Humor, brillantez y una música estupenda en ¡24 horas mintiendo!

 

Por  Norma Sturniolo

 

La comedia musical ¡24 horas mintiendo! (estrenada en 1947), del compositor Francisco Alonso, con libreto de Francisco Ramos de Castro y Joaquín Gasa en versión libre de Alfredo Sanzol (Premio de Literatura Dramática 2017) se representa en el Teatro de la Zarzuela desde el 29 de junio hasta el 14 de julio. La dirección escénica es de Jesús Castejón que también actúa en la obra y la dirección musical, de Carlos Aragón, la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Ana Garay, la iluminación de Eduardo Bravo y la coreografía de Nuria Castejón.

1 _ 24 horas

El elenco está integrado por el propio Jesús Castejón, Gurutze Beitia, Estíbaliz Martyn, Nuria Pérez, José Luis López, Enrique Viana, Raffaela Chacón, Ángel Ruiz,  Cecilia Solaguren, José Luis Martínez, María José Suárez, Mario Martín y Luis Maesso.6.-24 horas

Maravillosa recuperación de una obra que demuestra el gran talento musical del compositor Francisco Alonso (Granada, 9 de mayo de 1887-Madrid, 18 de mayo de 1948), con un libreto chispeante lleno de humor y en el que no falta la sátira social. Sátira que está actualizada en la versión de Alfredo Sanzol, donde, como no podía ser de otra forma, uno de sus dardos apunta a la corrupción política.

Quien nunca haya escuchado esta obra quedará admirado al comprobar la maestría del compositor que realiza verdaderas creaciones de diversas tradiciones musicales. En esta magnífica hibridez se mezcla la tradición europea y la latina, el gusto por lo castizo y la moda del musical americano. Encontramos one-step, slow fox, chotis, fado, marchiña, samba, ranchera, canción mallorquina, vals, swing, guajiras y pasodobles.7.-24 horas

Afortunadamente, tanto la dirección escénica de Jesús Castejón, la escenografía de Carmen Castañón y la coreografía de Nuria Castejón sirven muy bien al texto. Las actualizaciones de ciertos aspectos de la trama (una boite, una compañía teatral) quedan expuestas con claridad y permiten un fácil y ágil movimiento en el escenario. También hay que destacar lo acertado del vestuario de Ana Garay, muy colorido, brillante y en el que no falta el homenaje a los sombreros con frutas y el adorno de plumas propios de la revista.

La música es una delicia muy bien ejecutada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid a las órdenes del talentoso Carlos Aragón.

Todo el elenco canta, se mueve, baila con auténtica entrega. El espectáculo en su totalidad es muy disfrutable y resulta difícil destacar un número. Por citar algunos de los momentos de desternillante humor, podemos poner como ejemplo el número del célebre chotis Arrímate-maté-maté interpretado magníficamente, con una gracia inmejorable, por Jesús Castejón y Gurutze Beitia. Ambos representan en la ficción al matrimonio de Casta y Casto, económicamente arruinados y obsesionados con las apariencias, con ínfulas aristocráticas. En esta actualización de Sanzol son actores arruinados de una compañía teatral y que mienten todo el tiempo. Fingen que se van de gira porque son requeridos en el extranjero y en realidad se esconden en su casa. Cuando reciben, inesperadamente, la visita de Fernando y Laura, un matrimonio argentino “polimillonarios” (otros mentirosos sin blanca, en esta actualización corruptos políticos), que son los padres del novio de una de sus hijas, vuelven a mentir. En este caso, ante los recién llegados, fingen que son los criados de Casta y Casto.

Otro momento memorable por su humor y picardía es el Dueto cómico de la ranchera, en el que Fernando, interpretado magistralmente por Ángel Ruiz ellos, intenta seducir a quien cree que es la criada Casta.

Y también un momento asombroso es el del número Bananas del Perú, interpretado y cantado por el siempre inteligente y chispeante Enrique Viana metamorfoseado en una bella vedette.

Pero, repito, todo el espectáculo es estupendo y todo el elenco da lo mejor de sí.6.-24 horas

El día del estreno de esta brillante representación, cuando llegó el desfile y marcha final, el público aplaudió, gritó bravos y recibió con una sonrisa en los labios el recordatorio de la canción de la felicidad que dice:

La dulce realidad entona su canción entona su canción,

Porque el amor nos da el valor

De la verdad que vive en el corazón.

Gozar, amar, reír es la sublimidad.

Mi pasión es la canción de la felicidad.

4.-24 horas

Fotos cortesía Teatro3.-24 horas

5.- 24 horas

Entrevista a Jon Urdapilleta

 

El talentoso músico se encuentra en España para programar sus próximos conciertos

Por Luis María Villanueva

Jon Urdapilleta (Bidania-Goiatz, 1996) estudió piano en la Escuela Municipal de Música de Donostia con su profesora y madre Mª Isabel Martín. Paralelamente, realizó estudios de violín con Catalin y Anton Bucataru, y de órgano con Loreto Fdz. Imaz. Como violinista obtuvo el título de Grado Profesional en el Conservatorio Francisco Escudero de Donostia y fue miembro titular de la EGO. En su trayectoria pianística ha obtenido Primeros Premios y numerosos galardones. Asimismo, ha ofrecido recitales en la Quincena Musical de Donostia, en TIHMS de Holanda y en el Festival International Piano Classique de Biarritz entre otros.

Ha recibido Masterclasses de músicos como Galina Eguiazarova, Jacques Rouvier, Tatiana Sarkissova, Pascal Nemirovski, Christopher Elton, Evgueny Sudbin, Pascal Devoyon y Maxim Vengerov. Actualmente cursa sus estudios superiores de piano en la prestigiosa Royal Academy of Music de Londres con Rustem Hayroudinoff, gracias al apoyo de Fundación Kutxa y Royal Academy of Music.

¿Cómo son tus comienzos, dónde empiezas, el motivo por la música y qué instrumentos?

Mi madre es música de profesión. Es profesora de piano en la Escuela Municipal de Música de Donostia-San Sebastián. Además de pianista es miembro activo del Orfeón Donostiarra desde 1983, de manera que la música siempre ha estado muy presente en nuestra casa. Comencé a estudiar el piano a los 7 años en la Escuela Municipal de Música de Donostia-San Sebastián con mi madre, con ella estudié hasta venir a Londres con 17 años. De 10 a 16 años estudié violín con Catalin y Anton Bucataru en el aula de violín del Orfeón Donostiarra. Con 15 años obtuve el Título de Grado Profesional de Violín en el Conservatorio “Francisco Escudero” de Donostia-San Sebastián e ingresé en la Joven Orquesta de Euskadi (EGO)como violinista donde participé durante tres años. Paralelamente de los 14 a los 17 estudié órgano en el mismo Conservatorio con la profesora Loreto Fernández Imaz.

¿Por qué te defines por el piano y abandonas el violín, cuando con quince años tenías bien encaminada tu carrera de violín?

Siempre he disfrutado mucho con ambos instrumentos y también con el órgano, pero desde pequeño quería ser pianista. Solía escuchar mucho repertorio pianístico y me encantaba salsear entre las partituras de mi madre, fue así como me enamoré del instrumento, pero les guardo un gran cariño al violín, al órgano y a todas las experiencias vividas en orquesta o música de cámara.

¿Cómo apareces en Londres y como fue esa historia?

Al plantearme dónde quería realizar los estudios superiores pensé en la Royal Academy of Music de Londres, de la que tenía muy buenas referencias. Hice las pruebas de acceso y tras mi admisión obtuve una beca de entrada de la propia Academy, fue una gran alegría; en ese momento descarté otras opciones posibles. Es muy importante señalar que he podido realizar mi sueño además, gracias al gran apoyo recibido desde la Fundación Kutxa. Estudiar en el extranjero es una decisión que te cambia la vida y la forma de ver de muchas cosas, te enriquece, en este caso la actividad cultural es enorme, puede llegar a ser complicado en algún momento, pero soy muy feliz con la decisión y la volvería a tomar.

¿Qué han supuesto los concursos para tí? Has recibido numerosos premios, por favor indícanos alguno de ellos.

Siempre me ha gustado tocar en distintos escenarios, escuchar y conocer a otros pianistas y para eso los concursos son una plataforma que reúne muchos aspectos, además de los que ya he dicho, el reto y la motivación para seguir trabajando con el instrumento. Con 9 años empecé a concursar hasta los 17, y obtuve primeros premios y numerosos galardones en concursos como “Concurso Internacional de Piano Ciudad de San Sebastián”, “Concurso Jóvenes Músicos de Euskadi”, “Premio Infantil de Piano Santa Cecilia de Segovia” y “Certamen Nacional de Piano Veguellina de Órbigo-León”, esa fue una etapa muy importante, en la que disfruté mucho y guardo de ella un gran recuerdo, donde aprendes a llevar un buen ritmo de trabajo y a valorar que el esfuerzo siempre merece la pena. Conciertos ofrecidos. Festivales en los que has actuado. Las actuaciones públicas siempre han sido una constante, es un entrenamiento necesario para mejorar y superarse. En este aspecto estoy muy agradecido a las entidades y personas que nos apoyan ofreciéndonos escenarios donde poder interpretar, y realmente han sido muy diversos. Entre ellos están, el concierto ofrecido en Holanda dentro de “The International Holland Music Sessions”, “Donostia Kultura”, “La II Semana Bach” en Donostia… Recuerdo con mucho cariño mi primer recital con 14 años en la Quincena Musical de Donostia, en el ciclo de Jóvenes Intérpretes, fue una gran alegría, pero también mucha responsabilidad por la importancia del Festival, siendo el intérprete más joven en la historia de la Quincena. También fue muy importante el recital ofrecido en el Festival International ‘Piano Classique’ en Biarritz (Francia)en 2016. Es un festival de piano de mucho prestigio donde también apuestan por los jóvenes intérpretes.

Futuro próximo respecto a conciertos o festivales ya apalabrados.

El 28 de mayo ofreceré un recital en el “IV Ciclo Donostia Musika” en la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia en Donostia, donde interpretaré sonatas de Beethoven y Schubert. Del 21 al 24 de julio interpretaré el Segundo Concierto para Piano y Orquesta de Rachmaninoff con la EGO (Joven Orquesta de Euskadi) el 21 en Auditorio Itsas Etxea de Hondarrabia, el 22 en Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz, el 23 en Auditorio Kursaal de Donostia-San Sebastián y el 24 en Palacio Euskalduna de Bilbao. También tengo previsto un recital en Londres en el mes de octubre.

Ayudas con las que cuentas tú. ¿Tienes alguien detrás para contar con su apoyo?

Me siento muy afortunado y estoy enormemente agradecido a Fundación Kutxa que se ha hecho cargo económicamente de mis estudios y residencia en Londres; además a nivel personal ha supuesto una relación muy especial, ha habido un seguimiento e interés por mi carrera que para mí ha sido de gran motivación y me ha dado fuerza para ir superando los diferentes retos. También tengo una beca de la propia Royal Academy of Music que otorgan en base a los méritos obtenidos en las audiciones de ingreso.

¿Qué sacrificios has tenido y tienes que hacer para estar y llegar donde quieres llegar?

Llegar a ser un músico de élite en la música clásica es algo complicado, es un camino interminable de constante exigencia, de mejora artística y personal; requiere un nivel de excelencia muy alto. Dicho esto, no lo considero un sacrificio porque tengo la fortuna de hacer lo que más me gusta; pero sin duda requiere una gran dedicación y concentración.

¿Cómo es un día normal tuyo?

Normalmente intento estudiar 3-4 horas por la mañana y otras 2-3 horas por la noche. Durante el día la Academy está prácticamente llena con clases, con lo cual lo mejor es estudiar por la mañana y por la noche. Durante el día aprovecho el tiempo para estudiar partituras de Dirección de orquesta, partituras de piano, leer, ir al gimnasio o estar con amigos.

¿Qué se siente antes y al comienzo de los conciertos?

Antes de un concierto hay una cierta tensión que incluso disfruto, son las ganas de expresar todo lo que esa música que voy a interpretar lleva dentro, después de un largo proceso de estudio y asimilación. Las obras que tocas se convierten en parte de uno mismo y nunca te abandonan; te hacen mejor artista y hacen que descubras cosas de ti que quizá desconocías. Al finalizar el concierto normalmente hay una satisfacción por haberte vaciado emocionalmente, aunque nunca está uno del todo satisfecho, es imposible; siempre habrá cosas que mejorar.

¿Cómo preparas un concierto, cuánto tiempo te lleva la preparación?

La programación de un concierto unas veces viene determinada por la propia organización y otras veces soy yo quien piensa en un programa concreto. Normalmente se planifica con varios meses de antelación para poder ir trabajando y madurando la interpretación de las obras.

El Pajaro de fuego, Suit (1945)
El Pajaro de fuego, Suit (1945)

¿Dónde se escuchan más conciertos de música clásica, dónde se actúa con más asiduidad, en una palabra, dónde está la gente más preparada para acudir a los mismos?

La sociedad siempre está en continua evolución, y según el nivel cultural heredado, en cada país vamos avanzando en este terreno de forma diferente. Por otra parte, también es cierto que en los auditorios normalmente nos encontramos con un público mayoritariamente de cierta edad y creemos que el gusto por la música clásica quizás no haya llegado suficientemente a los jóvenes. Pero creo que hoy en día son muchas las instituciones que están haciendo una gran labor educativa y de acercamiento de la música clásica a la sociedad. Las Escuelas de Música con alumnos de todas las edades formándose en instrumento, coro, danza clásica o contemporánea, las Agrupaciones Corales que educan vocalmente a coro de niños, coro de jóvenes y coro de adultos, los Conservatorios, las Orquestas con conciertos pedagógicos para colegios, las tradicionales bandas etc. Mi percepción es que la educación en música clásica en el público general marca a menudo las diferencias, la cuestión reside en el valor que se le otorga a la educación y cultura musicales en los diferentes países. En consecuencia, la música y sus profesionales tienen mayores reconocimiento, relevancia y consideración social. Muchísimos niños tocan un instrumento aunque luego no se vayan a dedicar a la música, esto hace que cuando sean adultos tengan una mayor sensibilidad y apreciación por la música clásica. Esto promueve una mayor demanda en el mercado de la cultura y el entretenimiento, y como consecuencia se organizan conciertos y festivales que con el paso del tiempo adquieren un enorme prestigio. Se convierte en una actividad rentable con precios más asequibles que en España, lo cual vuelve a favorecer de una manera sostenible la demanda de nuevos eventos musicales.

¿Qué opinión te merecen los concursos musicales de TV, donde en menos de un año, con grandes profesores, lanzan al escenario profesionales, se pueden crear en este tiempo, cuando las carreras musicales cuestan los años que cuestan?

Como concepto general me parecen una comercialización exprés de lo que es ser músico, en la que ni siquiera la música es el principal actor sino las vidas personales de los participantes y cómo interactúan entre ellos. Es triste ver que mucha gente sigue estos programas por el cotilleo barato más que por lo que los participantes hacen en sí con la música. Es básicamente como funciona la sociedad hoy en día, nos enseñan que por el hecho de querer algo lo podemos conseguir de forma inmediata y con poco esfuerzo. La música no es eso. En Reino Unido hay un concurso de televisión llamado BBC Young Musicians; es una competición de música clásica de alto nivel entre músicos británicos de menos de 19 o 20 años. Muchísima gente sigue el concurso por televisión, donde se muestra la realidad de cada participante desde un prisma educativo: el esfuerzo que supone estar en esa competición, sus rutinas de estudio… Es una manera mucho más íntegra de presentar referentes a la sociedad. Si se quiere conseguir algo y ser muy bueno en ello, hay que saber que en cualquier disciplina es un camino largo y en ocasiones duro, que requiere de mucha dedicación y esfuerzo, así se consiguen las cosas importantes en la vida como una carrera profesional de éxito.

Mujeres danzándole a la vida

Mujeres danzándole a la vida

La Fundación Telefónica exhibe en la cuarta planta de su sede de la calle Fuencarral número 3, la exposición “La bailarina del  futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker” hasta el día 24 de junio de 2018. Este formato pretende sumergir al visitante en las figuras revolucionarias de la danza moderna a través de la vida personal y profesional de siete pioneras bailarinas y coreógrafas de diferentes nacionalidades. Las estadounidenses Isadora Duncan, Loïe Fuller, Martha Graham y Doris Humphrey, la francesa Joséphine Baker, la alemana Mary Wigman y la española Tórtola Valencia son las elegidas para este proyecto. Siete mujeres que vieron la necesidad de reivindicar, a través de la liberación del cuerpo y del alma, el rígido canon del ballet romántico y que han contribuido a convertir la danza moderna en una nueva forma de arte.

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En ACPI hemos tenido el privilegio de contar el pasado 5 de marzo con el escritor y dramaturgo Don Francisco de la Torre y Díaz-Palacios, que dio una conferencia centrada en la vida de la bailarina Isadora Duncan y de cómo esta hizo de su pasión su vida. Desde la Asociación invitamos a todos nuestros lectores y socios a acercarse a la Fundación Telefónica a visitar esta exposición para poder seguir descubriendo el importante legado que han dejado, no solo Isadora, si no estas siete bailarinas, en la sociedad un siglo después.

Redacción: María Valbueno y Carmen Amado, Universidad Pontificia Comillas, Relaciones Internacionales

Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan

Con ocasión de la reciente celebración del Día Internacional de la Mujer ofrecí una conferencia titulada «Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan», pareciéndome oportuno ahora dedicar unas líneas sobre la personalidad de mujer tan extraordinaria que acaso no supe destacar lo suficiente, convencido de que la palabra oral no permite a veces ahondar en matices interesantes.

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Por ello, quiero centrarme ahora en el mérito de esta gran bailarina, con independencia de su vida amorosa y sus veleidades amorosas, porque me parece más interesante resaltar su condición femenina, que desde niña supe encauzar hasta niveles sobresalientes sin que tuviera la oportunidad de formarse en estudios superiores, ni siquiera en los básicos. De inteligencia despierta y atrevida, desde su más tierna infancia, a proyectos superiores supo alzarse hasta costas insospechadas. Ciertamente, su madre era profesora particular de piano y una tía aficionada a la poesía, pero ni una ni otra parecieron preocuparse por la preparación usual de una niña, que en este caso apuntaba cualidades destacadas.

Sí acudió en los primeros años a una escuela pública, pero se rebeló enseguida por considerar que allí no entendía nada y lo que vislumbraba no figuraba en los planes escolares. Ella tuvo muy claro, desde el principio, la belleza del mar y el esplendor de la Naturaleza y sintió muy pronto la fascinación por lo uno y lo otro, que su cuerpo le pedía movimiento y su intelecto le exigía imitación.

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Advirtió que las limitaciones hogareñas y el ámbito en que se movía eran topes que se alzaban ante sus sueños antes de alzarse en proyectos, y convencida de su capacidad para emular el esplendor la Diosa Tierra se propuso dedicar progresivamente su mejor tiempo a dar forma bailando a la contemplación de un amanecer como a la grandeza del océano. Y junto a este sentir le atrajo la manifestación de los sublime en su más amplía expresión: la atracción por las grandes obras de artífices inolvidables, el estudio de la filosofía alemana, la percepción de piezas poéticas magistrales, el seguimiento de notables textos místicos, etc.

Aspectos todos ellos que llenaron innumerables jornadas de su existencia, relativamente breve pues murió a los cincuenta años de edad. Así, aún careciendo de actuaciones escénicas llenaba su tiempo con visitas exhaustivas a los grandes museos (el Louvre o la National Gallery) o se deleitaba en noche sin sueño con la lectura minuciosa de la Divina Comedia o se conmovía hasta el éxtasis al contemplar los grandiosos restos de la arquitectura griega, recitando espontáneamente en su primera visita: ¡Henos aquí, después de tantos trabajos, en la sagrada patria de la Hélade! ¡Salud, olímpico Zeus! ¡Y Apolo! ¡Preparaos, oh Musas, a bailar de nuevo! ¡Nuestros cantos despertarán a Dionysos y a las bacantes dormidas…!

Asimismo, no puede extrañarnos su deleite ante la contemplación de «La Primavera» de Botticelli, confesando: «Bailaré este cuadro y transmitiré a los demás el mensaje de amor, de primavera, de creación de vida que yo he recibido con tanta emoción. A través de la danza transmitiré mi éxtasis». Y sensacional fue su danza, acompañada de un joven compositor, de unos «Nocturnos» de Chopin y los «Sonidos sin palabras» de Mendelssohn en el Threatre Sara Berndardt de París, presentándose «envuelta en unas telas flotantes y con los pies desnudos».

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¡Qué huella nos dejó esta mujer! Supo soñar despierta con grandes sueños; adquirió, sin los medios habituales, un formidable bagaje cultural; rompió la tradicional disciplina de los grandes ballets con originales y bellísimos planteamientos, demostró a las mujeres que no existe frustración en su sexo si ponen de relieve talento y dedicación, generando en definitiva admiración y recuerdo.

Francisco Torres y Díaz Palacios

La magia y la belleza de “La tempestad” de R. Chapí en el Teatro de la Zarzuela

 

Por Norma Sturniolo

 

Los días 16 y 18 de febrero se representa en el Teatro de la Zarzuela “La Tempestad” con música de Ruperto Chapí y libreto de Miguel Ramos Carrión, en versión concierto y en una nueva adaptación del dramaturgo Alberto Conejero. La dirección musical está a cargo de Guillermo García Calvo. Una excelente decisión la de su actual director. Incomprensible que una obra de tanta belleza haya sido sepultada en un silencio de noventa años.La tempestad 2

La obra es muy exigente y demanda excelentes cantantes por lo cual la elección recayó en : Ketevan Kemoklidze, Carlos Álvarez, José Bros, Mariola Cantarero, Alejandro López y Carlos Cosías.

Además, con gran acierto, se ha incluido a un narrador que nos sumerge en una atmósfera legendaria con un texto literario que desde un futuro nos explica hechos del pasado. El narrador es nada menos que el gran Juan Echanove.

Esta maravillosa obra que es mucho más una ópera que una zarzuela y que el propio Chapí denominó melodrama fantástico se estrenó en el Teatro de la Zarzuela en 1882 y tuvo un enorme éxito para luego, inexplicablemente, caer en el olvido.

El estreno el día 16 dejó sorprendidos a quienes no conocían “La Tempestad”, sorpresa que se repetirá el domingo 18. La música tiene una potencia emocional y una belleza propia de las obras que permanecen en la memoria y atraviesan las épocas sin perder un ápice de su hechizo.

Por otra parte, la ambientación en la brumosa Bretaña, la omnipresencia de la tormenta, un asesinato que ha quedado impune , un culpable que es inocente, unos huérfanos que se aman, un misterioso indiano que regresa a Bretaña y es la hipérbole de la generosidad, un malvado y usurero corroído por la culpa, el mar embravecido, están todos los ingredientes de un melodrama que subyuga al espectador.

Mariola Cantarero
Mariola Cantarero
Joseì Bros
Joseì Bros
Ketevan Kemoklidze
Ketevan Kemoklidze
Carlos Alvarez
Carlos Alvarez

La música es de una gran belleza ya desde el maravilloso preludio con la introducción y el coro que canta la plegaria “Estrella de los mares” donde hay claros ecos wagnerianos para pasar luego a la intervención de Simón, el personaje que encarna la maldad cantando “La lluvia ha cesado” y que el barítono Carlos Álvarez interpretó magistralmente siendo ovacionado por el público.

A ese canto marcado por lo siniestro le sucede una bellísima barcarola con ecos de la famosa barcarola de Los cuentos de Hoffmann de Offenbach interpretada por la mezzosoprano Ketevan Kemoklidze y la soprano Mariola Cantarero cuyo canto fue ganando en belleza a medida que avanzaba la obra y destacó en la romanza “Ayer toda alegría/hoy luto, llanto y duelo” , lo mismo que  le sucedió al tenor José Bros que encarnó a Beltrán, el indiano bueno y que cantó con gran calidez el tema “Morir ya puedo”.

También cabe destacar las interpretaciones del bajo mexicano Alejandro López en el papel del juez que, equivocadamente cree que Beltrán es el asesino y la del tenor barcelonés Carlos Cosías, en el papel de Mateo el pescador, que terminará descubriendo al verdadero asesino.

Asimismo, el coro titular del Teatro de la Zarzuela que tiene un gran protagonismo, encarnando temores, sueños, consejos y recordando al protagonismo de los grandes coros románticos.

Es de agradecer esta recuperación que permite conocer el valioso patrimonio de la música española.

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El inolvidable Elvis Presley

 

16 de Agosto de 1977. Elvis: A 40 años de su muerte

Elvis

“Antes de Elvis no había nada…” John Lennon

 Artículo del periódico EMG

Por Juan Ignacio Vera *

16AGO17 – MADRID. Soy un fan irredento de Elvis desde que tenía 13 años. Nunca olvidaré la primera vez que oí “Don’t Be Cruel” (No Seas Cruel). Fue en 1956 estando en el patio del Liceo (Instituto) de mi ciudad natal (Melipilla, Chile) donde cursaba el segundo año de enseñanza media y mi compañero de clase y hoy viejo amigo José (Pepe) Ricardo Carrasco, tenía en aquellos años el único transistor que conocía a la fecha y durante un recreo, escuchando un programa de música popular emitieron aquella canción y ambos quedamos paralizados al oírla. En aquel momento supe que nunca más podría dejar de oir y admirar aquella música y que algo –auque no sabía exactamente que- estaba cambiando en el mundo que conocíamos.

 
Elvis cantando
 

Han pasado más de 60 años (61 para seexactos) y mi afición y admiración por Elvis no ha decaído ni un ápice y por el contrario, se ha ido acrecentando tanto mi gusto por su música como por el conocimiento de ese irrepetible fenómeno que significó la irrupción de Elvis en el ámbito de la música popular de aquellos años y que desbarató de un plumazo, todos los “gustos musicales” de una generación que por aquello años en Chile, tenía como únicos referentes el tango argentino que inundaba las radios, las canciones mexicanas de Jorge Negrete y Miguel Aceves Mejía, así como los boleros de un joven Lucho Gatica que se abría paso aceleradamente desde México hacia todo el continente americano y resto del mundo. La música tropical –también muy popular en la época- corría a cargo de La Sonora Matancera y así, se completaba el abanico musical al cual los jóvenes de aquel entonces, estábamos “acostumbrados” hasta que llegó Elvis y puso todo patas arriba.

Desde 1994, año en que comencé a dirigir mi periódico “E M G” (EuroMundoGlobal) he escrito cada mes de agosto un artículo como tributo a la memoria de Elvis situación que de una manera u otra, me ha llevado a escribir con ligeras variaciones, sobre los aspectos más conocidos del origen, trayectoria y final tanto de la vida como la carrera artística de Elvis motivo por el cual en esta ocasión, al cumplirse el 40 aniversario de la desaparición de este icono de la música popular de la segunda mitad del siglo XX y lo que va de este presente siglo XXI, quiero hacer un repaso a otros aspectos menos conocidos por el gran público de lo que fue la vida de este ídolo de multitudes, considerado el más grande cantante popular de todos los tiempos y que hoy a 40 años de su muerte, sigue tan vivo como entonces y al cual millones de personas que ni siquiera habían nacido cuando murió, admiran y siguen con casi el mismo fervor de quienes crecimos y nos hicimos mayores escuchando su música y sucumbiendo al mágico influjo de sus canciones que grabó a centenares (registró más de mil) y que tienen sin embargo, un detalle poco común en la producción musical de otros cantantes y es que ninguna de las canciones de Elvis, se parece a otra y cada una tiene características que las hacen únicas. Un repaso superficial de sus grabaciones haría imperceptible esta cualidad pero un buen conocedor de su música comprenderá de inmediato de que estoy hablando.

Sin duda hoy mismo es difícil ser original al contar o escribir algo referido a Elvis. Hay más de 2.500 “biografías auténticas” publicadas en el mundo entero y sin duda cada una de ellas, tiene algo de auténtico si bien estos datos “veraces” son los mismos en todas esas biografías. Separar la leyenda del personaje real es tan difícil como imposible ya que el mito de Elvis, comenzó a tejerse al mismo tiempo en que decidió acudir un día del verano de 1953 a la Sun Records, para -según una costumbre bastante común en la época-, hacer una grabación para obsequiar a su madre. Contrariamente a lo que se ha dicho, con aquella grabación “casera” no pasó absolutamente nada ya que era una grabación casi de broma similar a lo que sería hoy mismo, hacerse una foto en un fotomatón, es decir tenía un propósito único y concreto.

Elvis no era consciente en aquel momento (y posiblemente no lo fuera durante mucho tiempo) de lo que estaba próximo a sucederle, como tampoco lo fue de aquella fortuita y afortunada cadena de hechos ocurridos desde que aquella grabación casual quedara archivada en la Sun Records para que su propietario, el también “famoso” (al rebufo de Elvis) Sam Phillips al revisar meses después, los trabajos realizados en su estudio de grabación pensara (aunque no muy convencido en un primer momento), que aquel muchacho podía tener algún futuro como cantante. Según la leyenda, Phillips llevaba años diciendo: ‘Si pudiese encontrar un blanco que tuviese el sonido y el sentimiento de los negros podría ganar un millón de dólares’. Siguiendo con la repetición de hechos que han llegado a conformar la “leyenda” de los comienzos de Elvis, meses después la secretaria de Sam Phillips decidió un día volver a escuchar la grabación de aquel muchacho tímido que quería grabar un disco para su madre: “Decidí escucharlo —recordaría Keisher—, y al oírlo cantar me pareció poco común. Parecía reunir todos los estilos musicales en uno solo. Es curioso, En ese momento me di cuenta de que Elvis los tenía”. De estos datos deduce que contrariamente a lo que se ha afirmado, desde el primer acercamiento de Elvis a la Sun Records y su posterior y fulminante salto a la popularidad, transcurrieron muchos meses y no fue algo inmediato como se ha repetido tantas veces. Sam Phillips se tomó su tiempo y examinó con calma darle una oportunidad.

En enero del año siguiente, Presley fue a buscar a Phillips, pero no lo encontró. Lo buscó en una y otra ocasión, hasta que por fin logró verlo. Cantó dos canciones, pero Phillips no vio nada extraordinario. Lo volvió a citar unos meses después para que cantara un tema ya cantado por artistas negros: Without You, y algunas canciones de Dean Martin. Aunque no lo había seducido, creía que podría encontrar en aquel muchacho algo diferente.

Phillips creía y no creía. Oía a su secretaria, dudaba, se convencía y volvía a dudar. “Ninguno de nosotros podía sospechar que él iba a ser tan grande”, diría muchos años más tarde. Por fin llamó a su viejo amigo Scotty Moore y le comentó sobre aquel muchacho que era “algo diferente”. Moore lo oyó. Dijo que era nervioso, tímido y educado. “Él sabe que tiene talento y lo único que necesita es un poco de confianza”. La confianza fue llegando, primero por las reiteradas reuniones con Scotty Moore y Bill Black, un amigo del amigo, y luego, porque el tocar y ensayar y darle y buscar, lo liberaron de los yesos y una tarde, la del 5 de julio de 1954, durante otra de aquellas sesiones, tomó la guitarra y empezó a jugar a ser Elvis con una canción que luego cantaría millones de vecesThat’s All Right (Mama), de Arthur Crudup.

Catorce día más tarde, aquella canción estaba prensada y comenzaba a venderse en las tiendas de discos de Memphis, y en general, de todos los pueblos y ciudades de Tennessee. El lado B del disco tenía Blue Moon of Kentucky, de Bill Monroe.

Una quinceañera de nombre Eldene Beard fue la primera persona que compró ese disco, y pasó a la historia por ser la primera que compró una grabación de Elvis Presley. Pagó 50 centavos de dólar por el en Charles Records. Entonces llegaron los periodistas a entrevistarlo, y los agentes a buscarlo, y los músicos a darles sus canciones, y Elvis Presley pasó a ser sólo Elvis. Cantó en algunos festivales, y en el Overton Park Shell empezó a bailar sobre el escenario y a mover la pelvis. “Empecé a hacerlo durante una actuación en Memphis. Lo añadí al show un poco como reacción al miedo que sentí al salir ante el público”.

Esa noche vislumbró el futuro que había imaginado en su habitación, ocho o nueve años atrás. Los aplausos frenéticos del público y los gritos histéricos de las mujeres, las felicitaciones de quienes estaban tras la tarima, las palmadas en la espalda de los músicos que lo habían acompañado, algunos empresarios que lo adulaban, algunos periodistas que lo buscaban, eran el presagio de lo que vendría. “Aquella noche no pude dormir y tuve la sensación, por primera vez en mi vida, de estar al principio de algo grande y sensacional. Aquellos gritos podían significar el final de la miseria que mis padres habían vivido”. El miedo empezaba a evaporarse. La miseria, a diluirse. Elvis comenzaba a ser él, libremente él, y a marcar la historia con su manera de cantar, con sus movimientos, con su fuerza y aquel complejo y profundo no importarle nada en la vida más allá de él.

Pese al fulgurante éxito inicial, Elvis todavía estaba –por decirlo así- en los circuitos locales de algunos Estados del sur de USA. Las grandes ligas se jugaban en Nueva York y la Sun Records era una compañía local sin posibilidades de acceso a ese gran mercado neoyorkino que garantizaría la cobertura nacional. Fue así como la RCA Víctor se hace con los derechos después de pagar una generosa suma (para la época) a Sam Phillips por los derechos de reproducción de las cinco canciones que Elvis grabó para la Sun Records (That´s All Right (mama) – Blue Moon of Kentucky- Good Rockin´tonight – I Don´t care if the sun don´t shine – Milkcow Blues boggie – You´re a heartbreaker – Baby lt´s play house – I´m left, you´re right, she´s gone – I forgot to remember to forget – Mistery train) y el contrato de Elvis y pronto en 1956, Elvis graba el que sería –posiblemente- su canción más representativa y emblemática: Don’t Be Cruel” (No Seas Cruel) una canción escrita por Otis Blackwell que entregó la canción a Elvis y a la RCA a cambio de compartir los derechos de autor al 50% con Elvis. De ahí que en los créditos del disco figuren como autores de la canción Otis Blackewell y Elvis Presley. Lo cierto es que la canción fue escrita sólo por Blackwell mucho antes que Elvis apareciera en escena y había sido ofrecida incluso, a Frankie Valli (que en ese tiempo era vocalista de un grupo llamado “The Four Lovers”) que la rechazó. El disco “Don’t Be Cruel”(que al reverso –cara B- traía otra célebre canción, “Hound Dog” (Perro de caza)) ha pasado a la historia como el disco más vendido con 6 millones de copias sólo en EEUU. Hoy está considerada en el puesto nº 92 de las 500 mejores canciones de toda la historia, seleccionadas por la revista Rolling Stone.

Elvis nunca escribió ninguna canción pese a que también se ha dicho que co-escribió “Love Me Tender” (Ámame tiernamente) otra de sus canciones insignia y que también es el nombre de su primera película. Otis Blackwell, uno de los pioneros del rock, escribió otras canciones para Elvis tales como “All Shook up”, “Return To Sender”, y para Jerry Lee Lewis su célebre“Great Balls of Fire”.

No hay duda que lo ocurrido con Elvis fue el producto de una enorme sucesión de “afortunados hechos casuales” que se confabularon para sacarle del anonimato de un pueblo perdido del sur de EEUU para lanzarlo a la fama y al rutilante mundo del espectáculo. Su nombre, Elvis Aron Presley quizás se habría perdido para siempre en las interminables y polvorientas carreteras, que debía recorrer con su empleo de camionero repartidor de material eléctrico de una ferretería del pueblo donde residía, viviendo casi de manera miserable. La vida para los Presley no era fácil, el “jefe de familia” Vernon Presley, era como siempre se ha dicho, un “tiro al aire”, sempiternamente desempleado, buscando un trabajo que nunca llegaba y con un historial de problemas con la justicia local que en más de una par de ocasiones le mantuvieron entre rejas por largos periodos.

Algunas de las edulcoradas biografías atribuyen al deseo de “pagarse los estudios” (como buen y prototípico joven americano) el hecho que Elvis con apenas 17 años tuviera que ganarse la vida con diferentes oficios. Lo cierto es que la irresponsabilidad de su padre obligó al joven Elvis a trabajar para ayudar al sustento de la familia, especialmente de su madre quien –por si todavía fuera poco- debía soportar el maltrato físico que Vernon Presley le daba cada vez que llegaba borracho a casa y que eran, la mayoría de los días de la semana. Según uno de los biógrafos de Elvis esta situación de maltrato a su madre acabó cuando Elvis –que ya tenía cierta fama y mucho dinero- encaró en una ocasión a su padre y le dijo que además de quitarle la generosa asignación que le pasaba mensualmente para sus borracheras, “le mataría la próxima vez que le viera maltratar a su madre”. El padre de Elvis, fiel a su naturaleza de caradura congénito, nunca se entendió muy bien con Elvis y hay quienes han afirmado que Elvis no soportaba a su padre precisamente por su afición a las mujeres y al alcohol y para corroborar esto, afirman que cuando Gladys Presley murió mientras Elvis cumplía su servicio militar en Alemania, Elvis recriminó a su padre el hecho que a menos de un mes de haber fallecido su madre, Vernon ya había vuelto a las andadas con mujeres y sus borracheras. Según se dice, aquella fue la última oportunidad en que padre e hijo tuvieron un contacto directo y cercano. En adelante y hasta la muerte de Elvis en 1977, se vieron en muy pocas ocasiones si bien Elvis nunca dejó de pasarle la millonaria asignación que Vernon Presley se ocupaba de “reventar” en todos los prostíbulos y burdeles de Las Vegas.

No hay duda que Elvis nació con una estrella que le eligió para llevarlo a la gloria aunque ese camino al dorado Olimpo de los dioses estuviese plagado de desencantos como los que cosechó a lo largo de toda su vida desde que en 1945, se subió por vez primera a una tarima para cantar con algo de público, en un concurso de jóvenes talentos auspiciado por una casa de almacenes, la Black and White. Cantó Old Shep subido a una silla. Esa tarde noche obtuvo cinco dólares por su segundo lugar en el certamen y un pequeño trofeo que miraba y admiraba todos los días. Su nombre, Elvis Presley, había quedado grabado con letras indelebles.

Elvis era y fue siempre en el fondo, un sencillo muchacho de pueblo al cual le aterraban (entre otras cosas) la fama, el gentío y la corte de aduladores que siempre le acompañó. Se dice que Elvis nunca tuvo amigos de verdad. Todos los que tuvo los “compró” en el mejor (o peor) sentido de la palabra. La famosa “Mafia de Memphis”, un grupo de tipos duros que le rodearon desde sus inicios fueron los únicos “amigos” que tuvo. Desde su infancia Elvis fue un niño que a pesar del estrecho medio en que vivía resultaba “diferente”. Fuertemente apegado a su madre, una mujer de cierta sensibilidad y que tenía otras aspiraciones que se vieron truncadas al casarse con el tarambana de Vernon Presley, dedicó todos sus esfuerzos a cuidar de Elvis a quien cada domingo llevaba al oficio religioso de la iglesia de la cual era fiel devota. En el barrio de pobres donde residían, Elvis trabó amistad con chicos duros, acostumbrados a la calle y a resolver sus problemas de la manera más expedita y que sin embargo, respetaban a Elvis por sus modales educados y su innato amable carácter. No obstante el ambiente casi mísero en que desarrolló su infancia, Elvis siempre bien peinado y aseado, nunca fue un muchacho resentido o rebelde. La “rebeldía” de Elvis se manifestaba en su idea de las vestimentas, el peinado y en su forma de cantar en el coro dominical de su iglesia ya que gustaba de pasar largas horas oyendo las canciones que la gran mayoría de hombres y mujeres negras que integraban el coro, cantaban y ensayaban una y otra vez.

Allí, en aquel coro, Elvis Aron Presley comenzó a cantar. Luego diría que “Éramos una familia religiosa. Desde pequeño, lo único que conocí fue música gospel. Me encantaba escuchar el coro. Aquella música se convirtió en parte de mi vida. Era tan natural como bailar. Una forma de escapar de los problemas y una especie de liberación para mí. La iglesia me enseñó lo único que he aprendido sobre canto, todo lo demás ha venido de forma natural”.

Sus largas noches a solas, con la radio encendida y el dial en la emisora de la WDIA, una estación dirigida por negros, lo llevaron a aprehender el gospel de los Ink Spots, de los Blackwoods y de Roy Brown; el country de Jimmie Rodgers, Jim Reeves y Bill Monroe; el rhythm and blues de Rufus Thomas, Roy Brown y los Preachers, y la música sin género de Dean Martin y Roy Hamilton.

Así como su país se había construido sobre el trabajo esclavo de los negros, Elvis fue el beneficiario de una tradición musical afroamericana de décadas y llegó justo a tiempo para resolver (a favor de los blancos) el conflicto racial que empezaba a significar el rock and roll. A mediados de los años cincuenta las fuentes de la música popular más frenética del país estaban en las manos y bocas de jóvenes de color, pero el gran público era blanco y no recibiría con respeto a un Chuck Berry o a un Little Richard, por más electrizantes que fueran. Por eso Sam Phillips no pudo creer su buena suerte cuando descubrió a Elvis (“por fin encontré a un blanco que puede cantar como negro”). Y no sólo eso. El joven de Tupelo le enseñó a la industria de la música el camino más rápido y seguro para vender sus discos: convertir al intérprete en un fetiche sexual.

Pero así como Elvis recibió riquezas y adulación hasta un punto que sólo las figuras mitológicas pueden soñar, también tuvo que pagar el precio de verse sometido a una máquina de producción que nunca se pudo detener. Una vez que el inmoral, infame y falso coronel de pacotilla Tom Parker (su inescrupuloso manager) se dio cuenta de que tenía entre manos el negocio más grande de su tiempo, lo convirtió en una línea de producción imparable. En los años cincuenta Elvis produjo grabaciones exitosas y de calidad a una velocidad asombrosa (52 sencillos y cinco álbumes en cinco años); en los años sesenta fue estrella de cine, con 33 películas que reventaron la taquilla repitiendo casi siempre el mismo argumento (chico humilde se enfrenta a tipos malos, les gana, se queda con la chica y termina celebrando con una canción), y en los setenta trabajó en interminables conciertos, enfundado en su buzo enterizo con capa y volantes con un dudoso tinte kitsch actuando para maduros y ebrios matrimonios de dinero en hoteles y casinos de Las Vegas.

En cada una de estas producciones siempre estuvieron la voz y el carisma de Elvis sosteniéndolo todo como los poderes de un mago. Pero también se podía percibir en el fondo la angustia del artista que había quedado atrapado demasiado rápido en un ciclo comercial que no necesitaba grandes innovaciones para seguir facturando millones cada año a nombre del “rey del rock and roll”. En la carrera de Elvis, lo más auténtico e inmortal siempre fueron los inicios, sus primeras grabaciones en los estudios Sun, sus primeras actuaciones esforzadas y meritorias, hechas a sangre y tripas y los primeros conciertos que dio después de su regreso a los escenarios en 1968, cuando cada actuación era un espectáculo de primera creación.

Elvis Presley también fue el soldado más importante de su país cuando prestó su servicio militar durante dos años (entre 1958 y 1960) en el regimiento estadounidense apostado en Alemania occidental, no muy lejos de la temida y odiada Unión Soviética. Estados Unidos aprovechó políticamente este hecho. Elvis fue una punta de lanza importante en la contienda geopolítica librada contra la Unión Soviética. La Guerra Fría no se trató solamente de dos países amenazándose con armas nucleares o compitiendo por ganar el mayor número de medallas en los Juegos Olímpicos. La pelea era por demostrar qué forma de vida era mejor y cuál de los dos sistemas económicos (capitalismo o comunismo) podía darles más felicidad a los seres humanos.

En ese campo, Elvis ganó todas las batallas para Estados Unidos al preconizar con sus apariciones en TV y con su forma de vida la idealización del “sueño americano”. De hecho, la fulgurante e irresistible ascensión de Elvis desde su mísero barrio en un pueblo del sur de EEUU al estrellato fulgurante de Nueva York era la prueba irrefutable de que aquello “Era América”. Por su parte la URSS, advertía a sus jóvenes de la “inconveniencia” de escuchar a la “bestia decadente del imperio” que alentaba el “estilo de vida americano de vida adolescente hedonista, exultante y consumista”. En Alemania oriental, un joven asesino de una anciana confesaba haber cometido el crimen después “de haber oído canciones de Elvis”.

En su vida personal, Elvis heredó todas las contradicciones de los hijos de su país. Fue el amoroso niño de mamá que quedó huérfano a muy temprana edad y terminó rodeado de hombres (su manager, su padre, sus amigos) a los que sólo les importaba ganar dinero y para quienes las mujeres eran piezas reemplazables en la decoración del palacio. Por eso una de sus más grandes decepciones fue cuando su reina, Priscilla, a quien había formado y preparado desde sus catorce años para ser la amorosa y virtuosa mujer de su hogar, lo abandonó por su entrenador de kárate.

Se dice que Elvis nunca volvió a ser el mismo después del abandono de la que fue por un breve tiempo, su esposa. Quizás entonces añoró el cariño verdadero de quien –como dijo en alguna ocasión- fue la única mujer que realmente lo amó de verdad: su madre. Pero quizás tampoco tuvo tiempo para eso, el próximo concierto con todo el ajetreo previo de bulla, luces y sonido ya estaba allí y luego vendrían otros y otros y el espectáculo debía continuar. Es posible que el dueño de los corazones de tantas chicas de su generación no hubiera conocido nunca el amor verdadero. Aunque nunca le faltaron aventuras con coristas y actrices, su vida empezó el irreversible proceso de desmoronamiento justo después que su matrimonio terminara en 1973 y el sueño del hogar tradicional saltara por los aires hecho trizas.

Al final su corazón no pudo soportar el trepidante ritmo de vida y un ataque lo fulminó el 16 de agosto de 1977. Preso de su afán de huir hacia adelante, Elvis trató de sobrellevar la torturante marcha de gloria de sus últimos años con pastillas, comida chatarra y excesos pero en esa batalla contra el mismo, no podía ganar y terminó perdiéndola con apenas 42 años aunque su temprana muerte no hizo más que acrecentar el mito. Elvis de ninguna manera podía morir ya que admitirlo era como reconocer que el “sueño americano” debía terminar. Por eso quizás, miles de sus compatriotas lo siguen evocando y repitiendo en cientos de espectáculos de imitación en hoteles y programas de televisión y muchos afirman que lo continúan viendo vivo en las calles de Tennessee como una manera de autoafirmarse en la creencia que el mito de Elvis sigue vivo y que aquel que murió en 1977 fue el Elvis de carne y hueso. Aquel Elvis, el de las maravillosas canciones sigue tan vivo como entonces, en la memoria de los millones de personas que en el mundo entero amamos su música.

 *Juan Ignacio Vera Periodista. Director del periódico EMG  Euro Mundo Global. Miembro de FEPET

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Madama Butterfly o la seducción de una heroína trágica, frágil y digna.

 

Por Norma Sturniolo

Fotos cortesía Javier del Real

Merece destacarse el esfuerzo del Teatro Real por acercar el arte de la ópera a un público amplio. La difusión dada a la representación de Madama Butterfly es admirable. Se barajan cifras importantísimas como las de 120.000 personas en municipios de toda España. La retransmisión en el canal de Facebook del Teatro Real ha sido superior a 800.000.  En Twitter la retransmisión de MadamaButterfly fue trending topic nacional con el hashtag #madamaendirecto, alcanzando una audiencia de 18.000.000 de usuarios con todas las publicaciones. También TVE ha obtenido una excelente cifra de seguimiento en la retransmisión en La 2, con 335.000 espectadores.

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Esta política de divulgación de la ópera está realizada con total acierto porque lo que se ofrece aúna calidad, atractivo y un alto grado de emoción, posibilitando la empatía del público con lo que ve.

Si Madama Buttlerfly es una de las óperas más populares y emocionantes del compositor de Luca, esta Butterfly puede conmover incluso a los más remisos, tanto por los intérpretes como por la reposición de la inteligente y creativa dirección de escena de Mario Gaz, la espléndida escenografía de Ezio Frigerio, los exquisitos figurines de Franca Squarciapino, la dirección musical de Marco Armiliato y dirección del coro de Andrés Máspero. Sobresaliente la interpretación de la soprano Ermonela Jaho en el papel protagonista y de Enkelejda Shkosa en de la fiel Suzuki. Conviene recordar que se representa en el coliseo madrileño desde el 27 de junio al 21 de julio de 2017.

 

El director de escena Mario Gaz opta por el juego de la ficción dentro de la ficción. El juego metaficcional, a veces, produce un distanciamiento, pero, en este caso, el resultado es todo lo contrario, hay un emocionante acercamiento a lo que sucede en escena. Mario Gas sitúa la historia en un plató cinematográfico en los años 30 y los espectadores presenciamos la ópera en sí, la supuesta grabación cinematográfica que se hace de la misma y su reproducción en blanco y negro en una gran pantalla.

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Aparecen un director de cine, los técnicos con su equipo y por encima de los subtítulos, se proyecta la filmación con unos primeros planos que nos permiten apreciar todos los gestos de los personajes. Es como si pudiéramos ver parte de su interioridad, y, sobre todo, nos acerca a esa mujer niña Cio- Cio San o Butterfly, que tiene quince años al comienzo de la historia y al final se suicida con 18. Asistimos a su viaje que es gozoso al principio pero que, muy pronto, se torna doloroso. Pasará desde la inocente, casi pueril felicidad a la posterior esperanza en el regreso del su gran amor y a la necesidad del autoengaño. Todos saben que el oficial de la marina americana de quien se ha enamorado la ha abandonado. Ella, por el contrario, cree que volverá. Pero, ¿su confianza es total o necesita creer para no morir de dolor, servirse del autoengaño para seguir viviendo? Cuando no hay ningún resquicio para la esperanza, la trémula niña se convierte en una mujer capaz de devolverse el honor a sí misma. La música del compositor de Luca, arrebatadora, tiene ecos orientales con los que se subraya la delicadeza del mundo que rodea a Butterfly y, a la vez, su crueldad. ¿Acaso Butterfly tiene una posibilidad de vida mejor acatando a los suyos? A todas luces parece que no. Se insiste en la soberbia del americano, por supuesto que su soberbia queda patente en el primer acto, así como en el conflicto entre dos civilizaciones, una de las cuales se considera superior a la otra, pero no se hace suficiente hincapié en la condición femenina en una sociedad feudal, en la marginación de una mujer pobre como Butterfly en dicha sociedad. ¿Cuál sería su futuro si aceptara las propuestas de quienes la rodean? ¿Casarse con el pretendiente Yamadori que abandonó a sus mujeres, por lo cual podemos prever que haría lo mismo con Butterfly? ¿Volver a ser una geisha obligada a entretener a los demás? Ella sueña con algo diferente, con un amor verdadero. Ama la belleza por eso se encandila con las bellas palabras que no está acostumbrada a oír. Además de la fascinación que le produce el extranjero debido a una extrema juventud más propensa a la ensoñación , la seducen las palabras del yankie Pinkerton que la llama de formas muy bellas, nombres que ellas recuerda con devoción.

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Imposible no conmoverse con ese sueño de amor de Butterfly y más aún cuando la vulnerable japonesa está interpretada por unaButterfly 1826 soprano tan entregada a su papel como la albanesa Ermonela Jaho que transmite todo esa riquísima gama de matices que va desde la fragilidad y los movimientos casi de niña al comienzo de la historia hasta el terrible desgarramiento del final. Jaho hace suyo el personaje y nos transmite su temblor de mariposa herida.

¿Cómo no conmoverse con la obra de Puccini (1858-1924) ese gran conocedor del alma femenina? Recordemos sus propias palabras “ si la obra no me conmueve, si el libreto no me llega al corazón, si no me hace reír y no me hace llorar, si no me exalta y me sacude, no hay nada que hacer . No es cosa para mí. Resultaría una falsedad, una desarmonía”.

 

El emocional maestro, al referirse a Butterfly, afirmó en una de sus cartas “La ópera me conmovía siempre cuando la releía al piano

Sentir, emocionarnos, abrirnos al sufrimiento y los sueños, las grandezas y las debilidades de personajes que son muy humanos y reconocer el poder transformador del arte es algo que hay que agradecer a obras como ésta.

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Eventos veraniegos 2017 – Madrid y más allá de la capital

 

Por María Rosa Jordán

En la Capital de España, un verano más, nos ofrecen variados programas, culturales y de ocio, absolutamente atractivos. El Teatro Real ha presentado la ópera Madama Butterfly, obra maestra de Giacomo Puccinni, con una puesta en escena creada en 2002 por Mario Gas, el polifacético director de escena hispano uruguayo. Cuando se cumplen 110 años de su estreno en Madrid, nos dan la oportunidad de poder ver la ópera en retrasmisión directa, en centros culturales, ayuntamientos y museos de toda España, así como en plano internacional, llegará al Instituto Cervantes de Pekín (China) y a distintos puntos de Colombia y México.

Como parte de la celebración de la Semana de la ópera, se inauguró en el Museo Thyssen-Bornemisza, la exposición” Madama Butterfly y la atracción por Japón“ que pondrá de relieve, la fascinación por Japón que recorrió Occidente en el último tercio del siglo XIX.

Otoño en el T.Real  con las siguientes óperas: “La Favorita “ “Lucía di Lammermoor“  “ La Bóheme “ “Aida“   imposible enumerar la programación completa.

El Teatro de la Zarzuela ofreció una ópera en 3 actos, ambientada en las playas de la Costa Brava   “Marina“ de Arrieta.  Para la próxima temporada se ha presentado una gran variedad de géneros, ópera, zarzuelas y operetas “El Gato Montés“  “El cantor de México“  “Maruxa “  “La tabernera del Puerto “. El T. de la Zarzuela ha presentado el Vl Concurso Internacional de  Canto Alfredo Kraus, para impulsar la carrera de los jóvenes cantantes líricos. www.cicakraus.com

Smedia en sus distintos espacios teatrales, estrena en pleno estío “El lago de los cisnes“  ballet de San Petersburgo, “El Príncipe y la Corista“ “Antes y después“  “Nueve y cuarenta y tres“ y presenta sus veranos en el Teatro Galileo, en sus jardines, cena y espectáculo “Cuatro corazones con freno y marcha atrás“  una de las comedias más deliciosas y alocadas de Enrique Jardiel Poncela.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en su 40 edición, cita ineludible del verano, convoca 102 representaciones y 50 compañías llegadas de 13 países.

Festival de San Lorenzo de El Escorial, 17 espectáculos de música, lírica y danza clásica.

En Alcalá de Henares, bajo el lema  “Alma del mal“ comienza una nueva edición de este gran festival.

63 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida “Calígula“  “Séneca” “La bella Helena“ “Viriato“.

El Teatro Clásico en verano recorre España: Olmedo, Almagro, Cáceres y Centro Niemeyer  de Avilés www.teatrosclasicos.mcu.es

El Centro Cultural de la Villa Teatro Fernán Gómez, tuvo una programación magnífica desde el mes de enero, y su final de temporada fue especial, con las zarzuelas  “La Gran Vía“  y  “La Generala“, sus actividades paralelas, conciertos, encuentros con el público y una exposición  “De Vives a Chueca“ dejó muy  satisfechos a sus fieles espectadores.

La Compañía Nacional de Danza de España, se presentó en los Teatros del Canal con “Carmen“ de Georges Bizet, con gran éxito, próximamente se presentará  El Festival de Fados 2017 y un homenaje al gran bailarín Antonio Soler, el mítico  Antonio de los años 50 ·.

El Teatro Español  y Teatro Bellas Artes han mantenido una temporada excepcional, esperamos con verdadera expectación la próxima llegada del otoño.

El Teatro de La Latina, sigue con su ritmo habitual en julio, agosto y septiembre.

El Teatro Lara nos presenta la gran obra “Hay que deshacer la casa“ de Sebastián Junyent una montaña rusa de emociones que a nadie dejará indiferente.

En Teatro Amaya un año más nos sorprende con  “Alta seducción“ compañía de Arturo Fernandez

Veranos de la Villa. Del 30 de junio al 3 de septiembre se despliegan por todos los distritos de Madrid, proponiendo actividades que quieren ser una ventana al mundo y a la que de hecho sucede en la ciudad: Sinfonía de verano, cine participativo, convocatoria abierta.

Conde Duque “Camarón más allá de la leyenda“;  Músicas del mundo en la Quinta del Pardo, Circo Price,  música clásica sonará en Villaverde. Las Naves del Matadero “The Great Tamer”.  La Plaza Mayor  “Carmina Burana”. Retiro “Poetas en territorio Moyano” y “Noche de Títeres”. “Bailar en la Calle“  en la explanada de la Calle Bailén cine, música, magia, zarzuelas y más…. http://www.veranosdelavilla.com

Exposiciones y Museos

En la Embajada de Argentina en Madrid, se exhibieron los cuadros de Magali Tiraboschi, nacida en Concordia  Argentina, se expresa a través de los colores y gestos  “Huellas“.

La pintora argentina Adriana Zapisek, acaba de inaugurar su estudio en Madrid
La pintora argentina Adriana Zapisek, acaba de inaugurar su estudio en Madrid

En la Galería Santana Art Gallery en Madrid, se acaba de inaugurar la primera Exposición Internacional de Pintura y Escultura  “Crónicas de nuestros días“ con la participación de 31 artistas de distintos países de Iberoamérica, USA, Reino Unido y España.   Por Argentina participó la reconocida pintora Adriana Zapisek, quién acaba de inaugurar su estudio en Madrid.

El Museo del Prado presenta el programa extraordinario para la Conmemoración de su Bicentenario, además de tener la gran exposición “Los tesoros de la Hispanic Society Museum”, de excepcional calidad y belleza.

Fundación Mapfre, exhibe la exposición Retratos Colecciones, con motivo de esta muestra, un tema inherente a la fotografía desde su inicio. El retrato de Albert Renger- Patzsch.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía  “Piedad y Terror en Picasso: el camino a Guernica, unos de los cuadros más significativos del siglo XX.

Veronés, del pintor italiano renacentista, Paolo Caliari, en el Museo Thyssen-Bornemisza
Veronés, del pintor italiano renacentista, Paolo Caliari, en el Museo Thyssen-Bornemisza

Museo Thyssen-Bornemisza, presenta la obra  El Renacimiento en Venecia, temas mitológicos y religiosos de los pinceles de Tiziano, Tintoretto, Veronés.

La Fundación Juan March que durante todo el año ha presentado una actividad cultural, asombrosa, exposiciones, conciertos, conferencias, en el verano sobre todo, exhibe en su sede de Palma de Mallorca, Lyonel Feininger, comics, juguetes, dibujos y pinturas y en el Museo de Cuenca: Esteban Lisa, El gabinete abstracto.

Tres Rutas por nuestros Museos en Madrid:  Museo de América: Todos los caminos conducen a América.

Museo Arqueológico: Un paseo por la Historia.

Museo del Romanticismo. Un viaje en el tiempo.

Museo de Artes Decorativas.  Diseñar nuestro entorno.

Museo Cerralbo.  El encanto de un palacio.

Museo Sorolla:  Luz del Mediterráneo en Madrid.

Recordemos que en la primavera del 2018 se abrirá y exhibirá una nueva versión de Casa Decor, con las últimas novedades de la arquitectura y decoración actual.

Bandas al Fresco,Templete del Parque del Retiro, la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, cada domingo de mayo a septiembre, interpretan conciertos gratuitos en un entorno ideal.

 

De largo recorrido

Vienen las vacaciones  ¡por qué no organizar un viaje por España!. Recorrer  Arévalo, un encanto detenido en el tiempo medieval. Cuéllar, historia viva, visitando Las Edades del Hombre.  Aranda del Duero. Xátiva en Valencia, un viaje a la cultura y la historia de la mano de dos Papas.

Escapada a Francia en tren, conexiones ferroviarias de alta velocidad, para conocer la agenda cultural y artística de las ciudades francesas.

Dos eventos muy interesantes que ya han pasado, pero que vale la pena reseñar. Festival Internacional del Bolero con la actuación de Armando Manzanero y Alberto Cortéz, musicoterapia para el amor…el recorrido de solo una hora desde Madrid, visitando Brihuega ( Guadalajara ) sorprende por su patrimonio histórico del románico tardío, gótico, mudéjar y sobre todo en los meses de junio y julio florece la lavanda y se inunda el ambiente con su embriagador perfume.

 

Foto destacada: Madama Butterfly anoche, en el Teatro Real de Madrid © Javier del Real

Páginas de interés:

www.grupoesmedia.com        www.guiadelocio.com       www.programate.com      www.teatroaaccesible.com

El valor de la compasión en Iphigenia en Tracia, zarzuela barroca de José de Nebra

 

 

Por Norma Sturniolo

Fotos: Javier del Real

 

La zarzuela barroca Iphigenia en Tracia  de José Nebra se representa estos días (15, 19, 23 ,25 y 27 de noviembre de 2016) en el Teatro de la Zarzuela  con dirección musical de Francesc Prat, dirección escénica de Pablo Viar, escenografía de Frederic Amat, vestuario de Gabriela Salaverri e iluminación de Albert Faura.

 

 

El reparto está integrado por María Bayo, que interpreta el papel de Iphigenia, Auxiliadora Toledano, en el de Orestes, Ruth González como la princesa Dircea de Tracia, Erika Escribá- Astaburuaga como Polidoro, Lidia Vinyes- Curtis, en el papel de la criada Cofieta y Mireia Pintó, en el de Mochila. Es una nueva producción alrededor de la cual se han programado otras actividades  y una exposición que se mantendrá hasta el 27 de noviembre en el Museo Tyssen-Bornemisza titulada Frederic Amat, la escena pintada en la que  hay una retrospectiva de la obra teatral de F. Amat.

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De la obra escénica de José Nebra (Calatayud, 1702- Mardrid, 1768), el coliseo madrileño programó hace a unos años, concretamente en 2013, la zarzuela Viento es la dicha de amor donde el protagonismo lo tenía el deseo amoroso.

 

 

 

 

 

 

El libretista de Iphigenia en Tracia es Nicolás González Martínez, autor dramático, censor de comedias y poeta español de la  segunda mitad del s. XVIII. La obra se estrenó en el Teatro de la Cruz de Madrid en 1747 y se basa en la leyenda griega de los Átridas, la trágica familia maldecida por los dioses.

El mito de Ifigenia, la hija de Agamenón y Clitemnestra, hermana de Orestes y de Electra, dio lugar a una larga y rica tradición artística que llega hasta nuestros días. Referentes indiscutibles son las dos tragedias de Eurípides, Ifigenia en Áulide e Ifigenia en Táuride. En esta última, se inspira la zarzuela que nos ocupa.

 

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Recordemos algunos aspectos de la tragedia para señalar, por una parte, la fidelidad y por otra, la originalidad del libreto de esta zarzuela con respecto a su fuente de inspiración.  Ifigenia se encuentra en Táuride, (Tracia en el libreto de N.G. Martínez), porque la llevó allí la diosa Artemisa. Con anterioridad, se encontraba en su patria, en Áulide. La flota aquea contra Troya que dirigía su padre estaba inmovilizada en el mar porque, según un oráculo, lo impedía Artemisa, la Diana romana. El oráculo decía que la diosa permitiría navegar a las naves si, Agamenón sacrificaba a su hija Ifigenia. Él acepta y cuando ella está a punto de ser sacrificada -esta es una de las versiones, ya se sabe que de un mito hay más de una versión, la misma diosa Artemisa la rescata y la lleva a Táuride. Allí, Ifigenia se convierte en sacerdotisa principal del templo de Artemisa. Entre los tauros gobierna Toante e impera una ley cruel según la cual todo extranjero que llegan al lugar debe ser sacrificados. El  hermano de Ifigenia, Orestes había matado a su madre Clitemnestra, en castigo porque ella, a su vez, había matado a Agamenón y a raíz de ese acto es perseguido por las Erinnias, vengadoras de crímenes. Un oráculo explica que para liberarse de esa persecución debe dirigirse a Táuride y llevar a Grecia la estatua de Artemisa.

En esta nueva producción se nos aclara los antecedentes incorporando fragmentos muy bellos de la tragedia de Eurípides y de una obra de finales del XVIII, Ifigenia en Taurida de Goethe (1779).

Un aspecto novedoso de la zarzuela es la inclusión de unos personajes que nada tienen que ver con la tragedia: Mochila y Cofieta, dos criados, equivalentes a los graciosos de nuestro teatro áureo, que tienen dos dúos y dos recitativos en los que se alejan del mundo mítico y hay alusiones a usos de la época que rompen con el tiempo en que transcurre el mito.

 

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La música de Nebra es magnífica desde la obertura inicial y destaca en los dúos y concertantes. Además, Nebra demuestra su originalidad con respecto a las típicas arias barrocas donde se representaba un solo afecto. En un misma aria podemos encontrar dulzura, melancolía e ira como podemos comprobar en la primera aria de la princesa Dircea. En ella, se compara los tiempos felices en los que gozaba del amor de su prometido con los actuales en los que él ha dejado de amarla porque se ha enamorado de Ifigenia. A través de la música y el texto, vamos conociendo el mundo rico, complejo y lleno de inseguridades propio de la psicología humana.

La catarsis, el alivio de la angustia que atenaza a Orestes y a los demás personajes se produce a partir de la anagnórisis, del descubrimiento de la verdadera identidad del forastero. La comprensión y el apelar  al sentimiento de la compasión producen la purificación de los afectos. Ifigenia reconoce en Orestes a su hermano y pide que se le perdone la vida ya que: tirana ley severa, que con holocaustos fieros, obsequiar la deidad quiere, comete crueldad, no obsequio.

Ese mensaje aleccionador de la obra está implícito desde el principio ya que el título completo de la zarzuela es: Para obsequio a la deidad, nunca es culto la crueldad y Iphigenia en Tracia.

 

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Frances Amat, en su labor escenográfica , demuestra una exquisita sensibilidad realizando una coreografía escultórica en movimiento que puede sugerir un bosque, los mástiles de las embarcaciones y todo aquello que despierte en el espectador, apelando  así, a una participación del espectador que se convierte en cocreador del espacio escénico. Una vez más se demuestra que las grandes obras establecen comunicación con todos los tiempos y lugares.

La pasión y el melodismo de Norma en el Teatro Real

 

 

Por Norma Sturniolo

Fotos: Javier del Real

 

El Teatro Real, inmerso en la conmemoración de su Bicentenario (1818-2018) y en el veinte aniversario de su reapertura, ofrece como segunda ópera de la programación de 2016/17 una de las obras maestras del belcantismo Norma de Vincenzo Bellini.

Acontecimiento muy esperado, sobre todo, si se piensa que la última vez que se llevó a escena esta ópera fue el 28 de diciembre de 1914. Asimismo, hay que celebrar que se retransmitirá en directo el 29 de octubre a través del canal de la televisión Arte-concert.

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Norma es fruto de la feliz conjunción entre la música celestial de Bellini y los maravillosos versos de Felice Romani. El dúo Bellini-Romani es comparable al tándem formado por Mozart-Daponte, Hugo von Hofmannsthal-Richard Straus o Puccini-Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.

 

Romani, traductor del francés y autor de un Diccionario histórico y mitológico, ya había realizado para Simon Mayr, el maestro de Donizetti, la ópera Medea in Corinto basada en el mito griego de Medea y cuando conoce Norma ou l´infanticide, la obra teatral de Alexandre Soumet estrenada en abril de 1831, decide adaptarla para el compositor Bellini. El texto de Romani ofrece variantes y supera al de Soumet. En la obra del francés, Norma como su antecesora mítica, Medea, mata a los dos hijos que tuvo con Pollione, porque su amante se ha enamorado de la joven Adalgisa. Por el contrario, el infanticidio no se realiza en el libreto operístico.

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Sumariamente, recordemos que Romani sitúa la acción en la Galia durante la ocupación romana alrededor del año 50 a. C en el bosque sagrado de los druidas. Norma, hija Oroveso, el jefe de los druidas, es la sacerdotisa del templo del dios Irminsul. Ella ha quebrantado su voto de castidad al convertirse en amante de Pollione que, además, es procúnsul de Roma, enemiga de su pueblo y con el que ha tenido dos hijos. A su vez, los galos desean sacudirse el yugo romano e ir a la guerra. Norma, protegiendo a su amado, dice que el dios aún no quiere la guerra. Pero Pollione se ha enamorado de la joven virgen Adalgisa lo que provoca la ira de la sacerdotisa quien llegará a pensar en matar a sus hijos por despecho. Acción que, finalmente, no llevará a cabo. La joven Adalgisa al descubrir la verdad, renunciará a Pollione e intentará que Norma reconquiste el amor del procónsul romano. El fracaso de Adalgisa desencadenará la furia de Norma y llevará a un final grandioso en el que ella revelará la verdad el pueblo galo y acabará muriendo en una pira junto a Pollione.

Un resumen es un pálido reflejo de lo que sucede en la obra donde hay una riqueza enorme de sentimientos. El sublime melodismo de Bellini alcanza su máxima expresión no solo en ese aria celestial que es Casta Diva sino a lo largo de la ópera. Los dúos entre Norma y Adalgisa en el que esta última empieza a confesar a la sacerdotisa su amor culpable y provoca en Norma el recuedo de su amor con Pollione contiene una melodía cálida y tierna absolutamente conmovedora como quedó patente en el dúo entre la soprano Maria Agresta (Norma) y la mezzosoprano Karine Deshayes (Adalgisa) o el otro dúo maravilloso Mira o Norma cuando Adalgisa convence a Norma de que debe vivir , que se apiade de sus hijos y que confíe en que recuperará el amor de Pollione.

 

La dirección de escena de Davide Livermore y la escenografía de Giò Forma han generado cierta polémica. Sin embargo considero que la puesta en escena ha sabido transmitir el espírtu mágico del bosque sagrado .Quizás podrían haberse suprimido algunas proyecciones, pero no es nada fácil llevar a escena una obra en la que las batallas se libran en el corazón del personaje.

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Hay una riquísima expresión de sentimientos como el amor, la pasión, los celos, la ira, el sentimiento de venganza, el dolor, la amistad, la relación materno-filial y paterno filial que propicia la empatía del oyente. Y como broche de oro:, la comprensión final que permite a Pollione reconocer la grandeza de Norma y a ella liberarse de los sentimientos negativas de odio y venganza. La redención llega con el retorno del amor y la norma-3215purificación por el fuego.

 

 

 

 

 

Muchos han sido lo que elogiaron esta obra, uno de los primeros Donizetti que afirmó que le hubiera gustado firmar esa ópera. Schopenhauer y hasta Wagner que llegó a componer un aria para Oroveso cuando trabajaba como director en Riga. Se cuenta que Chopin lloró al escuchar esta ópera. Norma ha conmovido, conmueve y seguirá conmoviendo al público futuro.

 

 

 

 

 

 

 

 

Norma: tragedia lírica en dos actos. Música: Vincenzo Bellini (1801-1835).

Libreto Felice Romani (1788-1865) basada en la obra de teatro Norma ou l´infanticide (1831) de Alexandre Soumet.

Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán 26 de diciembre de 1831

Estrenada en el teatro Real el 14 de noviembre de 1851.

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Palau de les Arts de Valencia y la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO)

Primer reparto Interpretado por Gregory Kunde, Maria Agresta, Karine Deshayes, Michele Pertusi. Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real dirigido por Andrés Máspero. Dir. escena: Davide Livermore. Dir. musical: Roberto Abbado.

Representaciones : comienzo 20 de octubre de 2016 y  finalización 4 de noviembre de 2016

«La guitarra vuela. Soñando a Paco de Lucía»

 

Por Patricia Larrea

«LA MAESTRO» vuela en busca del amor

Cuerpo de mujer, cinturita de romanza, y en tu vientre un mandala desde el que salen las notas rasgadas de quien te amó: Paco de Lucía.

Una guitarra, nueve países Iberoamericanos de América y Europa, 34.000 kilómetros recorridos hacen de este proyecto una historia llena de espiritualidad, amor, alegrías y lágrimas, no sería posible este proyecto si sus creadores el músico y productor Javier Limón y el creativo Jorge Martínez no sintieran como sienten este género tan nuestro.

La Maestro
La Maestro

«La Maestro» única guitarra diseñada por Paco Lucía y que encarga a su amigo y Lutier Toni Morales su fabricación, Paco de Lucía obsesionado por la afinación, sólo puede confiar en este gran amigo, grandes talentos.

Y la guitarra empieza a volar en busca de unas manos que la acaricien, ya que con su dueño no pudo ser, no tuvo tiempo la muerte le sorprende, Paco de Lucía paso a formar parte del gran macrocosmos donde habitan los genios, fallece el 25 de febrero de 2014.

Muy unido y amante del Jazz, la música Cubana y de Brasil, eleva a una categoría estética de arte mayor sus notas, por el mundo entero. «La Maestro» busca su raíz portuguesa, en una maravillosa simbiosis de Fado y Flamenco  se encuentra con la cantante portuguesa Mariza, «la fadista» que entrelaza el diálogo del fado y el flamenco.

Surcando los mares llega a América «esa guitarra mía que me acompaña» y el encuentro con la mexicana Magos Herrera, voz excepcional del jazz latino actualmente, acompañada a la guitarra del gran músico Javier Limón y el armonista Gregoire Maret donde cobra protagonismo la figura de Paco de Lucía.

Y viaja la guitarra cimbreante con su cuerpo de mujer al encuentro de unas manos que la acaricien, La Habana, punto referente para De Lucía, quería a Cuba, donde llegó a pasar largas temporadas, y la alegre viajera se encuentra con su amigo Alain Pérez, pianista, percusionista, cantante, arreglista, estrella reconocida mundialmente del jazz latino, y «LA MAESTRO» se deja acariciar junto a Muñequitos de Matanzas. La simbiosis no puede ser más perfecta, Guaguancó con aire africano y flamenco.

México, mar Caribe donde pasaba también largas temporadas, el mar le inspiraba a crear, el amor lo encontró en Gabriela Canseco, aquí nacieron sus hijos pequeños, y aquí entrega su alma a los dioses Aztecas. Es Alejandro Sanz quien tiene la suerte de interpretar su famosa canción Corazón Partío al acariciar a «LA MAESTRO», gran amigo de Paco de Lucía, habla de sus vivencias, anécdotas con el gran guitarrista.

Y la Guitarra vuela, y en el aire se escuchan las notas de Paco de Lucía y aterriza en Colombia, el país de la cumbia y el vallenato, los ritmos se mezclan, el jazz con el bolero y el flamenco en el gran músico José Darío Martínez «Chabuco» y Mónica Giraldo.

Y la viajera incansable pasa por Uruguay, la música gira alrededor del Candombe de raíz africana, que nace hace más de 200 años, Rubén Rada, magistral artista que mezcla el Candombé con otros ritmos, cabe hacer importante reseña del artista  Fernando «Lobo» Núñez percusionista y lutier afrouruguayo quien también fabrica tambores.

De Uruguay «LA MAESTRO» vuela soñadora a Salvador de Bahía, y se encuentra con Carlinhos Brown, gran percusionista de gran prestigio mundial, hombre comprometido socialmente, solidario que consigue por algo tan especial con el ritmo de los tambores y la música erradicar la violencia y la droga, el músico ayuda a sus gentes con programas sociales apoyado siempre por la música popular, talleres de capoeira, alfabetización, etc

Carlinhos acaricia «LA MAESTRO», rasga de forma espiritual sus cuerdas, y quizá en este sitio el documental rodado tiene un álgido sentido espiritual, en la que Javier Limón cede su corazón de artista a esta tierra, con magia en exquisitas imágenes de Brasil y sus músicos callejeros, el gran Caetano Veloso, maestro respetable, espera con sus brazos amorosos para tocar la mujer de la cinturilla de romanza «LA MAESTRO».

Y nos encontramos con Guinga quien cuenta su gran amistad con Paco de Lucía, Guinga gran virtuoso de la guitarra.

Cartel del Documental "La Guitarra Vuela-Soñando a Paco de Lucía"
Cartel del Documental «La Guitarra Vuela-Soñando a Paco de Lucía»

No podía faltar Argentina, la tierra del tango, hermoso documental del tango, sensual baile, que parece que el hombre acaricia a «LA MAESTRO», cuando baila con la dama ceremonialmente. Aquí nos encontramos con Luis Salinas, cantante compositor, guitarrista que cultiva varios géneros con gran virtuosismo, cultiva el jazz, tango folclore, blues, bossanova y el flamenco, en vida llegó a tocar junto a Paco de Lucía, componiendo temas para de Lucía, el documental sacó el alma de este artista, emocionantes tomas del artista en el que siente el flamenco como suyo, inmerso en las notas al rasgar la guitarra, no podían ser de mayor belleza para que el espectador se sienta unido al acorde de las notas.

Y la guitarra vuelve sigilosamente a su tierra España que le vio nacer, surca los mares para entrar a la tierra del flamenco, Tomatito, Paco de Lucía fue su maestro, es su seguidor el que quiere seguir los pasos al acariciar  haciendo vibrar de amor a la guitarra, y saliendo notas de flamenco cual golondrinas al viento.

Y «LA MAESTRO» hace su última parada, Jerez de la Frontera, donde el flamenco se respira en cada esquina, cuna de este arte, aquí la esperan los grandes puristas del flamenco, Diego del Morao y otros grandes hicieron el homenaje que se merecía Paco de Lucía.

Gracias a sus autores, grandes artistas, que hicieron posible este documental lleno de sentimientos, Javier Limón entiende, lo vive, el flamenco, si no sientes y crees en algo tan profundo, no se podría llevar a cabo este hermoso documental.

Directores del Documental: Javier Limón, Jorge Martínez y Marco Sansavini
Directores del Documental: Javier Limón, Jorge Martínez y Marco Sansavini

Iberia que al cumplir sus 70 años de vida surcando los mares, ha hecho algo especial, magnífico, tendiendo la mano en este gran proyecto, para rendir el homenaje que se merece este gran universal, artista que hizo un cambio revolucionario en la historia del flamenco, hizo que con su música y composiciones se llegara a todo tipo de público, que se amara el flamenco, que llegáramos  a llorar de emoción al acorde del rasgar  de esa su guitarra, la de la cinturilla de romanza, de la que su vientre de Mandala saliera vida y alegría.

Jorge Martinez
Jorge Martínez
Javier Limon
Javier Limón