Cubierta o portada… ¿qué sabes del diseño de un libro?

Entrevista a la diseñadora Cristina Campos

…«hay ocasiones en las que necesitas defender tu diseño, porque una creación no funciona mejor por ser más bonita. Todo lo que se elige en un diseño tiene una razón de ser».

Por Ana Lucía Ortega

En la sociedad del siglo veintiuno imperan los ruidos. No es una novedad que un desconocido se puede convertir en un personaje de rabiosa actualidad, gracias a la magia –que nadie sabe bien cómo se logra– de pulsar ese misterioso interruptor que le catapulta a la popularidad con el favor del público. O, todo lo contrario, a tornarse en objeto del maltrato y la mala educación de los memes de turno en las redes sociales. Todo es posible gracias a unos pocos caracteres, a unas escenas de un vídeo brevísimo o a unas imágenes. Da igual si son buenos o malos, lo imprescindible es que opriman esa clavija del éxito. Esa infinita y desconocida vara mágica, que algunas veces roza la insensatez.

Ante la imperante saturación de imágenes, surge la duda de cómo puede destacar una de ellas entre tantas otras. La industria editorial es uno de los sectores abocado –y quizás ya con el agua al cuello– a una atroz competencia. El debate entre el papel y el formato digital, ha sido superado por la avalancha de autores indies que parece incontrolable, con la consiguiente democratización del proceso de edición tradicional. Surge otra duda: la de cómo podrá sobrevivir en la era del ruido el profesional del diseño gráfico, de la imagen, ése que estudió bajo unos cánones aprendidos en el siglo pasado… y que cuenta con la destreza básica para hacer un trabajo de calidad.

Para intentar descifrar estos «enigmas» entrevisto a la diseñadora Cristina Campos:

     ¿Qué significa para ti el trabajo que desempeñas?

Es una forma de expresarme, es lo que más me gusta, sentarme a solas con mis ideas e intentar interpretar lo que el cliente quiere mostrar al público.

     ¿Qué te motivó a cursar estudios de diseño gráfico?

Me gusta poder representar una idea sobre un papel o un soporte digital. Enfrentarte a un “lienzo en blanco” es un reto que a veces asusta, pero que me encanta.

      Teniendo en cuenta cómo avanza en la actualidad el escenario de las nuevas tecnologías, ¿estimas que el diseño es una de esas profesiones que exige un reciclaje continuo o lo estimas irrelevante?

Si, considero que en diseño necesitas actualizarte constantemente, desde los programas que se utilizan, que van variando ,e incluso algunos quedan obsoletos, hasta la forma en que muestras tu trabajo al público objetivo.

Cristina Campos_EL-PARIS-DE-LOS-50

     

       ¿Podrías referirte al papel que juega el diseñador de cubiertas de un libro y en general de cualquier material gráfico?

Creo que el diseñador es el que muestra al comprador potencial delante de qué tipo de libro está. Debemos tener la capacidad de transmitir a través de las imágenes, del color, de la tipografía… de qué trata ese libro. Es importante hablar con el autor, leer la sinopsis del libro, saber qué tipo de relato es, en que época se desarrolla, sobre qué trata, e intentar acercarnos lo más posible a esa persona a la que el escritor se dirige. Será un éxito si entre todos los que hay expuestos, el nuestro es el que llama la atención de esa persona que quiere ese tipo de publicación.

      ¿Un diseñador gráfico debe tener cualidades especiales? En caso afirmativo, ¿cuáles deberían ser? 

Yo pienso que ante todo debe ser creativo, poder expresarse por medio de la imagen, y por supuesto, tener formación en los programas de diseño y estudio sobre tipografía, teoría del color etc.

      ¿Cómo es el proceso creativo de un diseñador y el tuyo en particular?

En general, la editorial me da el título del libro (que es importante), y una sinopsis del mismo. A partir de ese momento, yo pienso cuáles serían las imágenes que cuadrarían con lo que quiero transmitir, y qué color o colores debo elegir. Luego hago varias pruebas y estudio cuál se adapta mejor a la idea que quiero. Entonces elijo una y la desarrollo de manera más exhaustiva. En general suelo presentar varias propuestas.

      ¿Tienes preferencia por trabajar en un sector concreto, diseño editorial, multimedia, diseño gráfico…etc.?

Me gusta el diseño en general, pero mis estudios los he enfocado más al diseño gráfico. Dentro de éste, el diseño editorial es en el que he trabajado más a gusto. Me encantan los libros, me encanta leer y me encanta diseñar. Si juntamos todo el diseño editorial, es la respuesta más acertada.

     ¿Se diferencia una portada de una cubierta? ¿Puedes abundar sobre esta diferencia para que lo entendamos los profanos en la materia?

Si, son diferentes. Básicamente, la cubierta de un libro es lo que lo cubre, lo que está en el exterior del libro. Y la portada está dentro del mismo. El diseñador realiza cubiertas. El interior del libro, si es un libro de lectura, suele realizarlo el maquetador.

      ¿Cuánto tiempo de media se debe dedicar a la creación de un producto de diseño, tanto editorial como multimedia?

El tiempo es muy relativo. La creación de un diseño puede variar desde unas horas hasta días. Hay veces que te pones a trabajar y la idea llega enseguida, y además eres capaz de desarrollarla con rapidez; otras, en cambio, vas desechando trabajos porque no te terminan de convencer.

      ¿Qué consideras más importante en un diseño: las imágenes, la composición o la tipografía?Cristina Campos_arte-y-enigma

Para mí, en el diseño, todo, absolutamente todo, es importante. Las imágenes, la composición, la tipografía, el color. Todo forma un conjunto que es lo que da sentido al diseño.

       ¿Has tenido algún trabajo que haya sido rechazado varias veces por un cliente? ¿Cómo lo has afrontado?

Sí. Hay veces que un cliente tiene una idea predefinida de lo que quiere en su mente y no sabe expresarla, o ni siquiera sabe que la tiene, y lo que presentas no acaba de encajarle. Yo muestro varios diseños diferentes, así el cliente podrá guiarte por lo que más le gusta. De todas formas hay ocasiones en las que necesitas defender tu diseño, porque una creación no funciona mejor por ser más bonita. Todo lo que se elige en un diseño tiene una razón de ser.  Voy a ponerte un ejemplo: una vez me encargaron un diseño para un público objetivo entre 15 y 19 años. La persona que lo solicitaba rondaba los 50. A él no le convencía, y yo le contesté: «Entonces está bien, porque no va dirigido a hombres de 50 si no a chicas de entre 15 y 19». Él no se sentía identificado con el diseño del producto, pero él no iba a comprarlo.

      ¿Qué porcentaje atribuyes a la cubierta para el éxito de un libro?

Para mí, el éxito del libro depende del escritor. Porque un libro funciona si lo lees. No lo vas a leer porque la cubierta te guste. Ahora, si la cubierta es mala, seguramente ni lo comprarás y no tendrás la oportunidad de empezar a leerlo.

Cristina Campos_treinteañeras

     

       En estos momentos, qué líneas, diseños o tendencias son los más populares a nivel mundial en el diseño editorial?   

Creo que podemos hablar de tendencia en el diseño gráfico, en el diseño web o multimedia, que siempre varía y es bueno conocerlos para saber si usarlos o no. Pero en diseño editorial, para mi claro, siempre dependerá del libro. El escritor marca la tendencia de su diseño. Un libro vive en el “tiempo” en que el escritor decide.

      ¿Qué impacto supones que puede tener la aparición de obras autopublicadas en el comportamiento actual de la industria editorial?

El diseño de una cubierta, según mi parecer, debería dejarse siempre en manos de un profesional. Pero no sé si afecta mucho la autopublicación. En el campo del diseño siempre ha habido intrusismo. Hay autores que llevan su libro a las editoriales, y ellos mismos o algún amigo que sabe usar Photoshop, “diseña” la cubierta. La ven “bonita” y ya está, pero no debe ser “bonita”, debe funcionar y para eso existen todos los fundamentos del diseño, para aplicarlos en una estructura que funcione.

Cristina Campos estudió Diseño Gráfico y Multimedia en el Centro Universitario de Artes TAI , y amplió sus estudios en la Escuela de Artes Gráficas de Tajamar. Hizo un curso de Fotografía en el Centro Buenavista.

Fue socia de la Empresa Grupo Diseño que le permitió trabajar con editoriales como ANAYA, PEARSON EDUCACIÓN, ALGAIDA, ESPEJO DE TINTA… y realizar trabajos de imagen corporativa y páginas web para diversas empresas. Trabajó para Mítica Comunicación en el departamento de desarrollo web. Su portfolio está disponible en el enlace que verás debajo:

Diseño

Las imágenes de este artículo proceden de la página de la diseñadora Cristina Campos (todos los derechos reservados)

Del hombre que supo pintar la luz del Mediterráneo

Por Ana Lucía Ortega

La primera vez que escuché hablar de Sorolla fue en La Habana. La ocasión de conocer de primera mano sus obras, expuestas en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, surgió cuando grababa para la televisión nacional, el programa El sol parte en busca de razones… de la exitosa serie informativa En Pantalla, que, como diría mi abuela, duró lo que un merengue en la puerta de un colegio por su carácter crítico y glásnostoniano*.

El espacio televisivo de marras tenía la intención de ensalzar a la mujer cubana, y pensamos con buen criterio que una obra de arte sería ideal, para expresar la excelencia del sexo femenino. La mujer cubana del siglo veinte ya era madre, hija, esposa, trabajadora y miliciana combatiente, e incluso, se transformaría en inventora de alimentos para entretener el estómago, en una isla esquilmada por «el período especial en tiempo de paz».

Aunque la «Gitana Tropical» de Víctor Manuel, sería una de nuestras protagonistas en El sol parte en busca de razones, encontramos en el Museo de Bellas Artes suficientes estímulos pictóricos, para crear un programa lleno de alusiones hermosas y positivismo. Sin embargo, entre tantas obras de arte de las tradicionales escuelas europeas, y los vibrantes, coloridos e inolvidables cuadros nacionales, los Sorollas me atrajeron como solo lo hace un imán.

Sería por esos trazos líquidos de sus marinas, esas caras desdibujadas cuyos semblantes hablan, por esas ráfagas de aire que rozan la cara y levantan el cabello de quien está observando la pintura, las transparencias de los tejidos, las sombras, las luces. ¡Cuánta intensidad encierra cada cuadro! El Todo. La Nada. Lo sublime. Lo insignificante.

Comprendí que sería imposible no amar a Sorolla.

Ahora, en Madrid, se acaba de inaugurar simultáneamente la exposición «Sorolla y la Moda», en la casa museo del artista (General Martínez Campos, 37) y el Thyssen-Bornemisza (Pº del Prado, 8). Estará abierta hasta el 27 de mayo, y hasta el momento en ambas sedes, está contando con bastante afluencia de público. La colección de pinturas está acompañada de vestidos, sombreros, calzado, guantes y mantillas de la Belle Époque, expuestos en un montaje sorprendente e innovador. Muchos de los cuadros van acompañados de piezas textiles de colecciones privadas, muy parecidas a las que lucen los retratos, y da la impresión de que la modelo está posando para el artista. Sugerente y fascinante.

Clotilde con sombrero 1910 Óleo sobre lienzo (Museo Sorolla, Madrid inv.901)
Clotilde con sombrero 1910
Óleo sobre lienzo (Museo Sorolla, Madrid inv.901)
Sombrero (Circa 1905-1910) Paja, terciopelo y pluma Colección Ana González-Mora
Sombrero (Circa 1905-1910)
Paja, terciopelo y pluma
Colección Ana González-Mora

El pintor valenciano Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia 1863-Madrid 1923) supo pintar la luz del Mediterráneo pero además, perfiló el retrato de la sociedad humilde y la aristocrática con una eficacia perfecta. En la exposición alusiva a la moda, no faltan los detalles interesantes, como el cartel que alude a la necesidad del artista de regalar a su mujer e hija, vestidos y calzado que eran de su gusto, mientras se encontraba de viaje: «…Dime las medidas de tu cuerpo saleroso…que nada me hace más feliz que comprarte prendas bonitas…»

Foto de portada:

Destaca en la sala «Paseo a orillas del mar» (1909) y el centro está ocupado por los vestidos de verano y la sombrilla

*glásnostoniano 

Con este «palabro» aludo al proceso de rectificación del socialismo y el comunismo rusos, que tuvo lugar en la década del ochenta del siglo pasado en la antigua Unión Soviética. Glásnost en ruso significa «claridad, transparencia»

Publicado inicialmente en El blog de ana lucía ortega, periodista y escritora

«No Limits»

 

Por Patricia Larrea

Exposición de 25 artistas checos en el

MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO EN VIDRIO DE ALCORCÓN

Una de las exposiciones con más calidad artística y equilibrada, se expone en el MAVA, muestra que se podrá ver hasta el día 1 de febrero.

Colaboran con el MAVA, la Embajada de la República Checa, y el centro de Cultura Checa en Madrid.

Delfin Ivan Houserova
Delfin Ivan Houserova

La exposición que es itinerante llega a Alcorcón desde la Galería Nacional de Sofía en Bulgaria y continuará a Praga, NO LIMITS, comisariada por el curador Petr Novy, conservador del Museo del Vidrio y Bisutería  de Jablonec nad Nisou., museo que convoca cada cuatro años un premio de escultura en vidrio.

Para entender esta gran exposición, que recorre por el mundo el arte en vidrio Checo desde mediados del siglo XX, tendríamos primero que resaltar primeramente la presencia  de tres grandes maestros, que van a marcar la pauta del recorrido en el tiempo y el espacio en el mundo mágico del vidrio.

El maestro Stanislav Libensky, que presenta la obra «SIGMUN»,  magistral de gran formato de vidrio fundido y tallado: La técnica usada surge a mitad del siglo XX, en la que Libensky expone obras de gran formato y gran diseño.

 

 

Sigmun Stanislav Libensky
Sigmun Stanislav Libensky

Cabe resaltar no obstante que los artistas de entonces de escuelas medias y superiores, triunfan en el extranjero, y es Checoslovaquia el país que más fama mundial adquiere en este arte del vidrio, Libensky es más pedagogo , ya falleció, y quizá es el artista más influyente en las actuales generaciones en países como Japón y Estados Unidos.

En Checoslovaquia trabajan alrededor de 300 artistas plásticos del vidrio, y más o menos la mitad estadísticamente y matemáticamente, utilizan la técnica de plástica fundida, el objeto emblemático de hecho es la pieza  de Libensky  en esta exposición, llamada SIGMUN, vidrio  fundido tallado

Otro padre fundador es René Roubicek, que con sus 95 años sigue trabajando el vidrio, una gran diferencia entre la plástica fundida de Libensky y Rene es que este último  trabaja su obra en vidrio en un gran desarrollo creando un gran ESPACIO. En el año 1950 se organiza en Usa una gran exposición de vidrio Checo en la que participa Rene, creando un gran caos, pues manda su escultura en muchas partes , piensan que están rota la escultura, se llama a Praga a preguntar cómo va esta  escultura ,al final la concepción era una obra de arte muy vital, como fin a un arte  que se eleva en el espacio de forma monumental. La obra expuesta en el MAVA titulada ANGEL, es un vidrio modelado en caliente

 

Semilla amarilla Milán Handl
Semilla amarilla Milán Handl

El tercer gran maestro  Vladimir Kopecky, profesor, que presenta una obra muy diferente, titulada  RAIL a primera vista su actitud al vidrio con los otros padres, deja reflexionando al espectador, ya que el vidrio para él es sólo un mero pretexto a la hora de hacer Arte Plástico, su reto es hacer  vidrio «feo», en la que crea simbiosis con otros elementos como es el caso de la obra expuesta, en la que utiliza hierro, pinturas acrílicas dejándolas  recorrer en el hierro de forma libre, el vidrio está como un elemento más, junto a la madera y acero. Este maestro también tiene muchos discípulos  y se puede también observar las actitudes de los artistas plásticos seguidores

Estos tres artistas maestros que ya han entrado en los libros de la historia del arte  son básicos en el mundo del vidrio Checo, con sus pedagogías implantadas.

De los 23 artistas restantes que participan, todos merecen un especial estudio, así podremos admirar a lo largo del recorrido de esta exposición obras realmente interesantes

 

Rail Vladimir Kopecky
Rail Vladimir Kopecky

Pavel Kopriva, trabaja el vidrio laminado y tallado es un artista magnífico  que a mitad de los 90 vuelve el vidrio plateado, es el primero en hacer esta técnica, sus obras «Armas de Vidrio», son armas por si mismo

Klara Horacková, presenta una obra titulada «Metaball», de vidrio soplado y tallado, artista joven asistente de la Academia de Arte Aplicada de Praga.

«Negativo» de Milán Krajicek, obra de vidrio fundido y tallado, formato de una gran exquisitez y delicadeza en el calado.

Petr Stanicky, con una obra magnífica de formato mediano con técnicas combinadas, muy personal en su diseño diferente a los demás artistas, su obra «Corredor» (Después de Fray Angélico), hace su incursión a la arquitectura, y en su obra podemos observar mezcla de arquitecturas imposibles, con perspectivas frontales y de tres puntos de fuga. En su trabajo se puede observar  una actitud intelectual. Su formación se realiza en USA.

 

Armas de vidrio Pavel Kopriva
Armas de vidrio Pavel Kopriva

 

Vera Vejsova, con una obra fantástica  titulada «AB OVO», vidrio fundido tallado, seguidora de Libensky, esta obra llega al MAVA sin que la autora la viera salir del horno, cabe reseñar que muchos artistas hacen el diseño y son otros los que trabajan el vidrio en la talla y fundición.

Lad Semecka, joven promesa que estuvo estudiando 2 años en Japón, y podemos observar en su obra la influencia japonesa, trabaja la plástica fundida y soplada, combina varias técnicas en su obra.

Petr Stacho con su obra «Afecto», vidrio fundido tallado, trabaja temas de elementos naturales, que nos invitan a entrar en su interior como si de pequeños glaciares se tratasen, pertenece a la Escuela de Formación Profesional de Artes Aplicadas, Kamenicky

Josef Divin, Obra «Vaso» vidrio modelado en caliente, discípulo de Kopecky, es un clásico y pertenece al arte conceptual, trabaja las superficies de una forma exquisita. consiguiendo texturas de gran calidad.

 

 

 

Vaso Josef Divin
Vaso Josef Divin

 

«Princesa de Lavanda» de Libor Dolezál, vidrio tallado y soplado, crea vasos sofisticados con varios colores, discípulo de Kopecky.

«El inicio del Fin» de Stanislava Grebenickova, vidrio fundido y tallado, trabajó en La Granja, junto a su marido, esta pieza es de una excepcional belleza, te da la impresión de estar frente a un gran ámbar gigante sacado de los mares Bálticos, formato de gran serenidad y belleza.

 

 

 

 

 

 

El inicio del fin Stalisnawa Grebenickova
El inicio del fin
Stalisnawa Grebenickova

Podríamos seguir hablando de más artistas, pero no queremos dejar de nombrar a una gran artista Ivana Houserová, con una pieza de vidrio fundido y tallado, , perteneció a la Escuela de formación Profesional de Artes Aplicadas al vidrio, Zelezny Brod, desgraciadamente fallece hace un año de forma triste en un incendio al tratar de salvar a un alumno celebraban una fiesta con alumnos  con clases de vidrio..comentar que es una de las mejores exposiciones que se ha expuesto en el MAVA, y que merece la pena visitar, obras en la que la magia del fuego juega un papel importante

 

 

Nueva exposición de pintura y escultura de Patricia Larrea

 
El miércoles 14 de septiembre se inaugurará a las 19.00 horas, la Exposición de Pintura y Escultura  «Homenaje a Los Trinitarios»  en el Centro Cultural Los Castillos, situado en la Avda. Los Castillos, s/n de Alcorcón.

 

Esta muestra artística de la escultora Patricia Larrea, quien es miembro de la Junta Directiva de  ACPI, permanecerá expuesta al público en las instalaciones del Centro Cultural antes mencionado, hasta el 20 de septiembre.

 

Patricia Larrea, Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha estudiado dibujo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid y escultura y cerámica en Francia e Inglaterra.

 

Ha expuesto su obra en España, en países europeos y desde luego, en Ecuador, su tierra natal, y ha sido merecedora de varios premios.

 

Sus trabajos escultóricos se caracterizan por su marcado carácter simbólico, apegados a los colores de lapatricia-larrea naturaleza, y por el uso de poderosos materiales como el hierro y la piedra. También incursiona en la pintura, y la exposición que será inaugurada próximamente, será una ocasión propicia para conocer el mundo sensorial de Larrea.

 

 

 

Tapio Wirkkala con su obra da vida a las Cuatro Estaciones de Vivaldi

 

Por Patricia Larrea

La Real Fábrica  de Vidrios y Cristales de la Granja fue una manufactura real construida en el Real Sitio de San Ildefonso en el siglo XVIII, un sitio con encanto, el  mejor y más idóneo para acoger a un gran artista: Tapio Wirkkala.

La colección Kakkonen, más de 200 piezas, obras de vidrio y de plata con madera creadas por el gran maestro Finlandés para las compañías Littala y Kultakeskus, que forman parte de una gran colección de la familia con motivo de la celebración del centenario del nacimiento de este genio del vidrio. No podríamos entender su obra sin decir que nace en Finlandia, país que por su naturaleza maravillosa, abundante y llena de lagos, bosques, pantanos e islas  en la que la naturaleza de cada estación es un canto a la vida a pesar  de su riguroso clima.Juego en madera y plata para uso domestico

Tapio Wirkkala, con el suave movimiento de la gubia en la madera consigue moldes de gran formato, curvas y contracurvas que en cada movimiento sale a la luz el renacer de la naturaleza, moldes que luego serán los que darán vida a sus formas en el cristal.

La simbiosis que forma como pareja con su esposa Ruth Bryk, gran artista de la cerámica, es la perfecta, los dos tienen como tema de trabajo el cristal y la cerámica, y el fuego haciendo ese papel protagonista, fuego sagrado donde se funden los elementos químicos, donde aparece la alquimia sagrada para explosionar en la forma, es escultor ante todo, esculpe la naturaleza, y uno de los grandes exponentes de la industria artística finlandesa, no sólo trabaja el vidrio, trabaja la cerámica y la madera, logrando sobre todo complementar los elementos entre sí.

El complemento de la madera con plata es de una gran exquisitez y de una gran variedad para uso de objetos en el hogar, logra con sus diseños en los años 50 y 60 elevarlos a la categoría estética de arte mayor.

Jarron rojoEl nombre de la exposición UN POETA DEL CRISTAL Y LA PLATA, ha sido extraído de una revista norteamericana, INTERIORS, publicada en los años 50, yo diría ahora que no sólo es un poeta de esas formas si no un gran avanzado del diseño, lo compararía a un gran pintor El Bosco, otro avanzado de su época, Wirkkal es un observador profundo del entorno a la hora de crear, aire, fuego y tierra, son sus grandes aliados.

Tapio Wirkkala, es un referente para grandes ceramistas del siglo pasado, los jarrones llamados de formas blandas, muy en boga en los años 80, aunque ya los encontramos en la cerámica japonesa, Wirkkala les da ese movimiento que unido al sonido de la pureza del cristal, nos lleva a soñar con la música de Vivaldi, talentoso en todos los sentidos hombre que le gustaba viajar e investigar en fábricas de porcelana, vidrio cerámica etc.

Participa en grandes exposiciones, certámenes, Bienales, Trienales, llegando al reconocimiento internacional, sus piezas empiezan a ser adquiridas por grandes coleccionistas de arte, las piezas muchas de ellas son objetos de arte únicos, de una  belleza espiritual que lleva al diseño Finlandés a la más alta expresión, no hay finlandés que no tenga en su hogar una pequeña pieza de Wirkkal, sus obras artísticas utilitarias son apreciadas en muchos hogares, la pureza del cristal, la madera con plata no hacen más que embellecer una mesa, que para todos es más que original, es casi ceremonial, comparada  solamente a la ceremonia del té Japonesa, cuando realizan una pieza de Rakú, el fuego siempre presente al que se rinde el artista, y espera con humildad la salida de la obra de arte del horno. El sopla el fuego le da vida a la composición en la que juega un papel importante la sílice, los duendecillos acompañan a Tapio en ese baile del juego para dar vida a una obra que es un don de la naturaleza.Fachada centro vidrio

En un apartado de su catálogo dice «El pertenece al mundo y el pertenece a él», yo diría que «El pertenece al fuego- y el fuego pertenece a él«, gracias a la Real Fábrica de Cristales de la Granja, por tan magnífica muestra, de uno de los creadores más significativos  de Finlandia.

Tapio Wirkkala y el lenguaje del cristal

 

Por Vicente López

Con motivo del próximo centenario del nacimiento de Tapio Wirkkala,  pionero del diseño finlandés nacido en un pequeño puerto del sur del país de los mil lagos llamado Hankoo, se ha presentado  en el Museo Tecnológico del Vidrio de la Real Fábrica de Cristales de La Granja de San Ildefonso, la Colección «Kakkonen» que reúne alrededor de 200 piezas de esta leyenda del diseño, exquisitamente seleccionadas donde podremos comprobar que la magnitud de su obra no solo se consagró al vidrio sino que también abarcó cerámica, madera y plata, materiales que utilizó con el mismo mimo y maestría que hiciera con el cristal, en muchos casos combinándolos y creando obras que asombraron sobre todo en las décadas de los 50 y 60, iniciando al tiempo una corriente de avanzada en el diseño finlandés que deslumbró en los círculos europeos e internacionales del momento, y colocó a Finlandia como país de referencia, además de crear escuela en cuanto al diseño de vanguardia se refiere.

 

Wirkkala entendió y estudió de forma alquímica y minuciosa los materiales que utilizaba, entendiendo que la única forma de transformarlos en arte es desmenuzando concienzudamente las leyes y propiedades que los conforman y trabajando en su transformación de manera equilibrada, armónica y respetuosa todo ese conocimiento, capturando así en ellos parte del alma de la naturaleza finlandesa, musa y fuente de inspiración en toda su creación. De esta manera setas, troncos, hielos, hojas ó figuras de la abundante fauna desde la avícola hasta los grandes mamíferos llegaron de la mano del genial artista en forma de objetos funcionales y de uso diario que de manera subliminal consiguieron que el sobrio arte de la naturaleza entrara en los hogares como pieza clave de conciliación y admiración entre el universo natural y la vida cotidiana de la gente.TAPIO WIRKKALA

 

Tapio Wirkkala, exploró y desempeñó también con gran maestría la arquitectura, el diseño industrial, la escultura (fundamental en su obra ya que el mismo se construía los moldes de madera), el dibujo en definitiva, controló y precisó todos los extremos que afectaban al cosmos de sus creaciones y la perfección en su realización. También trabajó para diversas empresas; en Finlandia con la fábrica de vidrio de Littala, en Italia con la fábrica de vidrio de Paolo Venini ó en Alemania con la fábrica de cerámica de Rosenthal entre otras. Así las obras de Wikkala  acompañado siempre por su inseparable esposa la también artista Rut Bryk se constituyeron en escuela y en uno de los más firmes pilares del diseño Finlandés y Escandinavo en general.

 

Estas hoy repartidas a lo largo del mundo forman parte de los fondos de los Museos más prestigiosos del planeta; parte de sus creaciones siguen fabricándose en nuestros días de forma industrializada traspasando así su éxito las fronteras del tiempo y de la propia existencia del artista. Tapio Wirkkala falleció en 1985.

MOOSE

La Real Fábrica de Cristales de La Granja de San IIdefonso, mandada a construir por Carlos III, es uno de los edificios industriales más importantes construidos durante la época de la Ilustración, en sus instalaciones se transmiten al público todas las facetas inherentes a los procesos de fabricación del vidrio de manera amena y didáctica, además de dedicar una porción importantísima de este histórico edificio a El Museo Tecnológico del Vidrio donde podemos visitar y admirar parte de las colecciones temporales y permanentes más destacadas del vidrio europeo de los siglos XVI al XIX  y hasta del vidrio contemporáneo. Entre ellas una gran colección permanente de piezas muy seleccionadas del vidrio finlandés, se encuentra entre los fondos fijos de este prestigioso museo. En este histórico escenario contenido en un pueblo de precioso enclave natural como es el de La Granja de San Ildefonso, al pié de la Serranía Segoviana, Tapio Wirkkala volvió a estar presente en España dejando su mensaje intemporal a través de su mejor legado, su admiración por la naturaleza, su admirable maestría en el trabajo y en definitiva una obra que además de bella es sólida y honesta, que no dejará indiferentes a los visitantes y que, como no. es orgullo nacional de Finlandia.

El primer «hackday» de medios en España

Por Ana Lucía Ortega

Hemos sido testigos del resultado del trabajo de un equipo que diseña apps para medios de comunicación

Bajo el auspicio de GEN Global Editors Network http://www.globaleditorsnetwork.org y el diario español El País, once equipos formados por un periodista, un diseñador y un desarrollador, compitieron frente a un jurado formado por prestigiosos profesionales para mostrar las características de las apps que pretenden convertir en herramientas digitales capaces de conseguir coberturas instantáneas de todo lo que acontece.

Cada teamwork presentó su proyecto en directo exponiendo los objetivos que persigue cada uno en concreto, pero en general todos apostaron por una interfaz intuitiva que se adapta a cualquier dispositivo digital, ya sean smartphones, tablets, ordenadores portátiles o televisores.  Una apuesta franca por el Responsive Design que ha llegado al periodismo pisando fuerte por imperativo de la sociedad digital.

El ganador del primer Hackday español ha sido el equipo que representa al grupo de comunicación multimedia Vocento (http://www.vocento.com) y su premio es participar en la próxima final mundial que tendrá lugar este verano en Barcelona. En el evento, que se celebra durante la cumbre anual de periodistas y editores de Global Editors Network (GEN), tendrán que poner a prueba su ingenio frente a otros 19 ganadores de ediciones nacionales. (GEN Summit 2014 11-13 June, Barcelona)

Hay que destacar que todas las propuestas que han presentado los concursantes del Hackday propician la interactividad entre el usuario/lector y el medio/comunicador. Los recursos para conseguir esta interacción van desde la posibilidad de suscribirse a las alertas generadas por la aplicación -que varían en dependencia de los temas-; la participación en surveys, el envío de comentarios o emails (Diario de Navarra) hasta la opción de elegir la noticia que quieres ver o escuchar (Diario As).hackday hackday1

Mencionamos las iniciativas de “Televisión Española” que propicia la localización de los eventos más importantes que se están produciendo, y la del periódico “20 minutos” con su ‘Crónica viva Vs directo efímero’.  Esta última junto con la idea de “El País” recibió una mención especial por los organizadores de la competición.  También escuchamos entre otros a “Marca” con su propuesta de difundir sus noticias utilizando el mismo lenguaje de Twitter y a “Yahoo”que bajo el sello ‘Live Mosaic’ aboga por un filtrado de información bajo una visión editorial .

El team de Vocento, el ganador, apuesta por la geolocalización de sus usuarios, lo cual permitirá a aquellos que estén en un radio cercano al hecho noticioso, recibir una alerta que les ofrece la posibilidad de participar de la experiencia comunicativa digital  subiendo fotos o vídeos, a diferencia del que está en su casa, que podrá interactuar mediante formularios, pero no tendrá habilitada la opción de emitir contenidos.

EditorsLab (Red Mundial de Editores) es una comunidad multi-plataforma cuyo fin es fomentar el desarrollo tecnológico y la iniciativa de los medios de comunicación. Su compromiso es apoyar la libertad de prensa en todo el mundo y favorecer la cooperación entre las organizaciones editoriales.

Los anteriores Hackdays  se han celebrado en las sedes de The Guardian (Londres), The New York Times (Nueva York). Yahoo News (Sunnyvale), Clarín (Buenos Aires) y Le Parisien (París).

Enhorabuena a todos los participantes del Hackday de Madrid y al team de Vocento, el ganador.