esa riquísima gama de matices que va desde la fragilidad y los movimientos casi de niña al comienzo de la historia hasta el terrible desgarramiento del final. Jaho hace suyo el personaje y nos transmite su temblor de mariposa herida.

¿Cómo no conmoverse con la obra de Puccini (1858-1924) ese gran conocedor del alma femenina? Recordemos sus propias palabras “ si la obra no me conmueve, si el libreto no me llega al corazón, si no me hace reír y no me hace llorar, si no me exalta y me sacude, no hay nada que hacer . No es cosa para mí. Resultaría una falsedad, una desarmonía”.

 

El emocional maestro, al referirse a Butterfly, afirmó en una de sus cartas “La ópera me conmovía siempre cuando la releía al piano

Sentir, emocionarnos, abrirnos al sufrimiento y los sueños, las grandezas y las debilidades de personajes que son muy humanos y reconocer el poder transformador del arte es algo que hay que agradecer a obras como ésta.

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Eventos veraniegos 2017 – Madrid y más allá de la capital

 

Por María Rosa Jordán

En la Capital de España, un verano más, nos ofrecen variados programas, culturales y de ocio, absolutamente atractivos. El Teatro Real ha presentado la ópera Madama Butterfly, obra maestra de Giacomo Puccinni, con una puesta en escena creada en 2002 por Mario Gas, el polifacético director de escena hispano uruguayo. Cuando se cumplen 110 años de su estreno en Madrid, nos dan la oportunidad de poder ver la ópera en retrasmisión directa, en centros culturales, ayuntamientos y museos de toda España, así como en plano internacional, llegará al Instituto Cervantes de Pekín (China) y a distintos puntos de Colombia y México.

Como parte de la celebración de la Semana de la ópera, se inauguró en el Museo Thyssen-Bornemisza, la exposición” Madama Butterfly y la atracción por Japón“ que pondrá de relieve, la fascinación por Japón que recorrió Occidente en el último tercio del siglo XIX.

Otoño en el T.Real  con las siguientes óperas: “La Favorita “ “Lucía di Lammermoor“  “ La Bóheme “ “Aida“   imposible enumerar la programación completa.

El Teatro de la Zarzuela ofreció una ópera en 3 actos, ambientada en las playas de la Costa Brava   “Marina“ de Arrieta.  Para la próxima temporada se ha presentado una gran variedad de géneros, ópera, zarzuelas y operetas “El Gato Montés“  “El cantor de México“  “Maruxa “  “La tabernera del Puerto “. El T. de la Zarzuela ha presentado el Vl Concurso Internacional de  Canto Alfredo Kraus, para impulsar la carrera de los jóvenes cantantes líricos. www.cicakraus.com

Smedia en sus distintos espacios teatrales, estrena en pleno estío “El lago de los cisnes“  ballet de San Petersburgo, “El Príncipe y la Corista“ “Antes y después“  “Nueve y cuarenta y tres“ y presenta sus veranos en el Teatro Galileo, en sus jardines, cena y espectáculo “Cuatro corazones con freno y marcha atrás“  una de las comedias más deliciosas y alocadas de Enrique Jardiel Poncela.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en su 40 edición, cita ineludible del verano, convoca 102 representaciones y 50 compañías llegadas de 13 países.

Festival de San Lorenzo de El Escorial, 17 espectáculos de música, lírica y danza clásica.

En Alcalá de Henares, bajo el lema  “Alma del mal“ comienza una nueva edición de este gran festival.

63 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida “Calígula“  “Séneca” “La bella Helena“ “Viriato“.

El Teatro Clásico en verano recorre España: Olmedo, Almagro, Cáceres y Centro Niemeyer  de Avilés www.teatrosclasicos.mcu.es

El Centro Cultural de la Villa Teatro Fernán Gómez, tuvo una programación magnífica desde el mes de enero, y su final de temporada fue especial, con las zarzuelas  “La Gran Vía“  y  “La Generala“, sus actividades paralelas, conciertos, encuentros con el público y una exposición  “De Vives a Chueca“ dejó muy  satisfechos a sus fieles espectadores.

La Compañía Nacional de Danza de España, se presentó en los Teatros del Canal con “Carmen“ de Georges Bizet, con gran éxito, próximamente se presentará  El Festival de Fados 2017 y un homenaje al gran bailarín Antonio Soler, el mítico  Antonio de los años 50 ·.

El Teatro Español  y Teatro Bellas Artes han mantenido una temporada excepcional, esperamos con verdadera expectación la próxima llegada del otoño.

El Teatro de La Latina, sigue con su ritmo habitual en julio, agosto y septiembre.

El Teatro Lara nos presenta la gran obra “Hay que deshacer la casa“ de Sebastián Junyent una montaña rusa de emociones que a nadie dejará indiferente.

En Teatro Amaya un año más nos sorprende con  “Alta seducción“ compañía de Arturo Fernandez

Veranos de la Villa. Del 30 de junio al 3 de septiembre se despliegan por todos los distritos de Madrid, proponiendo actividades que quieren ser una ventana al mundo y a la que de hecho sucede en la ciudad: Sinfonía de verano, cine participativo, convocatoria abierta.

Conde Duque “Camarón más allá de la leyenda“;  Músicas del mundo en la Quinta del Pardo, Circo Price,  música clásica sonará en Villaverde. Las Naves del Matadero “The Great Tamer”.  La Plaza Mayor  “Carmina Burana”. Retiro “Poetas en territorio Moyano” y “Noche de Títeres”. “Bailar en la Calle“  en la explanada de la Calle Bailén cine, música, magia, zarzuelas y más…. http://www.veranosdelavilla.com

Exposiciones y Museos

En la Embajada de Argentina en Madrid, se exhibieron los cuadros de Magali Tiraboschi, nacida en Concordia  Argentina, se expresa a través de los colores y gestos  “Huellas“.

La pintora argentina Adriana Zapisek, acaba de inaugurar su estudio en Madrid
La pintora argentina Adriana Zapisek, acaba de inaugurar su estudio en Madrid

En la Galería Santana Art Gallery en Madrid, se acaba de inaugurar la primera Exposición Internacional de Pintura y Escultura  “Crónicas de nuestros días“ con la participación de 31 artistas de distintos países de Iberoamérica, USA, Reino Unido y España.   Por Argentina participó la reconocida pintora Adriana Zapisek, quién acaba de inaugurar su estudio en Madrid.

El Museo del Prado presenta el programa extraordinario para la Conmemoración de su Bicentenario, además de tener la gran exposición “Los tesoros de la Hispanic Society Museum”, de excepcional calidad y belleza.

Fundación Mapfre, exhibe la exposición Retratos Colecciones, con motivo de esta muestra, un tema inherente a la fotografía desde su inicio. El retrato de Albert Renger- Patzsch.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía  “Piedad y Terror en Picasso: el camino a Guernica, unos de los cuadros más significativos del siglo XX.

Veronés, del pintor italiano renacentista, Paolo Caliari, en el Museo Thyssen-Bornemisza
Veronés, del pintor italiano renacentista, Paolo Caliari, en el Museo Thyssen-Bornemisza

Museo Thyssen-Bornemisza, presenta la obra  El Renacimiento en Venecia, temas mitológicos y religiosos de los pinceles de Tiziano, Tintoretto, Veronés.

La Fundación Juan March que durante todo el año ha presentado una actividad cultural, asombrosa, exposiciones, conciertos, conferencias, en el verano sobre todo, exhibe en su sede de Palma de Mallorca, Lyonel Feininger, comics, juguetes, dibujos y pinturas y en el Museo de Cuenca: Esteban Lisa, El gabinete abstracto.

Tres Rutas por nuestros Museos en Madrid:  Museo de América: Todos los caminos conducen a América.

Museo Arqueológico: Un paseo por la Historia.

Museo del Romanticismo. Un viaje en el tiempo.

Museo de Artes Decorativas.  Diseñar nuestro entorno.

Museo Cerralbo.  El encanto de un palacio.

Museo Sorolla:  Luz del Mediterráneo en Madrid.

Recordemos que en la primavera del 2018 se abrirá y exhibirá una nueva versión de Casa Decor, con las últimas novedades de la arquitectura y decoración actual.

Bandas al Fresco,Templete del Parque del Retiro, la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, cada domingo de mayo a septiembre, interpretan conciertos gratuitos en un entorno ideal.

 

De largo recorrido

Vienen las vacaciones  ¡por qué no organizar un viaje por España!. Recorrer  Arévalo, un encanto detenido en el tiempo medieval. Cuéllar, historia viva, visitando Las Edades del Hombre.  Aranda del Duero. Xátiva en Valencia, un viaje a la cultura y la historia de la mano de dos Papas.

Escapada a Francia en tren, conexiones ferroviarias de alta velocidad, para conocer la agenda cultural y artística de las ciudades francesas.

Dos eventos muy interesantes que ya han pasado, pero que vale la pena reseñar. Festival Internacional del Bolero con la actuación de Armando Manzanero y Alberto Cortéz, musicoterapia para el amor…el recorrido de solo una hora desde Madrid, visitando Brihuega ( Guadalajara ) sorprende por su patrimonio histórico del románico tardío, gótico, mudéjar y sobre todo en los meses de junio y julio florece la lavanda y se inunda el ambiente con su embriagador perfume.

 

Foto destacada: Madama Butterfly anoche, en el Teatro Real de Madrid © Javier del Real

Páginas de interés:

www.grupoesmedia.com        www.guiadelocio.com       www.programate.com      www.teatroaaccesible.com