La visión romántica del destino de una raza

Por Norma Sturniolo

El Teatro de la Zarzuela continúa su excelente política de preservación, estudio, recuperación y difusión del patrimonio lírico español. A la ópera Circe de Ruperto Chapí, le acaba de seguir Tabaré de Tomás Bretón. En versión concierto, la dirección musical estuvo a cargo de Ramón Tebar y los roles protagonistas lo interpretaron el tenor Andeka Gorrotxategi, la soprano Maribel Ortega, el barítono Juan Jesús Rodríguez y el tenor Alejandro del Cerro, a quienes acompañaron los barítonos Luis López Navarro, David Oller y Javier Povedano,el bajo-barítonoIhor Voievodin, el tenorCésar Arrietay la mezzosoprano Marina Pinchuk.

La Orquesta de la Comunidad de Madrid, Titular del Teatro, y el Coro Titular del Teatro de la Zarzuela, dirigido por Antonio Fauró.

La ópera Tabaré , con música y libreto de Tomás Bretón, denominada por el compositor drama lírico en tres actos se estrenó en el Teatro Real en 1913, pero después de tres funciones no volvió a reponerse.

Foto: Elena del Real

El director del teatro, Daniel Blanco, encargó la recuperación de esta ópera al Instituto Complutense de Ciencias Musicales (ICCMU). Víctor Sánchez, el mayor especialista de Tomás Bretón y autor del estudio biográfico del compositor, es el responsable de la edición crítica y Elena di Pinto firma la edición crítica del libreto. Tomás Bretón (1850-1923) se basa en el poema épico-lírico Tabaré (1888) del escritor uruguayo Juan Zorrilla de San Martín (1855-1931), poema que ha sido considerado como la epopeya nacional del Uruguay.

En el poema se describen las luchas entre los indios charrúas, tribu indígena que habitaba en Uruguay y los españoles. El protagonista Tabaré es un mestizo, hijo de indio y de Magdalena, española cautiva, raptada por el padre de Tabaré, el cacique indio Caracé. De la unión entre ambos, nace Tabaré con ojos azules que son una prueba de la sangre blanca de su madre. Tabaré se convertirá en un guerrero fuerte y poderoso. Su madre que sufre mucho en ese mundo ajeno vuelca todo su cariño en Tabaré al que le canta, le enseña su religión y lo cuida, peor que, a causa de su sufrimiento por vivir en ese mundo hostil, muere joven. Tabaré la recordará siempre y la presencia de una joven llamada Blanca intensificará ese recuerdo. Ella aparece con la llegada de Don Gonzalo de Orgaz y diez arcabuceros que deciden instalarse en el lugar. Atrapan a un grupo de charrúas a los que ven como una raza inferior y los califican de bestias. Entre los prisioneros se encuentra Tabaré. Blanca, que es hermana de Don Gonzalo, ve a Tabaré, se da cuenta de que es diferente y se queda pensando en él. Tabaré ha quedado impactado con la imagen de. Blanca. Ella y un religioso, el padre Esteban, convencen a don Gonzalo para que lo dejen libre en el pueblo, bajo palabra de no fugarse de la colonia. Tabaré, sensible y soñador deambula por la aldea recordando a Blanca. Finalmente, ocurrirá un suceso que acelerará el desenlace, que como típica obra romántica será trágico. Ha muerto el cacique y los charrúas celebran los funerales. Yamandú es el nuevo jefe e incita a los indios para que ataquen a los españoles. Yamandú rapta a Blanca. Tabaré lucha con él y acaba matándolo. Regresa con Blanca al poblado blanco pero don Gonzalo al verlo cree que él es el raptor  de su hermana y lo mata. Blanca llora abrazada a Tabaré.

Foto: Elena del Real

Bretón reescribió casi por completo el texto poético, manteniendo solo nueve versos del original en el libreto operístico. El primer acto de la ópera es creación del compositor. En ese primer acto tiene una gran importancia el coro, representación del pueblo indígena que prepara un lecho para el cacique que ha muerto y deciden vengarse haciendo la guerra al blanco. El trabajo del coro es impactante. En su canto aparecen gritos de guerra y alaridos que los identifica con esa raza que ha sido descripta con características animalescas. También, en ese primer acto aparece ya una enemistad entre Yamandú y Tabaré y una lucha por el liderazgo de la tribu. Yamandú desprecia a Tabaré por ser hijo de una blanca. En las palabras de Tabaré aparece ya una palabra propia del Romanticismo: Destino. Augura la imposibilidad de vencer al destino que es el exterminio de los indios porque los blancos son más fuertes con sus poderosas armas.

El tema indigenista y el del destino que augura la desaparición de los indios son típicos del Romanticismo. La profesora Katyns Hight escribió un interesante ensayo titulado Doomed to perish (Condenados a perecer) refiriéndose a los indios americanos, y a las pinturas de George Catlin (1796 -1872) que como sus coetáneos consideraban que los indios eran una  raza inferior, incapaz de evolucionar, condenada a desaparecer (vanishing race) y por eso  había decidido que pervivieran en sus cuadros.

El poema y el libreto operístico transmiten esa visión de los indígenas como una raza inferior cuyo destino es el extermino. Las buenas cualidades de Tabaré se deben a que tiene la sangre blanca de su madre.

Foto: Elena del Real

En la ópera de Bretón está representada con gran acierto la lucha interior de Tabaré, su tragedia existencial porque en él conviven dos mundos provenientes de la mezcla entre sangre blanca y sangre indígena. Hay un momento en el que es como si oyéramos su voz interior encarnando esa lucha.

La música refleja también magistralmente esos dos mundos antagónicos. Se emplean escalas pentatónicas para describir el mundo indígena y también hay melodías exquisitas, que recuerdan la música impresionista cuando evoca el paisaje. Un excelente hacer de Bretón, ya que el paisaje, como en la mayoría de las obras románticas, tiene en el poema de Zorrilla un gran protagonismo y Bretón supo trasmitirlo con delicada expresividad.

En algo más de dos horas nos sumergimos en un mundo exótico con una fuerte carga emocional que también nos mueve a reflexión. Después de 109 años, podemos apreciar y disfrutar esta obra. Hay que felicitar esta estupenda política de recuperación y difusión del patrimonio nacional.

Frida Kahlo: La exposición que muestra la vida de una revolucionaria del arte en primera persona

/// Por Luis Viviant Arias ///

Vida y Obra de Frida Kahlo se encuentra en el Teatro Instante de Madrid, ubicado a metros de la Glorieta Embajadores, y está hasta el 30 de abril. Un encuentro multisensorial con la vida y la obra de la artista mexicana.

Con más de 100 obras plásticas, literarias y fotográficas convertidas es un espectáculo visual y sonoro sobre la pintura y biografía de la artista mexicana Frida Kahlo, la exposición que se desarrolla en el Teatro Instante de Madrid nos muestra no solo la capacidad de una artista en su transformación pictórica  sino que en este recorrido a través diferentes voces nos van relatando sus alegrías, obsesiones, miedos y esperanzas.

Embarcarse en la Vida y Obra de Frida Kahlo es entrar en un universo multisensorial en donde el público no solo observa sino que es parte del mundo de la artista rodeado de imágenes y sonidos que estremecen los sentidos.

¨Con ésta exposición nuestro objetivo es conocer a la otra Frida, la íntima, la mujer, la luchadora con textos en la que ella misma fue narrando su vida¨¨¨ , explica la coordinadora de exposición Carla Prat.

En este recorrido visual con más de 2500 fotogramas y una envolvente banda sonora realizada por el compositor Arturo Cardelús no solo muestra el dolor de una mujer expresado en un lienzo sino que desde su diario personal transporta a quien llega a la exposición Vida y Obra de Frida Kahlo a no solo observar a la artista sino también a la persona, una oportunidad única para descubrir a una revolucionaria del arte.

Más información en www.accionaexhibitions.com

Body Worlds: El maravilloso recorrido por el cuerpo humano y sus misterios está en Madrid

Por Luis Viviant ///

“Body Worlds, el ritmo de la vida” es una exposición itinerante de cuerpos humanos y partes del cuerpo conservados que se preparan utilizando la técnica plastinación para revelar las estructuras anatómicas internas.

A diferencia de otras exhibiciones, los especímenes de esta exposición proceden del programa de donación de cuerpos, establecido en Heidelberg, Alemania, en 1982 y gestionado posteriormente por el Instituto de Plastinación, fundado en 1993 en Heidelberg.

La muestra, que se encuentra desde el 28 de octubre en el reciento ferial IFEMA de la capital española, invita a los visitantes a descubrir nuevos conocimientos y desvelar los misterios del cuerpo humano enalteciendo su esplendor y fragilidad desde la más profunda curiosidad y respeto.

Además “Body Worlds, el ritmo de la vida” no solo explora la nutrición y el ejercicio sino también temas actuales como los efectos de una vida acelerada en el cuerpo y la mente o las conexiones críticas entre ambos. En definitiva “Body Worlds” es un encuentro íntimo con nosotros mismos.

El Círculo de Bellas presentó la temporada cultural con eje en la innovación y los valores humanísticos

Por Luis Viviant Arias //

Con un cielo diáfano e imponente presente sobre Madrid ha sido testigo en la azotea del Círculo de Bellas Artes de la nueva temporada cultural 2021/2022 en el que la innovación, la internacionalización, la atención a la juventud y la defensa de la igualdad entre hombres y mujeres serán los ejes fundamentales de la nueva programación que presentaron el Presidente del Círculo, Juan Miguel Hernández León, el Director de La Casa, Valerio Rocco Lozano, y en representación de la Comunidad de Madrid la Consejera de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz.

El Círculo de Bellas Artes en esta nueva temporada cultural y tras pasar la peor etapa de la crisis sanitaria presenta al público la restauración de la fachada del edificio y también el restablecimiento de los aforos completos en sus salas y espacios.

Presentación de la temporada 21-22 del CBA con el Presidente del Círculo, Juan Miguel Hernández León, el Director, Valerio Rocco Lozano, y la Consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz.
Foto: Luis Viviant

Hernández León explicó que el CBA continuará “como lo viene haciendo desde hace dos temporadas con la presencia del pensamiento y la narración porque la cultura nos es anestesiar las conciencias sino provocar inquietud y pensamiento crítico” y sostuvo que “en esta Casa somos auténticos  creyentes y defensores de la libertad de creación”.

En cuanto a las actividades expresó que se “va a analizara el valor de la cultura y que implica entender la cultura cómo el motor de ruptura, porque la cultura no solo se apoya en el pasado como manera de prever e incentivar el futuro que es algo que no podemos olvidar”.

Por su parte, Rocco Lozano subrayando las palabras del Presidente del CBA apuntó que “esta es una programación en la que conviven por una lado elementos innovadores, novedosos, recientes desde el punto de vista cultural pero también referencias a la gran historia de la cultura, una programación en alerta y atenta a los grandes desafíos sociales en la que buscamos dar respuesta a una programación de manera crítica pero también reflexiva”.

“La innovación defenderla no solamente desde la digitalización sino que vaya mucho más allá de la tecnología, creemos en la cultura desde la creatividad, desde el concepto, desde la ciudadanía y  la critica tiene el poder de aportar mucho al concepto de innovación para enriquecer y dotarlo de valores humanísticos que hoy son más necesarios que nunca en nuestra sociedad”.

El Director hizo una mención y reconocimiento a la plantilla del Círculo “que en estos dos años muy difíciles de recortes e incertidumbres fueron los grandes protagonistas de llevar adelante una programación tan maravillosa que se ha presentado”.

Rivera de La Cruz en su exposición adhirió a las palabras de Rocco Lozano al personal del Círculo trasladando el reconocimiento por su trabajo de la Comunidad de Madrid. Por otro parte la Consejera recordó que “cuando se presentó la temporada pasada la cultura en Madrid iba a ser una temporada heroica porque sacar adelante todo lo que saco con la que nos caía tuvo mucho mérito pero como todo se pasa estoy segura que esta temporada va a ser la victoriosa y nada de lo que se ha hecho no hubiera sido posible con el público”.

Uno de los capítulos destacados de temporada 21-22 del Círculo de Bellas Artes es la celebración del séptimo centenario de la muerte de Dante Alighieri en el que se realizaran presentaciones de libros, conversaciones y conferencias en torno a las mujeres de Dante presentes en la “Divina Comedia” que se unirá a la figura de Friederich Nietzsche con el análisis de la obra “El crepúsculo de los ídolos”.

En lo musical se celebrara la tercera edición de “Circulo de Cámara” como también la continuidad, y sello de la Institución,  de los ciclos  de” Frontera Círculo” y “Jazz Círculo”, a lo que se suma la novedad  de “Matinés CBA”, conciertos organizados junto con Subtefurge, integrados por una banda veterana  y una emergente que tendrán lugar en mayo y junio del 2022.

El Círculo de Bellas Artes abre sus puertas a una nueva temporada cultural  en la que no deja de lado ningún aspecto que atraviesa la sociedad de nuestros días viajando al pasado con el Dante pero mirando hacia el futuro estando atento a los múltiples movimientos culturales a través del debate y el pensamiento crítico que nos atraviesa en esta intensa época.

Información de la programación

www.circulobellasartes.com

La formación argentina Tango Jazz Quartet hace homenaje a Astor Piazzolla en Madrid

En su gira número 27 por Europa el cuarteto llega a Madrid con presentaciones los días 11 y 12 de septiembre en la Capital y abriendo, unos días antes, su llegada a España el día 10 en Zaragoza en el año del centenario del mítico bandoneonista creador de Libertando y Adiós Nonino.

Tango Jazz Quartet mezcla los patrones melódicos y rítmicos del Tango con las armonías e improvisación del Jazz. Este nuevo enfoque de Tango y Jazz ha recibido una reacción entusiasta tanto en Argentina como a nivel internacional. La música del Tango Jazz Quartet va del tango tradicional a la música de Astor Piazzola sin abandonar el territorio del jazz.

Con 27 giras internacionales y más de 30 países visitados, Tango Jazz Quartet actuó en los lugares más prestigiosos del mundo como San José Summer Jazz Festival en San José California, Smalls jazz club en New York, Shanghai Jazz Festival, Nisville International Jazz Festival en Serbia; Festival de Tango y Jazz en Siberia, Rusia, Festival de Jazz de Hong Kong, Joy of Jazz Festival en Johannesburgo; Sunset-Sunside en París; Porgy & Bess en Viena, The Music Village en Bruselas; Snug Harbor en Nueva Orleans, Bflat en Berlín, entre muchisimos más.

El saxofonista y clarinetista Gustavo Firmenich, líder de TJQ, recreó con esta banda las noches de baile que eran comunes en la época dorada del tango en Buenos Aires, donde el Tango y el Jazz convivían aunque se tocaban por separado. Tango Jazz Quartet propuso una fusión de lo que ambos géneros tienen en común y agregó algo distintivo del jazz de lo que carecía el tango: la improvisación.

Este concepto musical tiene una gran recepción de públicos muy diferentes en todo el mundo. «Es la primera vez que escucho una fusión de Jazz y Tango que funciona y tiene sentido», dijo sobre Tango Jazz Quartet el acordeonista francés Richard Galliano.

Gira España septiembre 2021

Viernes 10 – La Bóveda del Albergue. 20 hs.. Calle de los Predicadores, 70, Zaragoza

Sábado 11 – Centro de Arte Moderno (Aforo limitado). 20hs. Calle de Galileo, 52. Madrid.

Domingo 12 – Héroe Café Espectáculo. 17 hs. Calle Francisco de Rojas, 9. Madrid

Más información https://www.tangojazzquartet.com

Luis Cantarell Gregori: “Sin el arte el mundo no tendría ningún sentido”

El escritor madrileño y Licenciado Superior de Arte Dramático en una extensa y rica conversación nos habló sobre sus inicios en la literatura, sus influencias familiares y autorales, y de su primera y reciente publicación “Great Song by Piano” de Avant Editorial. “Me gustaría pensar que sigo escribiendo sobre cosas pequeñas que a ciertas personas les hace ilusión”, se confesó.

Por Luis Viviant Arias / Periodista de ACPI

El autor de «Great Song by Piano» Luis Cantarell Gregori

Luis, ¿Cuál fue tu primer contacto con la literatura?             

Mi primer contacto con la literatura es de muy chico, prácticamente desde el comienzo. Mi padre, que era un ser muy peculiar, nos contaba cuentos que él mismo se inventaba como hacen muchos padres y, bueno, él tenía esa forma de comunicarse a través de la música y a través de la literatura como, además buen lector que era y que fue toda su vida hasta el final, ese fue el primer contacto que tengo.

Me acuerdo perfectamente de pasar a leer cuentos a mis dos hermanas pequeñas cuando estaban malas un día. A una de ellas le leía el cuento de «El Príncipe y la Golondrina».

Pero mi hermano Juan, que va justo delante de mí, me situó frente a la página en blanco. Recuerdo que tenía que llevar una redacción al colegio y él escribió una cosa alucinante sobre dos personajes, dos protagonistas que huían de un vampiro, se refugiaban en una iglesia chiquitita, en una cripta, y el vampiro les seguía, había llegado a una estación de tren y allí las luces de los flashes, de las cámaras de los fotógrafos le deslumbraban y daba su primera muestra de maldad. Juan fue el que puso la puntilla final para que de alguna manera se fuese desatando en mí todo lo que a posteriori ha pasado. Él es la mano que abrió la puerta de una manera directa e indirecta los influjos que tarde o temprano llegarían a entrar.

¿Qué importancia tuvieron tus hermanos y tus padres en ese primer contacto? ¿Qué te aportaron cada uno?

Su importancia es clave, es brutal, mi familia es lectora desde que recuerdo y desde antes por supuesto. Entonces, su importancia fue toda y hay una parte inconsciente que no te das cuenta de ello hasta que llevas un tiempo, aunque lo sepas. Mi padre me aportó una imaginación desbordante en una persona a la que le era tan difícil comunicarse con los demás si no era a través de la música y la literatura que veíamos que leía, porque él no solía comentar absolutamente nada, se encerraba en su despacho y allí se pasaba horas leyendo. Llegó a leer un libro sobre cómo manejar un ordenador sin tener un ordenador a mano, que yo le decía «papá, mira, te enseño con el ordenador fijo en el cuarto». «No, no, primero la teoría y luego la práctica».

Por otra parte mi padre me aportó esa seriedad, ese humor negro mezclado con una ternura especial que tenía y mi madre esa gracia muy de andaluza y al mismo tiempo esa energía y esa rabia, ese genio.

Mi hermano Juan fue clave en empezar a dejar bullir todo sentado delante de una máquina Olivetti que pesaba más que el cuarto donde dormíamos. Pero yo estaba asombrado, para mí era lo más preciado y precioso de este mundo. Luego ya pasamos a los ordenadores.  Juan es un creativo nato, no sabe música, pero se atrevía a tocar instrumentos sin saberlo, es un melómano, es una persona muy peculiar.

Pami, la mayor de todos, escribía canciones en una guitarra de mi abuelo, sin saber música, le escribía canciones a un osito que tenía, escribía cosas que se le ocurrían a ella. Mi hermana tiene esa dulzura y tiene algo de esa inocencia de mi madre y ese genio que hemos heredado todos de una u otra manera.

Ana, que es la pequeña, es una persona muy particular y con ella me he acercado, en cierta manera a lo que es lo «sobrenatural», pero sí aquello que no se puede explicar.

Por su parte Bernardo es el que menos lee de los seis; lee, pero no llega al nivel de mis hermanos, que a veces leen dos y tres libros, Juan llega a leer dos y tres libros y al final ya no sabe cuál es cuál, y él es la paciencia absoluta y te pregunta, porque se interesa mucho por saber cómo estás, cómo te va todo, pero de una manera ciertamente aséptica y un poco desde ese punto de vista de tu asesor que te lleva las cuentas para que te vaya todo bien y es muy curioso, es un personaje de libro mi hermano Bernardo; bueno, en realidad lo son todos.

Y María, la que va detrás de mí, es mi mano derecha, es la primera que lee todo y es muy especial, es una persona que tiene una visión psicológica de las cosas, al mismo tiempo tiene mucha imaginación y es una grandísima escritora que todavía no ha dado el paso

Todos me han aportado los colores de una casa de cinco hermanos, de mi padre y mi madre que son, que eran cada cual muy diferentes y creo que es un caldo de cultivo, un caldo de cultivo de un libro.

El autor que encendió en mí esa necesidad, esa chispa para empezar a contar mis propias historias fue Mario Benedetti

En ese crecimiento literario, ¿Qué libro o autor fue el que encendió la chispa para empezar a contar tus propias historias?

Realmente empecé a escribir antes de ser consciente de que para escribir necesitaba leer. He escrito y leído desde muy pequeño y he pasado temporadas en que no leía tanto. Pero la lectura ha sido como la voz del narrador de “Great Song by Piano”, siempre ha estado ahí, pero de esa manera casi invisible.

Si hablamos de libro y de autor que encendió en mí esa necesidad, esa chispa para empezar a contar mis propias historias, el primero que siempre nombro y pongo de ejemplo fue Mario Benedetti. No sé en qué momento comencé a leer a Mario Benedetti, pero me acuerdo perfectamente de una serie de relatos cortos, cuentos, historias cortas, y cuando leí uno concretamente que me dejó impactado  es «El Hotelito de la Rue Blomet»  y a partir de ahí empezó, digamos, a relacionarse de una manera muy estrecha con la literatura, en general todo el arte, pero la literatura con lo que escribía. Pero todavía no era consciente de que para escribir necesitaba leer. Ese libro fue brutal.

Y por otro lado Louis de Bernières. Me acuerdo de que estaba esperando un autobús y en una tienda de la estación del tren de Villalba vi un libro que se titulaba «La Mandolina del Capitán Corelli». Me atrapó la portada y lo que leí en la contraportada me pareció sencillamente precioso. Lo compré y lo devoré.

Después llegó JRR Tolkien con su «Hobbit», con «El Señor de los Anillos» y «El Silmarillion», que me parece una obra, no sólo de orfebrería, si no una obra mágica impresionante.

Y luego Eduardo Galeano, Antonio Gamoneda con «Libro del Frío»; Milena Tusquets que me dejó impresionadísimo. Pero los dos pilares, por así decirlo, de forma consciente han sido Mario Benedetti y Louis de Bernières. Sin ellos, mi mundo no creo que no llegaría a verse como se ve.  

Cantarell Gregori junto a Sully Fuentes presidenta de ACPI en la presentación en Madrid

Estas de estreno como autor con “Great Song by Piano”, de que ya vamos hablar más adelante en la que hay una conexión entre la literatura y la música. ¿Qué tan importante es la música en tu vida como escritor?

Esa es una pregunta para mí básica, muy personal, y creo que universal. Una vez vi escrita una frase de George Michael, que para mí es, digamos mi santo patrón, que decía que «él escribía sobre cosas muy personales, pero a la vez las hacía universales». Para mí, la música tiene una importancia que la no puedo medir en mi vida como escritor.

La música a mí me ha dado pasajes enteros, me ha frustrado textos, me los ha torcido, he amanecido en otra galaxia completamente nueva gracias a la música, la música me ha dado el ritmo de un verso libre, con la música he llorado, con la música he reído, la música la he integrado o se ha integrado más bien, o ha integrado lo que escribía en ella, se ha revuelto, lo ha abrazado, para mí la música es a veces más importante, incluso, que escribir. Con eso te lo digo todo. Y ya cuando descubrí a autores que me gustan muchísimo de música instrumental, de música coral, de música polifónica, de música pop, pues mi vida llegó a otro estado de felicidad. Y realmente sin la música, sin el arte creo que nos moriríamos, el mundo no tendría, en absoluto, ningún sentido.

¿Y qué influencia tiene la música al momento en el que te sientas a escribir?

Esa pregunta es muy curiosa y va en relación con la anterior. Al principio escribía escuchando música, pero me di cuenta de que la música, a veces pervierte lo que tú quieres transmitir; te lleva, a veces a cosas muy bonitas, pero que en realidad no son; y tú sabes perfectamente que no son lo que tú querías contar.

Entonces, en el transcurso del tiempo que he tardado en escribir “Great Song by Piano”, que es el título completo de la obra me pasé noches enteras escribiendo y escuchando música, lo que hacía era como el fumador que se cohíbe de fumar un cigarro que le apetece mucho, que necesita desesperadamente durante un tiempo, durante unos minutos, el tiempo que dura ese cigarro. Entonces, lo que hacía era escuchar una pieza de música antes, la apagaba y escribía si realmente necesitaba escribir desde aquello que desprendía, que me transmitía aquella pieza. Si no, escribía sin música. Y cada vez escribo menos con música. También porque me he dado cuenta de que el gran alimento para escribir es la lectura.

Estoy muy contento de poder seguir escribiendo de aquello que a mí realmente me importa, hacerlo personal, pero al mismo tiempo que cada vez lo vaya haciendo más universal

Hablemos de “Great Song by Piano”. ¿Cómo surgió el nombre? Y ¿Cómo fue el armado la historia? ¿Te has basado en algún hecho real?

La historia de “Great Song by Piano” surgió de una manera muy curiosa. Yo soy seguidor, como te he dicho, mi Santo patrón desde los noventa, desde que escuché «Listen Without Prejudice», y concretamente la canción «Praying For Time» me enamoré absoluta, perdida e instantáneamente de George Michael, me llevó, de alguna manera, a sumergirme en su mundo y me acuerdo que en el 99 editó un trabajo que se llamaba «Las Canciones desde el Último Siglo» en el que hacía una revisión, una adaptación de canciones del siglo XX de grandes compositores y grandes intérpretes. Entonces, en ella, la segunda canción es una versión de jazz preciosa de un tema mítico de Sting: Roxane y no sé por qué, tiempo antes de empezar a escribir, de que esto surgiese cambié Roxane por Great Song, entonces, en vez de decir Roxane decía Great Song. Pero ahí quedó, alguna vez me escuchaba y decía “qué curioso, Great Song”. Un tiempo después, estaba viendo fotos de la página web de un grupo que me gusta mucho, Coldplay —también británicos— y vi una foto del líder de Coldplay, Chris Martin, de espaldas, sentado en un teatro precioso de maderas, unas maderas tostadas, de un color precioso, como si fuera roble, barnizadas, unas luces tremendas cayendo sobre él, de espaldas, no le veía la cara y sentado al piano. Llegó ese momento, fue ver esa foto y empecé a escribir de manera compulsiva.

¿Qué fue lo más curioso con lo que te has encontrado en el camino de creación de “Great Song by Piano”?

Realmente, lo más curioso es que me he dado cuenta de que a veces tenía la sensación de que no estaba escribiendo la historia. Es decir, tenía impresión de que era un amanuense que estaba siendo dictado para escribir las palabras que alguien sugería. Entonces, ya me quedé más tranquilo cuando se lo escuche decir a gente como Jean Michel-Jarre: “A veces creo que no soy del todo yo a la hora de crear algo”.

Entonces, el impulso de la creación es indescriptible, es algo que se escapa al raciocinio por muchos estudios que se hagan —porque hay muchos estudios sobre el acto de la creación—, creo que es algo tan personal y tan poderoso que es imposible de captar ni en una película, ni en obra. Lo más cercano que he leído ha sido «El Perfume», de Süskind, y ni aun así.

¿Por qué la elección de personajes femeninos? Aunque hay un narrador externo que es masculino.

En cuanto a la elección de personajes femeninos para la historia no hay un por qué consciente. Han ido surgiendo de una manera totalmente libre. Es cierto que, me imagino, de una forma, sí, inconsciente, o llevado por ese dictador que te dicta que te dice «No, pues ahora vas por aquí, ahora cuentas esto o te dejo caer esta idea», pues surgieron personajes femeninos; esta historia no la podía haberla contado, para nada, un personaje masculino. Los personajes del libro no podían haber sido masculinos.

Entonces sí hay un narrador externo que es masculino, un narrador también muy particular, muy personal en cuanto a que no es un narrador que cuenta una historia que la ve lejana, si no que es un personaje que anda por ahí.

Al ser una obra en el tiempo en que es desarrollada, en 1953, en Madrid, en esa casa, pues la mujer siempre ha jugado un papel secundario de cara a la galería. Pero realmente, es incluso muy gracioso el ver —cuando lo vives desde dentro no es tan gracioso—, pero cuando desde fuera vez a un personaje masculino, que es el que trae el dinero y la comida a casa y pone la típica imagen que pone los pies encima de la mesa, o le traen el puro y el ron después de comer, o el coñac. Tengo una parte de la familia por el lado paterno que había miembros que les gustaba mucho fumar puros. Entonces, claro, tú les veías fumar puros, se sentaban en el sofá, era muy curioso, era muy pictórico, pero curiosamente la que llevaba los pantalones en la casa era la mujer. Pero siempre, hasta hace muy poquito eso ha sido así, la mujer prácticamente no digo la totalidad porque ya no estaban en las cocinas, o en los cuartos donde aprendían a coser, o aprendiendo a tocar el piano, o yendo al mercado, pero de fondo realmente eran lo que alimentaban después a la casa en el aspecto simbólico y en el aspecto real: si no iban a la compra, al mercado, no había alimentos.

Entones, la historia de ser personajes femeninos, aparte de que le da una fuerza diferente, surgió de una manera como lo de la alimentación de la música y de la literatura fue impregnándose en mí, yo me fui impregnando de ellas.

¿Por qué los capítulos del libro están nombrados con canciones? ¿Qué significado tiene? Y ¿Por qué decidiste realizarlo así?

El hecho de que los capítulos del libro estén nombrados con canciones es precisamente por eso, porque quería encontrar la forma de comunicarlo al lector: es un libro sobre música, con un respeto que le puedo tener a la música y el que le puedo profesar y le profeso, entonces me parecía una forma muy sugerente, muy especial que no había visto hasta este momento y por eso lo he nombrado a través, no con canciones, si no con algo, con un elemento que tenga que ver con la música, ya sea un instrumento musical, un movimiento —un allegro, por ejemplo—, un cantante, un intérprete, un compositor y ese es el motivo. Además de ser un tributo a la música, un reconocimiento a la música y un amor a la música, pues hacerlo de una manera especial. Porque, en definitiva, lo que  quiero es que cuando la gente lo lea, diga: “Mira, me ha parecido esto, aquello, pero es diferente, es especial, creo que es de lo más bonito que puede pasar”.

¿Por qué elegiste como contexto para “Great Song by Piano” la década del 50?

El hecho de elegir como contexto para la historia la década de los 50 no tiene una razón lógica. Cre que viene, seguramente, alimentado pues por un montón de cosas. Desde alguna historia que estuviese leyendo, algún comentario que recordaba de mi padre, en alguno de los paseos con mi madre alguna frase.

Sí hay cosas personales dentro del libro, generacionales, familiares, pero la elección de la década de los 50, yo recuerdo que mientras había empezado el libro, o estaba a punto de empezarlo estuve leyendo «El Tiempo Entre Costuras» que me encantó, me pareció buenísimo. Cuando empece a escribir “Great Song, by Piano” recuerdo que le dije a mi madre: «El libro tiene algo, me recuerda algo a El Tiempo Entre Costuras». Y, bueno es obvio que lo estaba leyendo, pero yo le daba un aire que en cierta manera se parecía porque al final estamos hablando de Madrid, las dos historias tienen lugar, al principio en Madrid, en una época similar, bastante similar. Pero surgió así desde el principio mas todo lo que he vivido dentro de mi familia.

La tapa del libro está representada por una rosa arrancada de la tierra ¿Qué significado tiene?

Principalmente significa una cosa: La vida arrancada de la tierra y que, aún arrancada sigue significando la vida. Eso es. La rosa, la flor es arrancada de su tierra pero sigue viva, sigue con ese color tan precioso y que representa la tierra a la que pertenece, ese personaje de esa historia secundaria que le da y le roza a la historia principal, el lugar donde viven. La tierra es vida, la tierra es pertenencia y esa rosa ha sido arrancada de su pertenencia, pero sigue teniendo parte de esa tierra a la que pertenece en el viaje hacia algún sitio al que se la llevará, eso para mí es vital.

¿Cómo describirás tu literatura?

Respecto a estoalgo que me ha venido a la cabeza últimamente y que, bueno, que llevo pensando un tiempo: Yo quiero pensar que sigo escribiendo sobre cosas pequeñas, siempre, mi hermana María me dice: “Luis, a ver si alguna vez puedes escribir algo en el que a un personaje no le pase algo tremendo, no sea complicado…”, pero cuando me metí en lo siguiente —en lo que, bueno, en lo siguiente mío, en mi siguiente proyecto personal—, que, además, de lo que estoy muy contento es de poder seguir escribiendo de aquello que a mí realmente me importa, hacerlo personal, pero al mismo tiempo que cada vez lo vaya haciendo más universal, como esa frase de mi Santo Patrón.

Aquello sobre lo que escribo, es una literatura sobre cosas pequeñas. De aquello que, aparentemente no tiene importancia. Me gustaría pensar que sigo escribiendo sobre cosas pequeñas que a ciertas personas les hace ilusión.

“Great Song by Piano” es la primera publicación pero tienes otras obras inéditas. ¿Qué es lo próximo que estas preparando?

Tengo otras obras inéditas, y lo próximo que estoy preparando, bueno, son dos proyectos: uno del que no puedo hablar aun y el otro, del que sí puedo hablar, es una historia propia que está construida en forma de cuatro historias independientes que no tienen nada que ver entre sí, pero que hablan sobre un mismo tema, un mismo sentimiento: es el sentimiento de la soledad. Pero un sentimiento de la soledad desde la soledad sufrida de distintas formas y la soledad escuchada,  cómo alguien que escucha a una persona que está en absoluta soledad, o en soledad relativa, o en cierta soledad, cómo no sólo la persona que lo sufre cómo lo cuenta, si no cómo el que escucha lo asimila e impacta o no impacta en esa persona. Es la que tengo iniciada y es muy personal. El título es “Soledades”.

¿Qué es lo que te motiva para escribir?

Lo principal que me motiva para escribir es lo que veo; lo que veo pasa por el tamiz de cada uno, por su cerebro propio y personal y bueno, pues en mí deriva a veces en cosas en lo que siento, en lo que absorbo, en lo que escucho, en lo que sueño, todo eso es lo que me motiva para escribir. A veces es algo muy personal, a veces es algo que no es personal, pero que ves y que no se sabe por qué lo atrapas o te atrapa, muchas veces es una frase, una imagen. Sin leer no puedes escribir.

Lo que me motiva para escribir es seguir vivos, contemplar, me encanta no perder el tiempo, estar mascullando, elucubrando, pergeñando y dejarte llenar por ese aparente vacío de nada.

La fuerza conmovedora de Tosca en el Teatro Real

Por Norma Sturniolo

Tosca, melodrammaen tres actos con música de Giacomo Puccini (1858-1924) y libreto de Giuseppe Giacosa y Luigi Illica, basado en la obra La Tosca (1887) de Victorien Sardou, se estrenó en el Teatro Costanzi de Roma el 14 de enero de 1900 y al final de aquel año, en el Teatro Real el 15 de diciembre de 1900.
Este mes de julio de 2021 se representará una coproducción del Gran Teatre del Liceu de Barcelona y el Teatro de la Maestranza de Sevilla.

Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real (Coro Intermezzo y Orquesta Sinfónica de Madrid)).Director musical: Nicola Luisotti, Director de escena y escenógrafo: Paco Azorín, Figurinista: Isidre Prunés, Vestuario de Floria Tosca: Ulises Mérida, Iluminador: Pedro Yagüe, Vídeo: Alessandro Arcangeli, Coreógrafo: Carlos Martos de la Vega, Director del coro: Andrés Máspero. Hay tres repartos: Floria Tosca: Sondra Radvanovsky (días 4, 7, 10, 13, 16, 19, 22), Maria Agresta (5, 8, 11, 14, 17, 20, 23) y Anna Netrebko (21, 24).Mario Cavaradossi: Joseph Calleja (4, 7, 10, 13, 16, 23), Michael Fabiano (5, 8, 11, 14, 17, 20), Yusif Eyvazof (21, 24) y Jonas Kaufmann (19, 22),Barón Scarpia: CarlosÁlvarez (4, 7, 10, 13, 16, 19, 22), Gevorg Hakobyan(5,8,11,14,17,20,23),y Luca Salsi (21,24).

Será retransmitida en pantalla grande en el exterior del Teatro Real el 10 de julio con el aforo limitado previa solicitud a través de la web de la institución. Ese mismo día se emitirá también en la plataforma My Opera Player y se podrá ver en TV2 a las 23 horas del día siguiente.

Foto: Javier del Real

Cuando Giacomo Puccini asistió en 1889 a la representación del melodrama La Tosca de Victorien Sardou en el Teatro de iFilodrammatici de Milán donde el papel de Floria Tosca lo interpretaba una leyenda teatral como era Sara Bernhardt, quedó fascinado con la obra e inmediatamente escribió a Giulio Ricordi con el fin de que obtuviera el permiso de Sardou para realizar una ópera. Finalmente, fue en el verano de 1896, año del estreno de La Bohème, cuando comenzó a trabajar en la obra y la terminó en 1899. A partir de su estreno en 1900 el éxito de la misma fue continuo .

El libreto fue escrito por Luigi Illica y Giuseppe Giacos aquienes ya habían trabajado con Puccini en La Bohème. Los libretistas redujeron los cinco actos de la pieza teatraldel dramaturgo francés a tres actos, dejando de lado muchas explicaciones históricas que se encuentran el la obra de Sardou. La ópera comienza en la iglesia de Sant´Andreadella Valle, en Roma, adonde va a esconderse Cesare Angelotti, cónsul de la extinta República romana. Es un preso político que se ha fugado de la cárcel del castillo Sant´Angeloy se dirige a la Iglesia porque su hermana, la marquesa Attavanti, le ha dejado ropa  femenina para que disfrazado pueda huir  del jefe de policía, Scarpia. El pintor Cavaradossi había visto a la marquesa y creía que su permanencia en la Iglesia se debía a devoción. Al contemplar su belleza, decidió otorgar los rasgos de la marquesa a la imagen de Maria Magdalena que está pintando. Cavaradossi y Angelotti se encuentran y el pintor le dice que se refugie en el pozo de su casa de campo lo que es aceptado por Angelotti. La amante de Cavaradossi es la cantante Floria Tosca que al reconocer en el retrato de Maria Magdalena a la marquesa Attavanti siente celos y su carácter celoso la perderá a ella y a su amante asicomo los celos pierden a Otello y su mujer.

La fuerza conmovedora de esta ópera se produce por la perfecta conjunción de libreto y música en la que los leitmotivs crean un continuum donde los retratos de los personajes están perfectamente delimitados, música sabiamente dirigida por Nicola Luisotti.

En Tosca el pérfido Yago será el jefe de policía Barón Scarpia, más siniestro que el Yago shakespeariano. Scarpia se da cuenta de que Angelotti se escondió en la iglesia y que Cavaradossi lo ayudó a escapar. Sabiendo que Tosca es celosa trama un ardid: Para llevar a un celoso al desastre/Yago tenía un pañuelo…y yo tengo un abanico. Cuando regresa Tosca a la iglesia, Scarpia le sale al encuentro y le muestra el abanico haciéndole creer que es el de una mujer que lo habría olvidado al ser sorprendida con su amante. Invadida por los celos,Tosca va a la casa de campo y Scarpia hace que la sigan para apresar a Angelotti, a Cavaradossi y satisfacer su lascivia, su lúbrico deseo de Tosca. Mientras tanto, se decide celebrar con un Te Deum la  supuesta victoria sobre las tropas napoleónicas.

Foto: Javier del Real

Cavaradossi es apresado y llevado al Palacio Farnese donde es sometido a tortura para que confiese el paradero de Angelotti. Tosca llega al despacho del Palacio Farnese donde está Scarpia que la ha mandado llamar porque sabe que ella no soportará el sufrimiento de su amado y, en efecto, ella termina revelando el escondite de Angelotti. En medio de esta fuerte tensión dramática se anuncia que Napoleón ha vencido y Cavaradossi canta la victoria de la libertad, pero es condenado al patíbulo. Cuando Scarpia se queda solo con Tosca le confiesa su deseo de hacerla suya y de esa forma ella podrá  salvar a Cavaradossi. Ahí se produce la bella aria Vissid´arte, vissid´amore en la que Tosca vierte su dolor que comienza:He vivido para el arte, he vivido para el amor,/¡nunca le he hecho mal a nadie …! / Con mano discreta/ he aliviado cuantas miserias he conocido…/Siempre con fe sincera/ he elevado mis plegarias(….). Ella da muestras de que accederá y Scarpia promete que el fusilamiento de Cavaradossi será fingido  y firma un salvoconducto que le pide Tosca para que ella y su amante puedan huir. Cuando Scarpia se acerca a Tosca, ella lo apuñala. Tosca corre al Castillo de Sant´Angelo donde Cavaradossi expresa bellamente su deseo de vivir en el aria antológica E lucevan le stelle (Y brillaban las estrellas) con un texto espléndido donde hay un estallido de riqueza sensorial recordando el pasado tan bello que hace exclamar al condenado a muerte: ¡Y nunca he amado tanto la vida! Llega Tosca. Le cuenta todo lo sucedido y le dice que debe fingir su ejecución.

Paco Azorín ha sabido mostrar los entresijos de una alianza entre el poder de la iglesia y el poder temporal y ha realizado un trabajo actoral con los estupendos cantantes para que sean a la vez excelentes actores que expresen toda la complejidad de los sentimientos humanos.

Es magnífica la emoción del encuentro, la ansiedad de la espera de lo que creen será un fusilamiento simulado. Después de una desesperante espera, se produce el fusilamiento real  y Tosca descubre la dolorosa verdad. Llegan los esbirros de Scarpia en busca de Tosca por el asesinato del jefe de policía y ella se  arroja al vacío desde la torre del castillo gritando la admonitoria frase: ¡Oh Scarpia, nos veremos ante Dios! l desastre/Yago tenía un pañuelo…y yo tengo un abanico. Cuando regresa Tosca a la iglesia, Scarpia le sale al encuentro y le muestra el abanico haciéndole creer que es el de una mujer que lo habría olvidado al ser sorprendida con su amante. Invadida por los celos, Tosca va a la casa de campo y Scarpia hace que la sigan para apresar a Angelotti, a Cavaradossi y satisfacer su lascivia, su lúbrico deseo de Tosca. Mientras tanto, se decide celebrar con un Te Deum la  supuesta victoria sobre las tropas napoleónicas.

Foto: Javier del Real

La fuerza conmovedora de esta ópera se produce por la perfecta conjunción de libreto y música en la que los leitmotivs crean un continuum donde los retratos de los personajes están perfectamente delimitados, música sabiamente dirigida por Nicola Luisotti. El clima de poder opresivo y oscurantismo se opone a la belleza del arte y los deseos de libertad ya desde el comienzo de la ópera donde la libertad perseguida es encarnada por Angeolotti y la fuerza de la imaginación liberadora en Cavaradossi  detestada por el servil y cobarde sacristán que odia cualquier atisbo de libertad incluso la libertad artística como la de elegir una modelo para el retrato de Maria Magdalena.

Paco Azorín ha sabido mostrar los entresijos de una alianza entre el poder de la iglesia y el poder temporal y ha realizado un trabajo actoral con los estupendos cantantes para que sean a la vez excelentes actores que expresen toda la complejidad de los sentimientos humanos.

Un magnífico broche de oro de final de temporada para un teatro que con absoluta justicia ha ganado el premio al Mejor Teatro de Ópera del Mundo

EGIPTO abre sus puertas al turismo

Redacción Enrique Sancho. Vicepresidente 1o. de ACPI

Hamdi Mahmoud Zaki, ex Consejero de Turismo Egipcio en Madrid ofreció una rueda de prensa en el templo egipcio de Madrid para aclarar muchos de los desarrollos presenciados por el turismo egipcio y las decisiones tomadas por el Estado egipcio para apoyar a la industria turística y proporcionar más facilidades e instalaciones a los turistas, destacar la reciente decisión de permitir la entrada en Egipto sin pruebas de PCR y solo proporcionar un certificado de vacunación  de las vacunas aprobadas por la Organización Mundial de la Salud.

A esta conferencia de prensa, a la que asistieron unos 30 periodistas y medios de comunicación, cada uno representando a uno o más medios, para presentar lo nuevo en el turismo egipcio, así como promover el turismo cultural e histórico, que presenta mucho interés entre los turistas españoles, e hizo hincapié sobre los últimos descubrimientos arqueológicos en Egipto y la apertura de grandes proyectos tanto museos como infraestructuras: aeropuertos, puertos, nuevas carreteras, hoteles, nuevas ciudades y nuevas universidades.

Hamdi hizo una interesante exposición de ilustres ideas y grandes noticias y novedades para promover el turismo cultural, especialmente en Luxor y Asuán, y en apoyo de los operadores turísticos que tuvieron el valor de contratar dos aviones a la semana de Madrid a Luxor directamente a pesar de la crisis sanitaria mundial y desafiando el miedo a las pérdidas materiales donde los esfuerzos del amigo Mohamed El Hassanein y sus colegas lograron coordinarse con las empresas que se ocupan del mercado español y que arriesgaron económicamente hablando, a tomar la decisión de participar cada uno con 40 plazas aéreas

Explicó que la conferencia fue testigo de la referencia a la apertura de nuevos museos por parte de Egipto, entre ellos el Museo Naguib Mahfouz, el Museo Gamal Abdel Nasser y Umm Kulthoum, y la reapertura del Museo Sohag en el Alto Egipto y mencionó la importancia del gran desfile del traslado de las 22 momias doradas el pasado 3 de abril que fue del museo antiguo al nuevo Museo de la Civilización.

Hamdi Zaki confirmó que tras una serie de investigaciones recientes que sorprendieron al mundo, que la daga de Tutankamón de hierro y mango de oro, se demostró que el hierro de esta daga y sus componentes de níquel es mayor que la proporción de níquel y cobalto de hierro de nuestra Tierra, así como la investigación realizada en el pectoral del rey Tutankamón que los componentes de vidrio amarillo inclinado a verde también regresan al espacio exterior y no tiene similar en el planeta Tierra y revisó los modelos que demuestran que Egipto es cuna de civilizaciones y el descubrimiento de una momia, cuyos ojos fueron operados de cataratas y otra momia con el primer puente dental de la historia. Y otra que tenía un dedo implantado en el pie de una manera que le permite mover el dedo del pie con flexibilidad y con una tecnología que nada tiene que envidiar a la medicina actual. También destacó la ruta de la Sagrada Familia como muestra interesante de turismo religioso.

Al final como al principio del encuentro relucieron las palabras de Enrique Sancho que habló de la seguridad del destino egipcio tanto sanitaria como la estabilidad que reina en la tierra de los faraones

ARCOmadrid 2021, 40º Aniversario

«La feria se enfocará en el reencuentro presencial de los profesionales del arte y en los coleccionistas para reactivar el mercado del arte» 

Entrevistamos a Maribel López, nueva directora de una de las ferias de arte contemporáneo de mayor impacto mediático.

Por Jessica de Pomar.

Fotografías, Cortesía de ARCOmadrid

Como era previsible, la pandemia ha originado una disminución global en el porcentaje de participación de las galerías de arte en las ferias internacionales y muchas de ellas han tenido que adaptarse a la nueva situación, presentándose en formatos digitales. Afortunadamente, gracias al descenso de la pandemia y al apoyo del sector público y privado, ARCOmadrid será la primera gran feria internacional de arte contemporáneo en Europa, que abrirá sus puertas al público este año y lo hará en su sede habitual, IFEMA, premio al «Mejor Centro Mundial de Convenciones», por el World Travel Awards 2021.  En su 40º Aniversario, la feria se enfocará en el reencuentro de los profesionales del sector para reactivar el mercado del arte y como novedades de su programa presentará una sección especial dedicada al arte Latinoamericano; realizará proyectos expositivos por artistas mujeres en exclusividad y se pronunciará en defensa de la sostenibilidad del medio ambiente.

Conversamos con la nueva directora de la feria, Maribel López, quien tras más de una década trabajando en ARCO, ha sido conjuntamente con su predecesor, Carlos Urroz, un componente clave para la consolidación de la feria como eje vertebral del sector del arte contemporáneo Español y para su reconocido prestigio internacional. 

ARCOmadrid abre sus puertas y se consolida en su 40ª Aniversario como un organismo artístico sólido y resiliente. ¿Qué diferenciará esta edición de las anteriores?

Muchas gracias, ha sido un gran esfuerzo conjunto del sector y de las instituciones.  Naturalmente, la mayor diferencia que veremos en la 40ª edición de ARCOmadrid será la reducción de la magnitud de la feria, pues a diferencia de ediciones anteriores en las que hemos contado con 230 galerías de arte, este año contaremos con 131.  Lo positivo, es que todas ellas mantienen el estandard de calidad y el porcentaje de internacionalidad de la feria, mayoritariamente Europeo, no ha variado del 54%. 

Asimismo, en este 40ª Aniversario nos enfocarenos en el reencuentro presencial de los profesionales del sector y en los coleccionistas parareactivar el mercado del arte. Dotaremos de mayor espacio a las galerías participantes, que podrán mejorar la calidad expositiva de sus piezas y explorar nuevos proyectos artísticos y extenderemos el horario profesional de la feria a tres días.  Igualmente, los espacios comunes de la feria serán ampliados, en beneficio de los asistentes.

ARCOmadrid suele destacar por contar con un programa artístico que da voz a las realidades contemporáneas. ¿Qué temas resaltará la feria este año?  

Somos conscientes de la complejidad actual de los desplazamientos intercontinentales debido a la crisis sanitariay nuestros estrechos lazos de amistad con Latinoamérica, nos han impulsado a crear una sección especial de Arte Latinoamericano, donde se expondrán obras artísticas inmateriales, que no sea necesario trasladar desde América, como vídeos, performances o piezas de artistas residentes  y donde los coleccionistas podrán contar con plenos asesoramiento.

Igualmente, ARCOmadrid siempre se ha inclinado hacia la igualdad de oportunidades y en esta edición hemos decidido concentrar los proyectos artísticos exclusivamente en artistas mujeres, para darles el valor y la visibilidad que merecen, e intentar lograr un balance equitativo en un campo en el que queda mucho por avanzar.

En el mismo sentido, entre otros temas interesantes, la feria se pronunciará en defensa de la sostenibilidad del medio ambiente a través del FORO de ARCOmadrid y también hemos dedicado el proyecto de interiorismo de nuestro VIP Lounge, a la naturaleza por medio de la recreación de  un bosque natural de abedules, que posteriormente serán replantados, poniendo valor en la obra.

Para finalizar, con respecto al coleccionismo de arte contemporáneo, qué opinas sobre el revuelo de las nuevas tecnologías en el arte digital?

Soy una observadora prudente y creo que parte de ese revuelo se orienta hacia la especulación.  Veo esta nueva tendencia como una reflexión de lo contemporáneo que versa entre lo económico y lo cultural y donde se dan más posibilidades de creación.  Entiendo que existen aspectos positivos, como elblock-chain para certificar obras de arte, pero naturalmente también significa una puerta abierta digital,  que puede llevar a más tendencias.   La tecnología es imparable y de momento es un camino que va en paralelo. 

Agradecemos a Maribel y a su equipo, el tiempo concedido para la entrevista y le deseamos éxitos a una feria que naturalmente será un soplo de arte fresco para todos los profesionales del sector y amantes del arte, que podrán conocer de primera mano las últimas tendencias y creaciones artísticas.  Además de presencial, la feria será presentada tambien en streaming. 

https://www.ifema.es/arco-madrid/horario-actividades

El Teatro de La Zarzuela y La Fundación Juan March

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El Teatro de La Zarzuela  y  La Fundación Juan March

 

El Teatro de La Zarzuela y La Fundación Juan March, presentan en coproducción, un nuevo título dentro de la serie Teatro Musical de Cámara, que alcanza su sexta edición y que programa obras que no suelen tener cabida en los teatros habituales. Se pondrá en escena en la Fundación Juan March la obra “La Cinesi “. Esta producción sitúa la acción en la China del siglo XVIII, inspirándose en la estética oriental: mobiliario, vestuario, caracterización y gestualidad transmitiendo  la fascinación y el misterio que Oriente suscita en la mirada occidental.

Resulta una ópera de salón en un solo  acto. Fue  compuesta originariamente para piano y cuatro voces.  Su autor  ha sido Manuel del Pópulo Vicente (1775-1832). Así mismo en las mañanas de los días 10-12 y 16 de enero, se ofrecerá, en la propia sede de la Fundación, tres funciones didácticas para alumnos de secundaria, como parte del proyecto educativo  del Teatro de la Zarzuela. La dirección musical y la interpretación al piano, estará a cargo de Rubén Fernández Aguirre, quien ya ha dirigido tres óperas de Salón de Manuel García, y la dirección de escena está firmada por Bárbara Lluch, que debuta con esta producción tras una larga carrera como colaboradora de escena en España y Reino Unido.  La representación del día 11 de enero, se trasmitirá en directo por Radio Clásica de RNE y en vídeo (streaming) a través de www.march.es/directo.

 Esta será la sexta edición del formato Teatro Musical de Cámara, iniciado en 2014 por la Fundación, una línea de programación centrada en un vasto corpus teatral que por sus características -obras de pequeño formato, destinadas a un número reducido de intérpretes – que no suelen tener cabida en los teatros de ópera convencional. El teatro Musical de Cámara tiene, por lo tanto, la vocación de recuperar para el público del siglo XXI géneros de excepcional importancia para la historia del teatro musical y de la cultura española que, sin embargo, quedan marginados por el modo en el que los repertorios teatrales han quedado institucionalizados.

La Fundación Juan March, fue fundada en 1955 por el financiero Juan March Ordinas, quién creó la Fundación que lleva su nombre, le imprimió una forma muy precisa y a la vez, muy innovadora para su tiempo.   En sus primeros 20 años la Fundación se dedicó a financiar becas y ayudas.   Desde que en 1975 se inauguró el edificio de la calle Castelló de Madrid, se imparten desde entonces, ciclo de conferencias, conciertos, exposiciones de arte, seminarios, hay un muy interesante archivo de fotografías  y la Biblioteca con más de 40 años de existencia ,ha ido incorporando temáticas enmarcadas en las Humanidades y las Artes.

El Teatro de la Zarzuela de Madrid, inaugurado la noche del 10 de octubre de 1856, cumpleaños de la reina Isabel II, hoy es  dirigido por el argentino Daniel Bianco. Son más de mil las obras estrenadas sobre sus tablas, lo que obliga a considerar este hermoso teatro, como un icono de la cultura de Madrid. Debemos destacar continúa enseñando a las nuevas generaciones, este género  llamado chico,  de la zarzuela,  que sorprende tanto  al que viene del exterior.

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                                        Profesionales argentinos

                                 Corresponsal María Rosa Jordán y Director Teatro de la Zarzuela Daniel Blanco