Frida Kahlo: La exposición que muestra la vida de una revolucionaria del arte en primera persona

/// Por Luis Viviant Arias ///

Vida y Obra de Frida Kahlo se encuentra en el Teatro Instante de Madrid, ubicado a metros de la Glorieta Embajadores, y está hasta el 30 de abril. Un encuentro multisensorial con la vida y la obra de la artista mexicana.

Con más de 100 obras plásticas, literarias y fotográficas convertidas es un espectáculo visual y sonoro sobre la pintura y biografía de la artista mexicana Frida Kahlo, la exposición que se desarrolla en el Teatro Instante de Madrid nos muestra no solo la capacidad de una artista en su transformación pictórica  sino que en este recorrido a través diferentes voces nos van relatando sus alegrías, obsesiones, miedos y esperanzas.

Embarcarse en la Vida y Obra de Frida Kahlo es entrar en un universo multisensorial en donde el público no solo observa sino que es parte del mundo de la artista rodeado de imágenes y sonidos que estremecen los sentidos.

¨Con ésta exposición nuestro objetivo es conocer a la otra Frida, la íntima, la mujer, la luchadora con textos en la que ella misma fue narrando su vida¨¨¨ , explica la coordinadora de exposición Carla Prat.

En este recorrido visual con más de 2500 fotogramas y una envolvente banda sonora realizada por el compositor Arturo Cardelús no solo muestra el dolor de una mujer expresado en un lienzo sino que desde su diario personal transporta a quien llega a la exposición Vida y Obra de Frida Kahlo a no solo observar a la artista sino también a la persona, una oportunidad única para descubrir a una revolucionaria del arte.

Más información en www.accionaexhibitions.com

Body Worlds: El maravilloso recorrido por el cuerpo humano y sus misterios está en Madrid

Por Luis Viviant ///

“Body Worlds, el ritmo de la vida” es una exposición itinerante de cuerpos humanos y partes del cuerpo conservados que se preparan utilizando la técnica plastinación para revelar las estructuras anatómicas internas.

A diferencia de otras exhibiciones, los especímenes de esta exposición proceden del programa de donación de cuerpos, establecido en Heidelberg, Alemania, en 1982 y gestionado posteriormente por el Instituto de Plastinación, fundado en 1993 en Heidelberg.

La muestra, que se encuentra desde el 28 de octubre en el reciento ferial IFEMA de la capital española, invita a los visitantes a descubrir nuevos conocimientos y desvelar los misterios del cuerpo humano enalteciendo su esplendor y fragilidad desde la más profunda curiosidad y respeto.

Además “Body Worlds, el ritmo de la vida” no solo explora la nutrición y el ejercicio sino también temas actuales como los efectos de una vida acelerada en el cuerpo y la mente o las conexiones críticas entre ambos. En definitiva “Body Worlds” es un encuentro íntimo con nosotros mismos.

La cata de vinos, jabugo y libros que afirma la estrecha unión entre Iberoamérica y Huelva

Por Luis Viviant Arias // Socio de ACPI //

Es atardecer en Madrid y a unas calles de Puerta de Sol se sella una vez más la cooperación y amistad entre la Asociación Cultural Iberoamericana de Huelva (ACI) que preside Jaime de Vicente con la Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana (ACPI) cuya presidenta es Sully Fuentes, el motivo del encuentro fue la cata de vinos, jabugo y libros en el exclusivo Club Agro ubicado en la Plaza Santa Ana.

El evento congregó a periodistas de Argentina, Uruguay, Ecuador, Venezuela, Chile, Italia y España que disfrutaron de la presencia de importantes empresas e instituciones onubenses como las DOP Vinos del Condado de Huelva y la DOP Jamón de Jabugo con el apoyo de la Fundación Caja Rural del Sur y la Diputación de Huelva.

Además se presentaron los libros de “Iberletras” que es la unión entre la Asociación Cultural Iberoamericana y la editorial argentina Contexto de la Provincia del Chaco, una unión de intercambio literario y una ida y vuelta cultural atlántica.

Hay que destacar la presencia del Coordinador del Espacio Cultural de la Segib, Enrique Vargas, de la Embajada de Uruguay con Mariana Carolina Cavallo Cabillón y en representación de la cultura gráfica: Andrés Rábago, “El Roto”.

El momento sensorial del evento fue la degustación del jamón ibérico de bellota de la Denominación de origen de Jabugo dirigido por Lucia García y la Denominación de origen Condado de Huelva, que traslado a los invitados a viajar en  aquellos barcos que atravesaron mares para desembarcar con sus vinos en el continente Americano, por Antonio Izquierdo.

La cata no solo fue un encuentro para degustar lo más selecto de Huelva como es su jamón y sus vinos, si no que es una alianza entre un continente, un país y una región de España, una alianza que rompe barreras y que lo que está lejano cada día sea un encuentro cercano y de hermandad.

El Círculo de Bellas presentó la temporada cultural con eje en la innovación y los valores humanísticos

Por Luis Viviant Arias //

Con un cielo diáfano e imponente presente sobre Madrid ha sido testigo en la azotea del Círculo de Bellas Artes de la nueva temporada cultural 2021/2022 en el que la innovación, la internacionalización, la atención a la juventud y la defensa de la igualdad entre hombres y mujeres serán los ejes fundamentales de la nueva programación que presentaron el Presidente del Círculo, Juan Miguel Hernández León, el Director de La Casa, Valerio Rocco Lozano, y en representación de la Comunidad de Madrid la Consejera de Cultura, Turismo y Deporte, Marta Rivera de la Cruz.

El Círculo de Bellas Artes en esta nueva temporada cultural y tras pasar la peor etapa de la crisis sanitaria presenta al público la restauración de la fachada del edificio y también el restablecimiento de los aforos completos en sus salas y espacios.

Presentación de la temporada 21-22 del CBA con el Presidente del Círculo, Juan Miguel Hernández León, el Director, Valerio Rocco Lozano, y la Consejera de Cultura, Turismo y Deporte de la Comunidad de Madrid, Marta Rivera de la Cruz.
Foto: Luis Viviant

Hernández León explicó que el CBA continuará “como lo viene haciendo desde hace dos temporadas con la presencia del pensamiento y la narración porque la cultura nos es anestesiar las conciencias sino provocar inquietud y pensamiento crítico” y sostuvo que “en esta Casa somos auténticos  creyentes y defensores de la libertad de creación”.

En cuanto a las actividades expresó que se “va a analizara el valor de la cultura y que implica entender la cultura cómo el motor de ruptura, porque la cultura no solo se apoya en el pasado como manera de prever e incentivar el futuro que es algo que no podemos olvidar”.

Por su parte, Rocco Lozano subrayando las palabras del Presidente del CBA apuntó que “esta es una programación en la que conviven por una lado elementos innovadores, novedosos, recientes desde el punto de vista cultural pero también referencias a la gran historia de la cultura, una programación en alerta y atenta a los grandes desafíos sociales en la que buscamos dar respuesta a una programación de manera crítica pero también reflexiva”.

“La innovación defenderla no solamente desde la digitalización sino que vaya mucho más allá de la tecnología, creemos en la cultura desde la creatividad, desde el concepto, desde la ciudadanía y  la critica tiene el poder de aportar mucho al concepto de innovación para enriquecer y dotarlo de valores humanísticos que hoy son más necesarios que nunca en nuestra sociedad”.

El Director hizo una mención y reconocimiento a la plantilla del Círculo “que en estos dos años muy difíciles de recortes e incertidumbres fueron los grandes protagonistas de llevar adelante una programación tan maravillosa que se ha presentado”.

Rivera de La Cruz en su exposición adhirió a las palabras de Rocco Lozano al personal del Círculo trasladando el reconocimiento por su trabajo de la Comunidad de Madrid. Por otro parte la Consejera recordó que “cuando se presentó la temporada pasada la cultura en Madrid iba a ser una temporada heroica porque sacar adelante todo lo que saco con la que nos caía tuvo mucho mérito pero como todo se pasa estoy segura que esta temporada va a ser la victoriosa y nada de lo que se ha hecho no hubiera sido posible con el público”.

Uno de los capítulos destacados de temporada 21-22 del Círculo de Bellas Artes es la celebración del séptimo centenario de la muerte de Dante Alighieri en el que se realizaran presentaciones de libros, conversaciones y conferencias en torno a las mujeres de Dante presentes en la “Divina Comedia” que se unirá a la figura de Friederich Nietzsche con el análisis de la obra “El crepúsculo de los ídolos”.

En lo musical se celebrara la tercera edición de “Circulo de Cámara” como también la continuidad, y sello de la Institución,  de los ciclos  de” Frontera Círculo” y “Jazz Círculo”, a lo que se suma la novedad  de “Matinés CBA”, conciertos organizados junto con Subtefurge, integrados por una banda veterana  y una emergente que tendrán lugar en mayo y junio del 2022.

El Círculo de Bellas Artes abre sus puertas a una nueva temporada cultural  en la que no deja de lado ningún aspecto que atraviesa la sociedad de nuestros días viajando al pasado con el Dante pero mirando hacia el futuro estando atento a los múltiples movimientos culturales a través del debate y el pensamiento crítico que nos atraviesa en esta intensa época.

Información de la programación

www.circulobellasartes.com

«Un Camino de Cine Xacobeo», el libro que recopila la filmografía desde principios del siglo XX hasta nuestros días del Camino de Santiago

Por Luis Viviant  Arias //

La periodista Pilar Falcón Osorio puso a la luz lo que parecía escondido, apartado y olvidado del Camino de Santiago que tantos peregrinos transitan todos los años para llegar con su andar a la Catedral de Santiago de Compostela donde se encuentra el Apóstol.

Es por eso que la escritora puso ante esa luz un material inédito que en una extensa y ardua tarea se abocó a la recopilación más completa del Camino de Santiago a través de su cine desde 1915 hasta la actualidad, un recorrido en el que se descubren actores de la categoría de Anthony Quinn y Charlton Heston hasta el escritor Paulo Cohelo que fueron y son parte del Camino.

Esta obra, “Un Camino de Cine Xacobeo”, realizada por Pilar Falcón Osorio es una pieza fundamental, no solo por su valor histórico en el detalle de la información de sus películas, series y documentales sino para redescubrir el Camino a través de nuevas emociones.

¿Cuál fue la motivación para realizar en formato de libro una recopilación cinematográfica del cine Xacobeo?

Me pareció la mejor manera de reivindicar la categoría de cine xacobeo como cine con personalidad propia y también un medio para divulgar el Camino de Santiago en la gran pantalla y con documentales televisivos. Existe poquísima publicación sobre el tema, cuando es uno de los fenómenos culturales más importantes de la Historia como vía de comunicación en Europa, tanto en el sentido de intercambio cultural como propiamente de información en el sentido más periodístico.

¿Cómo fue el proceso y el desarrollo del libro? A dónde y a quiénes ha tenido que recurrir.

Lo distribuí históricamente y teniendo en cuenta como el ser humano empieza su caminar en la vida: gateo, de pie con los primeros pasos, en la punta de los pies y en marcha y a correr. 4 etapas desde inicios del siglo veinte hasta llegar a la actualidad. Mucha Filmoteca Nacional sobre todo para hacer la recopilación, revistas especializadas en cine, amigos que han intervenido en documentales de tv para que me facilitaran la cinta imposible de encontrar, un camino constante.

¿Qué fue lo que le ha sorprendido o ese dato curioso que desconocía?

Me ha sorprendido lo que tardó en introducirse el cine sonoro en Galicia. En 1935 en Galicia el cincuenta por ciento de las salas carecían de equipos sonoros. Y también que del guion que existe escrito por Ramón Otero Pedrayo  no llegase a filmarse ni un solo plano, y que aun así lo rechazaran. Otra cosa es ver que todos introducimos LA VIA LACTEA dentro del cine xacobeo, cuando para Luis Buñuel es un viaje al surrealismo con simbología católica y comunista y siempre con narrativa no lineal para lo que, en el fondo, es una visión personal del director respecto de la herejía cristiana y muy poco  que ver con el Camino de Santiago.

¿Qué ha descubierto de nuevo que le enriqueció como individuo, como periodista e investigadora?

Hay mucho que investigar en el Camino de Santiago como base  documental cinematográfica y cada vez conozco más peregrinos de lectura que sin patear el camino son verdaderos caminantes. Me llama la atención de aquellos que hacen el camino por encargo de otros que les resulta imposible empezar y terminar la ruta y a otra cosa, los que lo han hecho una vez han repetido. Hay verdaderos adictos al Camino de Santiago. Peregrinos que en cuanto pueden se olvidan del mundo y emprenden viaje.

Para aquel que transitó el Camino y lo conoce y para aquel que está próximo a hacerlo ¿Qué va a descubrir en este libro?

Los que hayan hecho el camino encontrarán películas, documentales y series que seguramente no conocían. Podrán crear su propia colección Xacobea y los que van a hacerlo les diría que se olviden el teléfono,  y toda grabación y si no pueden evitarlo que graben sus sensaciones sin olvidarse de sentir en primera persona el trayecto y no visto por una pantalla. Eso es para cuando ya esté en casa.

Gustavo Firmenich integrante de Tango Jazz Quartet: “El tango y el jazz es música negra y africana y en ambos está presente”

Por Luis Viviant Arias  / Periodista de ACPI

El saxofonista y clarinetista Gustavo Firmenich, líder de la formación argentina Tango Jazz Quartet, recreó con esta banda las noches de baile que eran comunes en la época dorada del tango en Buenos Aires, donde el Tango y el Jazz convivían aunque se tocaban por separado. La formación propuso una fusión de lo que ambos géneros tienen en común y agregó algo distintivo del jazz de lo que carecía el tango: la improvisación.

Luego de sus presentaciones en España pasando por Zaragoza, La Boveda del Albergue, y por Madrid con dos funciones agotadas en el Centro de Arte Moderno del barrio de Chamberi, y que los está llevando, en su gira numero 27 celebrando el centenario de nacimiento de Astor Piazzolla, a recorrer diferentes puntos de Europa desde hace más de un mes por los clubes y festivales de jazz más prestigiosos del continente dialogamos con Firmenich antes que el grupo continúe su viaje a Barcelona previo de su regreso a Buenos Aires.

Tango Jazz Quartet en la presentación en el Centro de Arte Moderno de Madrid. Foto: Luis Viviant

¿Cuándo empezó la aventura de Tango Jazz Quartet?

Hace 30 años empezó esta aventura cuando empecé a investigar de qué manera se podría hacer música de otra manera, pero es importante decir que nuestra base es el jazz e improvisamos, es nuestra naturaleza, pero queríamos hacer una receta en el que los condimentos del tango y del jazz estén equilibrados y esto fue unos tres a cuatro años de prueba y error en la que se hizo jazz dúo con un pianista, luego con un bandoneonista, un trío con dos guitarras y un clarinete y así con varias posibilidades que fui probando hasta que empezó a ensamblarse el proyecto Tango Jazz Quartet y para fines de 2008 ya estaba solido, tenía un concepto y un repertorio.

Por otra parte observaba que los músicos de jazz solo se tocan jazz y que los de tango no se metían en el terreno jazzístico pero veía que en Brasil la bossa nova se encontraba dentro del repertorio del jazz y me cuestionaba como nosotros, desde la Argentina,  no podíamos unir el tango con el jazz, ese fue el motor para hacer Tango Jazz Quartet.

¿En qué momento percibieron que la formación estaba consolidada?

Tango Jazz Quarter se cristaliza de manera definitiva en un concierto realizado en la sala La Trastienda de Buenos Aires con Richard Galeano, una eminencia, el mejor acordeonista del mundo y muy amigo de Astor Piazzolla.  Luego de ese concierto, y ante la incertidumbre de haber creado algo nuevo las primeras palabras de Galeano luego de la presentación y bajando del escenario fueron: “Es la primera vez que escucho que la fusión de tango y de jazz funciona, métanle para adelante y vayan a Europa”.  Este concierto fue en noviembre de 2010 y en agosto de 2011 nos subimos al avión, aterrizamos en Europa y de ahí en mas no paramos nunca”.

Luego de más de 10 años de giras ininterrumpidas, Tango Jazz Quartet ha consolidado su presencia en el mundo ya que el grupo actuó no solo en toda Europa sino también en los Estados Unidos, Brasil, África, Rusia y China y se presentó durante 8 años consecutivos en el Sunset-Sundside Jazz Club en París, por quinta vez consecutiva en el Porgy & Bess Jazz Club de Viena, por segunda vez consecutiva en el prestigioso Instituto Guarnerius en Belgrado y por tercera vez consecutiva en el Nisville Internacional Jazz Festival, en Serbia.

Tango Jazz Quartet integrantes de izquierda a derecha: Mauricio Pasculli, batería, Horacio Acosta, piano, Gustavo Firmenich, saxo y clarinete y Martin Rao de Vita, bajo.

¿Cómo fue aquel primer arribo a Europa?

La primera vez fue poner el pecho pero al poco tiempo se nos hizo muy fácil, mucho más que en Buenos Aires en donde aun todavía no somos aceptados en el festival de jazz porque tocamos tango y en el festival de tango porque tocamos jazz, en cambio en Europa todo está mucho menos complejizado, por ejemplo en el Montreux Festival Jazz, que es el festival más grande del mundo del género, actuó Prince, Depp Purple y nadie piensa que no están tocando jazz.

Cuando venimos a Europa el grupo se potenció y nos permitió acceder, más allá del trabajo y de vender un show, estar presentes en los diez clubes de jazz más importantes de Europa y en seis hacerlo regularmente, para nosotros es un lujo estar en el Smalls Jazz Club de Nueva York y lo más importante es que siempre volvimos y en base a eso se nos fue abriendo otras puertas. Recuerdo que la primera gira europea fueron 20 días en el que estuvimos en Paris, Barcelona y Roma, y hoy día son en total más de 20 países con 45 conciertos.

Tango Jazz Quartet presentación en Belgrado, Serbia, en la gira 2021

¿Fue complejo armonizar tango con jazz?

Al principio no fue sencillo pero recuerdo en los inicios que toque con Roberto Siri, un gran bandoneonista y pianista de tango y en una presentación cuando estábamos tocando en dúo y llegada mi momento empezaba a improvisar y me iba de la melodía y a modo de reto me decía por lo bajo: “que haces pibe, toca la melodía. Te repito fue complejo pero se termino encontrando  el sonido de Tango Jazz Quartet y actualmente todo es mucho más sencillo a pesar de los cambios de músicos en la formación porque el grupo requiere una exigencia muy alta porque se toca y se ensaya todas las semanas al que hay que sumarle dos giras por año.

“El primer tema de jazz, cuando se habla de su historia, fue grabado y que se hizo muy popular fue “Saint Louis Blues”, su introducción es un tipo de tango,  porque cuando Willian Christopher Handy escribió la canción estaba en Paris y  observó que el tango era sensación en la capital francesa,  lo fusiono con el jazz y miró que también funcionaba en Los Estados Unidos y de ahí en adelante todos los músicos de jazz empezaron a grabar en ese sentido por lo que el tango y el jazz tienen muchos puntos en común porque es música negra y africana y en ambos está presente”.

Tango Jazz Quartet también es un visitante asiduo de Europa del Este. Allí se presentó en clubes de jazz en Serbia, Croacia, Bosnia & Hersegovina, Eslovaquia, Hungría, República Checa, Rumania y Polonia, en este último país, el grupo ya ha tocado por dos años consecutivos en el prestigioso Harris Piano Jazz Cluben Cracovia, catalogado por el periódico inglés «The Guardian» entre los 10 más importantes clubes de jazz en Europa.

¿Entrar al mundo de Astor Piazzolla les resulto complejo?

El mundo de Astor Piazzolla y su repertorio fue el más sencillo de abordar pero siempre tocamos toda la historia del tango desde la guardia vieja hasta Piazzolla, y este 2021 que es centenario de su nacimiento nos han pedido sus creaciones y para nosotros es un orgullo homenajear y estar ejecutando su música porque es un referente a nivel mundial.

Gustavo Firmenich junto a Mauricio Pasculli en batería, Martin Rao de Vita en bajo y Horacio Acosta en piano dice que “lo que se viene es mantener la gira y enriquecerla en el que cada vez se suman más festivales, queremos difundir el repertorio que realizamos para cuarteto y sinfónica porque esto nos permite que nos conozcan otro tipo de públicos, y para la próxima gira, además los países que visitamos asiduamente, se van a sumar Austria y Suiza para el 2022.

Entonces Hay Tango Jazz Quartet para rato

Trabajamos todos los días para eso.

Más información: www.tangojazzquartet.com

 

Luis Cantarell Gregori: “Sin el arte el mundo no tendría ningún sentido”

El escritor madrileño y Licenciado Superior de Arte Dramático en una extensa y rica conversación nos habló sobre sus inicios en la literatura, sus influencias familiares y autorales, y de su primera y reciente publicación “Great Song by Piano” de Avant Editorial. “Me gustaría pensar que sigo escribiendo sobre cosas pequeñas que a ciertas personas les hace ilusión”, se confesó.

Por Luis Viviant Arias / Periodista de ACPI

El autor de «Great Song by Piano» Luis Cantarell Gregori

Luis, ¿Cuál fue tu primer contacto con la literatura?             

Mi primer contacto con la literatura es de muy chico, prácticamente desde el comienzo. Mi padre, que era un ser muy peculiar, nos contaba cuentos que él mismo se inventaba como hacen muchos padres y, bueno, él tenía esa forma de comunicarse a través de la música y a través de la literatura como, además buen lector que era y que fue toda su vida hasta el final, ese fue el primer contacto que tengo.

Me acuerdo perfectamente de pasar a leer cuentos a mis dos hermanas pequeñas cuando estaban malas un día. A una de ellas le leía el cuento de «El Príncipe y la Golondrina».

Pero mi hermano Juan, que va justo delante de mí, me situó frente a la página en blanco. Recuerdo que tenía que llevar una redacción al colegio y él escribió una cosa alucinante sobre dos personajes, dos protagonistas que huían de un vampiro, se refugiaban en una iglesia chiquitita, en una cripta, y el vampiro les seguía, había llegado a una estación de tren y allí las luces de los flashes, de las cámaras de los fotógrafos le deslumbraban y daba su primera muestra de maldad. Juan fue el que puso la puntilla final para que de alguna manera se fuese desatando en mí todo lo que a posteriori ha pasado. Él es la mano que abrió la puerta de una manera directa e indirecta los influjos que tarde o temprano llegarían a entrar.

¿Qué importancia tuvieron tus hermanos y tus padres en ese primer contacto? ¿Qué te aportaron cada uno?

Su importancia es clave, es brutal, mi familia es lectora desde que recuerdo y desde antes por supuesto. Entonces, su importancia fue toda y hay una parte inconsciente que no te das cuenta de ello hasta que llevas un tiempo, aunque lo sepas. Mi padre me aportó una imaginación desbordante en una persona a la que le era tan difícil comunicarse con los demás si no era a través de la música y la literatura que veíamos que leía, porque él no solía comentar absolutamente nada, se encerraba en su despacho y allí se pasaba horas leyendo. Llegó a leer un libro sobre cómo manejar un ordenador sin tener un ordenador a mano, que yo le decía «papá, mira, te enseño con el ordenador fijo en el cuarto». «No, no, primero la teoría y luego la práctica».

Por otra parte mi padre me aportó esa seriedad, ese humor negro mezclado con una ternura especial que tenía y mi madre esa gracia muy de andaluza y al mismo tiempo esa energía y esa rabia, ese genio.

Mi hermano Juan fue clave en empezar a dejar bullir todo sentado delante de una máquina Olivetti que pesaba más que el cuarto donde dormíamos. Pero yo estaba asombrado, para mí era lo más preciado y precioso de este mundo. Luego ya pasamos a los ordenadores.  Juan es un creativo nato, no sabe música, pero se atrevía a tocar instrumentos sin saberlo, es un melómano, es una persona muy peculiar.

Pami, la mayor de todos, escribía canciones en una guitarra de mi abuelo, sin saber música, le escribía canciones a un osito que tenía, escribía cosas que se le ocurrían a ella. Mi hermana tiene esa dulzura y tiene algo de esa inocencia de mi madre y ese genio que hemos heredado todos de una u otra manera.

Ana, que es la pequeña, es una persona muy particular y con ella me he acercado, en cierta manera a lo que es lo «sobrenatural», pero sí aquello que no se puede explicar.

Por su parte Bernardo es el que menos lee de los seis; lee, pero no llega al nivel de mis hermanos, que a veces leen dos y tres libros, Juan llega a leer dos y tres libros y al final ya no sabe cuál es cuál, y él es la paciencia absoluta y te pregunta, porque se interesa mucho por saber cómo estás, cómo te va todo, pero de una manera ciertamente aséptica y un poco desde ese punto de vista de tu asesor que te lleva las cuentas para que te vaya todo bien y es muy curioso, es un personaje de libro mi hermano Bernardo; bueno, en realidad lo son todos.

Y María, la que va detrás de mí, es mi mano derecha, es la primera que lee todo y es muy especial, es una persona que tiene una visión psicológica de las cosas, al mismo tiempo tiene mucha imaginación y es una grandísima escritora que todavía no ha dado el paso

Todos me han aportado los colores de una casa de cinco hermanos, de mi padre y mi madre que son, que eran cada cual muy diferentes y creo que es un caldo de cultivo, un caldo de cultivo de un libro.

El autor que encendió en mí esa necesidad, esa chispa para empezar a contar mis propias historias fue Mario Benedetti

En ese crecimiento literario, ¿Qué libro o autor fue el que encendió la chispa para empezar a contar tus propias historias?

Realmente empecé a escribir antes de ser consciente de que para escribir necesitaba leer. He escrito y leído desde muy pequeño y he pasado temporadas en que no leía tanto. Pero la lectura ha sido como la voz del narrador de “Great Song by Piano”, siempre ha estado ahí, pero de esa manera casi invisible.

Si hablamos de libro y de autor que encendió en mí esa necesidad, esa chispa para empezar a contar mis propias historias, el primero que siempre nombro y pongo de ejemplo fue Mario Benedetti. No sé en qué momento comencé a leer a Mario Benedetti, pero me acuerdo perfectamente de una serie de relatos cortos, cuentos, historias cortas, y cuando leí uno concretamente que me dejó impactado  es «El Hotelito de la Rue Blomet»  y a partir de ahí empezó, digamos, a relacionarse de una manera muy estrecha con la literatura, en general todo el arte, pero la literatura con lo que escribía. Pero todavía no era consciente de que para escribir necesitaba leer. Ese libro fue brutal.

Y por otro lado Louis de Bernières. Me acuerdo de que estaba esperando un autobús y en una tienda de la estación del tren de Villalba vi un libro que se titulaba «La Mandolina del Capitán Corelli». Me atrapó la portada y lo que leí en la contraportada me pareció sencillamente precioso. Lo compré y lo devoré.

Después llegó JRR Tolkien con su «Hobbit», con «El Señor de los Anillos» y «El Silmarillion», que me parece una obra, no sólo de orfebrería, si no una obra mágica impresionante.

Y luego Eduardo Galeano, Antonio Gamoneda con «Libro del Frío»; Milena Tusquets que me dejó impresionadísimo. Pero los dos pilares, por así decirlo, de forma consciente han sido Mario Benedetti y Louis de Bernières. Sin ellos, mi mundo no creo que no llegaría a verse como se ve.  

Cantarell Gregori junto a Sully Fuentes presidenta de ACPI en la presentación en Madrid

Estas de estreno como autor con “Great Song by Piano”, de que ya vamos hablar más adelante en la que hay una conexión entre la literatura y la música. ¿Qué tan importante es la música en tu vida como escritor?

Esa es una pregunta para mí básica, muy personal, y creo que universal. Una vez vi escrita una frase de George Michael, que para mí es, digamos mi santo patrón, que decía que «él escribía sobre cosas muy personales, pero a la vez las hacía universales». Para mí, la música tiene una importancia que la no puedo medir en mi vida como escritor.

La música a mí me ha dado pasajes enteros, me ha frustrado textos, me los ha torcido, he amanecido en otra galaxia completamente nueva gracias a la música, la música me ha dado el ritmo de un verso libre, con la música he llorado, con la música he reído, la música la he integrado o se ha integrado más bien, o ha integrado lo que escribía en ella, se ha revuelto, lo ha abrazado, para mí la música es a veces más importante, incluso, que escribir. Con eso te lo digo todo. Y ya cuando descubrí a autores que me gustan muchísimo de música instrumental, de música coral, de música polifónica, de música pop, pues mi vida llegó a otro estado de felicidad. Y realmente sin la música, sin el arte creo que nos moriríamos, el mundo no tendría, en absoluto, ningún sentido.

¿Y qué influencia tiene la música al momento en el que te sientas a escribir?

Esa pregunta es muy curiosa y va en relación con la anterior. Al principio escribía escuchando música, pero me di cuenta de que la música, a veces pervierte lo que tú quieres transmitir; te lleva, a veces a cosas muy bonitas, pero que en realidad no son; y tú sabes perfectamente que no son lo que tú querías contar.

Entonces, en el transcurso del tiempo que he tardado en escribir “Great Song by Piano”, que es el título completo de la obra me pasé noches enteras escribiendo y escuchando música, lo que hacía era como el fumador que se cohíbe de fumar un cigarro que le apetece mucho, que necesita desesperadamente durante un tiempo, durante unos minutos, el tiempo que dura ese cigarro. Entonces, lo que hacía era escuchar una pieza de música antes, la apagaba y escribía si realmente necesitaba escribir desde aquello que desprendía, que me transmitía aquella pieza. Si no, escribía sin música. Y cada vez escribo menos con música. También porque me he dado cuenta de que el gran alimento para escribir es la lectura.

Estoy muy contento de poder seguir escribiendo de aquello que a mí realmente me importa, hacerlo personal, pero al mismo tiempo que cada vez lo vaya haciendo más universal

Hablemos de “Great Song by Piano”. ¿Cómo surgió el nombre? Y ¿Cómo fue el armado la historia? ¿Te has basado en algún hecho real?

La historia de “Great Song by Piano” surgió de una manera muy curiosa. Yo soy seguidor, como te he dicho, mi Santo patrón desde los noventa, desde que escuché «Listen Without Prejudice», y concretamente la canción «Praying For Time» me enamoré absoluta, perdida e instantáneamente de George Michael, me llevó, de alguna manera, a sumergirme en su mundo y me acuerdo que en el 99 editó un trabajo que se llamaba «Las Canciones desde el Último Siglo» en el que hacía una revisión, una adaptación de canciones del siglo XX de grandes compositores y grandes intérpretes. Entonces, en ella, la segunda canción es una versión de jazz preciosa de un tema mítico de Sting: Roxane y no sé por qué, tiempo antes de empezar a escribir, de que esto surgiese cambié Roxane por Great Song, entonces, en vez de decir Roxane decía Great Song. Pero ahí quedó, alguna vez me escuchaba y decía “qué curioso, Great Song”. Un tiempo después, estaba viendo fotos de la página web de un grupo que me gusta mucho, Coldplay —también británicos— y vi una foto del líder de Coldplay, Chris Martin, de espaldas, sentado en un teatro precioso de maderas, unas maderas tostadas, de un color precioso, como si fuera roble, barnizadas, unas luces tremendas cayendo sobre él, de espaldas, no le veía la cara y sentado al piano. Llegó ese momento, fue ver esa foto y empecé a escribir de manera compulsiva.

¿Qué fue lo más curioso con lo que te has encontrado en el camino de creación de “Great Song by Piano”?

Realmente, lo más curioso es que me he dado cuenta de que a veces tenía la sensación de que no estaba escribiendo la historia. Es decir, tenía impresión de que era un amanuense que estaba siendo dictado para escribir las palabras que alguien sugería. Entonces, ya me quedé más tranquilo cuando se lo escuche decir a gente como Jean Michel-Jarre: “A veces creo que no soy del todo yo a la hora de crear algo”.

Entonces, el impulso de la creación es indescriptible, es algo que se escapa al raciocinio por muchos estudios que se hagan —porque hay muchos estudios sobre el acto de la creación—, creo que es algo tan personal y tan poderoso que es imposible de captar ni en una película, ni en obra. Lo más cercano que he leído ha sido «El Perfume», de Süskind, y ni aun así.

¿Por qué la elección de personajes femeninos? Aunque hay un narrador externo que es masculino.

En cuanto a la elección de personajes femeninos para la historia no hay un por qué consciente. Han ido surgiendo de una manera totalmente libre. Es cierto que, me imagino, de una forma, sí, inconsciente, o llevado por ese dictador que te dicta que te dice «No, pues ahora vas por aquí, ahora cuentas esto o te dejo caer esta idea», pues surgieron personajes femeninos; esta historia no la podía haberla contado, para nada, un personaje masculino. Los personajes del libro no podían haber sido masculinos.

Entonces sí hay un narrador externo que es masculino, un narrador también muy particular, muy personal en cuanto a que no es un narrador que cuenta una historia que la ve lejana, si no que es un personaje que anda por ahí.

Al ser una obra en el tiempo en que es desarrollada, en 1953, en Madrid, en esa casa, pues la mujer siempre ha jugado un papel secundario de cara a la galería. Pero realmente, es incluso muy gracioso el ver —cuando lo vives desde dentro no es tan gracioso—, pero cuando desde fuera vez a un personaje masculino, que es el que trae el dinero y la comida a casa y pone la típica imagen que pone los pies encima de la mesa, o le traen el puro y el ron después de comer, o el coñac. Tengo una parte de la familia por el lado paterno que había miembros que les gustaba mucho fumar puros. Entonces, claro, tú les veías fumar puros, se sentaban en el sofá, era muy curioso, era muy pictórico, pero curiosamente la que llevaba los pantalones en la casa era la mujer. Pero siempre, hasta hace muy poquito eso ha sido así, la mujer prácticamente no digo la totalidad porque ya no estaban en las cocinas, o en los cuartos donde aprendían a coser, o aprendiendo a tocar el piano, o yendo al mercado, pero de fondo realmente eran lo que alimentaban después a la casa en el aspecto simbólico y en el aspecto real: si no iban a la compra, al mercado, no había alimentos.

Entones, la historia de ser personajes femeninos, aparte de que le da una fuerza diferente, surgió de una manera como lo de la alimentación de la música y de la literatura fue impregnándose en mí, yo me fui impregnando de ellas.

¿Por qué los capítulos del libro están nombrados con canciones? ¿Qué significado tiene? Y ¿Por qué decidiste realizarlo así?

El hecho de que los capítulos del libro estén nombrados con canciones es precisamente por eso, porque quería encontrar la forma de comunicarlo al lector: es un libro sobre música, con un respeto que le puedo tener a la música y el que le puedo profesar y le profeso, entonces me parecía una forma muy sugerente, muy especial que no había visto hasta este momento y por eso lo he nombrado a través, no con canciones, si no con algo, con un elemento que tenga que ver con la música, ya sea un instrumento musical, un movimiento —un allegro, por ejemplo—, un cantante, un intérprete, un compositor y ese es el motivo. Además de ser un tributo a la música, un reconocimiento a la música y un amor a la música, pues hacerlo de una manera especial. Porque, en definitiva, lo que  quiero es que cuando la gente lo lea, diga: “Mira, me ha parecido esto, aquello, pero es diferente, es especial, creo que es de lo más bonito que puede pasar”.

¿Por qué elegiste como contexto para “Great Song by Piano” la década del 50?

El hecho de elegir como contexto para la historia la década de los 50 no tiene una razón lógica. Cre que viene, seguramente, alimentado pues por un montón de cosas. Desde alguna historia que estuviese leyendo, algún comentario que recordaba de mi padre, en alguno de los paseos con mi madre alguna frase.

Sí hay cosas personales dentro del libro, generacionales, familiares, pero la elección de la década de los 50, yo recuerdo que mientras había empezado el libro, o estaba a punto de empezarlo estuve leyendo «El Tiempo Entre Costuras» que me encantó, me pareció buenísimo. Cuando empece a escribir “Great Song, by Piano” recuerdo que le dije a mi madre: «El libro tiene algo, me recuerda algo a El Tiempo Entre Costuras». Y, bueno es obvio que lo estaba leyendo, pero yo le daba un aire que en cierta manera se parecía porque al final estamos hablando de Madrid, las dos historias tienen lugar, al principio en Madrid, en una época similar, bastante similar. Pero surgió así desde el principio mas todo lo que he vivido dentro de mi familia.

La tapa del libro está representada por una rosa arrancada de la tierra ¿Qué significado tiene?

Principalmente significa una cosa: La vida arrancada de la tierra y que, aún arrancada sigue significando la vida. Eso es. La rosa, la flor es arrancada de su tierra pero sigue viva, sigue con ese color tan precioso y que representa la tierra a la que pertenece, ese personaje de esa historia secundaria que le da y le roza a la historia principal, el lugar donde viven. La tierra es vida, la tierra es pertenencia y esa rosa ha sido arrancada de su pertenencia, pero sigue teniendo parte de esa tierra a la que pertenece en el viaje hacia algún sitio al que se la llevará, eso para mí es vital.

¿Cómo describirás tu literatura?

Respecto a estoalgo que me ha venido a la cabeza últimamente y que, bueno, que llevo pensando un tiempo: Yo quiero pensar que sigo escribiendo sobre cosas pequeñas, siempre, mi hermana María me dice: “Luis, a ver si alguna vez puedes escribir algo en el que a un personaje no le pase algo tremendo, no sea complicado…”, pero cuando me metí en lo siguiente —en lo que, bueno, en lo siguiente mío, en mi siguiente proyecto personal—, que, además, de lo que estoy muy contento es de poder seguir escribiendo de aquello que a mí realmente me importa, hacerlo personal, pero al mismo tiempo que cada vez lo vaya haciendo más universal, como esa frase de mi Santo Patrón.

Aquello sobre lo que escribo, es una literatura sobre cosas pequeñas. De aquello que, aparentemente no tiene importancia. Me gustaría pensar que sigo escribiendo sobre cosas pequeñas que a ciertas personas les hace ilusión.

“Great Song by Piano” es la primera publicación pero tienes otras obras inéditas. ¿Qué es lo próximo que estas preparando?

Tengo otras obras inéditas, y lo próximo que estoy preparando, bueno, son dos proyectos: uno del que no puedo hablar aun y el otro, del que sí puedo hablar, es una historia propia que está construida en forma de cuatro historias independientes que no tienen nada que ver entre sí, pero que hablan sobre un mismo tema, un mismo sentimiento: es el sentimiento de la soledad. Pero un sentimiento de la soledad desde la soledad sufrida de distintas formas y la soledad escuchada,  cómo alguien que escucha a una persona que está en absoluta soledad, o en soledad relativa, o en cierta soledad, cómo no sólo la persona que lo sufre cómo lo cuenta, si no cómo el que escucha lo asimila e impacta o no impacta en esa persona. Es la que tengo iniciada y es muy personal. El título es “Soledades”.

¿Qué es lo que te motiva para escribir?

Lo principal que me motiva para escribir es lo que veo; lo que veo pasa por el tamiz de cada uno, por su cerebro propio y personal y bueno, pues en mí deriva a veces en cosas en lo que siento, en lo que absorbo, en lo que escucho, en lo que sueño, todo eso es lo que me motiva para escribir. A veces es algo muy personal, a veces es algo que no es personal, pero que ves y que no se sabe por qué lo atrapas o te atrapa, muchas veces es una frase, una imagen. Sin leer no puedes escribir.

Lo que me motiva para escribir es seguir vivos, contemplar, me encanta no perder el tiempo, estar mascullando, elucubrando, pergeñando y dejarte llenar por ese aparente vacío de nada.

Sergio Cardozo: “Poner una silla patas arriba en medio de una sala no es arte”

El bailarín, fotógrafo y maestro de danza contemporánea argentino que reside en España hace 30 años nos aportó su mirada y pensamiento sobre la cultura, porque en el arte “no vale todo” y no concibe que en España con la riqueza de músicas y danzas que tiene no haya programas de televisión estables de estos géneros.

Por Luis Viviant Arias / Periodista ACPI

Sergio Cardozo nació en la ciudad de Vera, Santa Fe, Argentina. De ascendencia italiana, belga y española desde niño su sensibilidad lo llevó a múltiples experiencias en el arte y el deporte. Desde típicas representaciones escolares durante la escuela primaria a su afición por la fotografía y la danza contemporánea.

Su necesidad por expresarse corporalmente lo transportó primero a ser profesor de educación física pero siempre sintió “el gusanillo por la danza” hasta que empezó a recorrer su camino porque “la educación física me limitaba mucho, está muy bien el entrenamiento corporal pero con la danza llegas a conocer cada rincón de tu cuerpo”.

En 1986 establece su residencia en Buenos Aires y realiza la carrera de Expresión Corporal profundizando en técnicas de danza contemporánea. “Lo importante que tiene la danza es la disciplina y la constancia, son los pilares fundamentales, no se trata de llegar al virtuosismo sino poner las ganas y la intención de hacer las cosas lo mejor posible”.

Cardozo es muy crítico al afirmar que “lo que no me gusta es la llamada vanguardia donde no se baila, porque una persona que camine todo el escenario y tarde media hora en realizarlo es para decirle ‘báilame’ para eso he pagado una entrada”, aunque comprende que la esencia es volver “a lo básico” sostiene que el artista debe brindar un plus porque “si solo me ofreces eso me siento en el banco de una plaza, veo a la gente pasar y me voy a divertir mucho más”.

No solo la danza contemporánea es su gran pasión también la fotografía que lo acompaña desde su niñez e inicio junto a su hermano Martin con la antigua cámara de blanco y negro de su padre, pero recuerda con una sonrisa y una mirada de niño pícaro cuando tuvo su primera cámara digital: “Empecé a jugar desesperadamente con las imágenes y ahí llegó la obsesión por la fotografía”.

“La fotografía es un estado de ánimo, la inspiración del momento y con la luz que te encuentres en ese tiempo” pero tiene muy claro que “la fotografía es observación y la capacidad que tiene uno para llevarla a cabo” pero de repente se cuela nuevamente en la conversación la danza “en donde también aplico la observación, la mirada, porque cuando realizas un movimiento observas que músculos mueves para hacer cada ejercicio con los ojos, con la cara, con la expresión, por eso la fotografía y la danza van juntas en ese aspecto”.

En 1991 desembarca en Madrid con el fin de realizar el Máster de Psicomotricidad y decide quedarse en la capital española. Aquí comienza su carrera profesional como bailarín en compañías independientes y a la par desempeña su labor docente como maestro de danza y bailes de pareja. 

¿Le motiva la cultura que se está desarrollando en estos tiempos?

No soy de añorar, veo todo lo que puedo pero empiezo a aburrirme de algunas propuestas del arte contemporáneo, entonces no me arriesgo a pagar una entrada porque luego de ver obras tan grandes en estos tiempos esta el ‘todo vale’ y el ‘todo vale’ no es arte, está bien como provocación pero no es arte.

¿Entonces el artista dejó de ser un provocador al considerar que ‘todo vale’?

El artista a lo largo de la historia siempre ha sido un provocador porque tiene una mirada especial de la realidad y la plasma, ahora con poner una silla patas arriba en medio de una sala no es arte.

¿Qué mirada tiene de la cultura y su ingreso al mundo de las redes sociales? 

Entiendo que ah nacido otra manera de hacer cultura que es a través de las redes, pero las artes escénicas son para verlas en directo por más bien que esté grabado un programa no es lo mismo, además tiene sus contras y una de ellas es que se quiera dar a entender que un bailarín puede bailar en el salón o en la cocina de su casa y esto no es así, porque un bailarín de élite necesita estar en el sitio que corresponde, que es el escenario.

¿Entonces el arte y las redes sociales las considera incompatibles?

Las redes han invadido el arte entonces se corre el riesgo de que la gente que desconoce el arte crea que se puede hacer lo que sea en cualquier sitio y eso no debe ser así y no es la realidad.

¿Cómo observa a España en la danza y en las artes escénicas?

España con la riqueza de músicas y danzas que tiene no sé cómo aún no hay programas de televisión estables de estos géneros porque hay de toros, está la misa del domingo pero de danza y canto español no y eso es una deuda pendiente de este país, y por supuesto la falta de voluntad política que prefiere gastar el dinero en otras cosas. El Ballet Nacional de España que realiza unas coreografías increíbles debería estar más programado. Todavía hay mucho prurito con estos temas desde que finalizó la dictadura.

¿A la política no le interesa la cultura u observa determinada cultura?

 Muchos países aún no se han dado cuenta que la danza es una industria que crea puestos de trabajo, esta obsesión de querer acelerar un producto vendible muchas veces pierde calidad artística y con la danza también pasa, en el caso de España con el mero hecho de recibir una subvención para crear obras todos los años transforma al arte en una máquina de hacer chorizos, crear lleva su tiempo, paciencia, tener un cuerpo de bailarines, el escenógrafo para organizar, eso cuesta dinero y si no lo comprenden quienes llevan adelante la cultura de un país se va a seguir haciendo,  lamentablemente,  mas chorizos”.

Sergio Cardozo es bailarín, maestro de tango, de danza contemporánea y fotógrafo que aplica sus conocimientos al movimiento y al sentido de la danza. Es intelectual, observador y sensible pero sobre todas estas cosas Sergio Cardozo es artista.

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