Dibujo y arte contemporáneo

Madrid, 26 de febrero.-  La tercera edición de Drawing Room Madrid, feria de dibujo contemporáneo – celebrada del 21 al 25 de febrero – clausuró el domingo pasado su tercera edición tras recibir los elogios de público, coleccionistas y crítica. «Gracias a su crecimiento y a su nueva ubicación, donde conviven la arquitectura clásica con la creación contemporánea, Drawing Room se ha convertido en un lugar de encuentro obligado para todo amante de la práctica dibujística», señala Mónica Álvarez Careaga, directora de la feria.

Desde el pasado miércoles y hasta el domingo más de 11.000 personas visitaron el salón de baile del Círculo de Bellas Artes. Coleccionistas, artistas, galeristas, comisarios, directores de centros de arte y profesionales del arte han acudido durante estos cinco días a la feria para constatar su crecimiento y confirmar su reafirmación como un lugar de referencia en el mundo del dibujo y del arte contemporáneo.

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Alto nivel de satisfacción entre galeristas y artistas
El alto nivel expositivo de las 30 galerías seleccionadas para participar en esta tercera edición de Drawing Room, así como el nivel de ventas que obtuvieron las mismas, han sido los dos elementos sobre los que se articula la satisfacción vivida al cierre de la feria. «Quiero repetir en la próxima edición, ciertamente estar en Drawing Room es un indicativo de que tienes un nivel muy bueno porque hay mucha calidad aquí» señala el galerista lisboeta Carlos Carvalho.

La diferenciación del proyecto, frente a la gran oferta cultural que trae a Madrid la semana del arte, ha sido otro de los puntos fuertes para Ramón García, de la galería madrileña My Name´s Lolita Art: «La feria ha tenido un nivel muy alto. El público asistente ha sido también muy apropiado para este tipo de encuentros, es una feria muy escogida, mucho más definida». Por su parte desde la galería mallorquina Fran Reushan señalado que «el público valora que esta sea una feria especializada, porque tiene entidad propia. En este espacio la obra luce muy bien y la buena selección de galerías acompaña».

Por el lado de los artistas Ángeles Agrela, uno de los grandes nombres de esta tercera edición, ha resaltado «la riqueza de propuestas, calidad y maravillosa ubicación».

Premios para los mejores proyectos

 

Proyecto de Miquel Mont en la Galería Trinta | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room
Proyecto de Miquel Mont en la Galería Trinta | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room

Un año más DRAWING ROOM Madrid ha sido también un lugar de reconocimiento al trabajo creativo de los artistas y a la labor esencial de los coleccionistas, materializado en la entrega de diversos premios.El premio colección Kells fue otorgado a Philip Patkowitsch representado por el espacio austriaco Bechter Katowsky Galerie. El comité curatorial de la feria concedió el premio IMEM a Berta Cáccamo, de galería Trinta de Santiago de Compostela. Sin duda una de las grandes premiadas fue la Galería Art Nueve (Murcia) ya que obra de dos de sus artistas, Pablo Capitán del Río y Sergio Porlán, pasó a formar parte de las colecciones Campocerrado y DKV Arteria, respectivamente.Además de estas adquisiciones obra de Nieves Torralba (a cargo de la galería Shiras, de Valencia) fue adquirida por la colección Navacerrada y la galería parisina Jean-Louis Ramand ganó el Premio SetUp Contemporary Connection, otorgado por la feria de arte italiana SetUp Fair, que les garantiza su participación en la próxima edición de esta feria.II Encuentro Internacional Coleccionar dibujo contemporáneo en museos y centros de arte

Durante el pasado jueves día 22 Drawing Room celebró el II Encuentro Internacional Coleccionar Dibujo Contemporáneo en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración. En esta ocasión se sumó a la iniciativa el apoyo de AC/E (Acción Cultural Española).En el encuentro participaron Katharine Stout, directora adjunta de ICA, Londres; Brett Littman, director de The Drawing Center, Nueva York y Tobías Burg, conservador de dibujo y grabado del Museum Folkwang, Essen, Alemania. Todos ellos abordaron cómo el dibujo contemporáneo ocupa un lugar valioso en sus museos y centros de arte, especializados en esta práctica artística.Por tercer año consecutivo la variedad y calidad de las propuestas seleccionadas para Drawing Room demuestran una vez más la riqueza de la práctica dibujística y auguran una fantástica cuarta edición.Texto Enrique LLamas.

 

Foto de portada:

Proyectos de Ángeles Agrela y Javier Calleja en la galería Yusto//Giner | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room

Los beneficios de la diversidad cultural

 

Por Juan José Echevarría – Opinión

La proyección cultural  emigrante en su tierra de acogida y en concreto de la dominicanidad es el objeto de análisis del libro presentado esta semana en la Casa de América, obra de la periodista Doris Araujo, a la que tuve entre mis alumnos cuando llegó a España hace una década. 
La gestión cultural y la proyección de la dominicanidad en el exterior es el título de este documentado ensayo, del que recomiendo su lectura, a través del cual se puede uno hacer una cabal comprensión de los enormes efectos positivos del hecho migratorio, generador de riqueza cultural, tanto para el propio colectivo como para todos aquellos que los rodean, viéndose  beneficiados de su influjo. Las sociedades actuales, definidas por una globalización que puede aportar enormes réditos en el ámbito cultural, son, y lo serán aún más en el futuro, reflejo de unas identidades múltiples que generan diversidad enriquecedora.

 

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                               Juan José Echevarría, Olivo Gutiérrez Huertas, Doris Araujo y Daniel Tejada.
Tal prosperidad debe, eso sí, asentarse sobre bases sólidas, garantizando la sostenibilidad de los proyectos culturales propuestos, análisis que centró la intervención del embajador dominicano en Madrid, Olivo Rodríguez Huertas, incansable dinamizador de la presencia de República Dominicana en España. Preocupación que también vertebra el libro de Doris, publicado por Acudebi, cuyo presidente, Daniel Tejada, moderó el acto de presentación de un ensayo que es ya una referencia sobre la proyección cultural dominicana en el exterior. 

 

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Daniel Tejada, de ACUDEBI, y Juan José Echevarría, Sully Fuentes y Ana Lucía Ortega, de ACPI, junto a la autora Doris Araujo.

Del hombre que supo pintar la luz del Mediterráneo

Por Ana Lucía Ortega

La primera vez que escuché hablar de Sorolla fue en La Habana. La ocasión de conocer de primera mano sus obras, expuestas en el Museo Nacional de Bellas Artes de Cuba, surgió cuando grababa para la televisión nacional, el programa El sol parte en busca de razones… de la exitosa serie informativa En Pantalla, que, como diría mi abuela, duró lo que un merengue en la puerta de un colegio por su carácter crítico y glásnostoniano*.

El espacio televisivo de marras tenía la intención de ensalzar a la mujer cubana, y pensamos con buen criterio que una obra de arte sería ideal, para expresar la excelencia del sexo femenino. La mujer cubana del siglo veinte ya era madre, hija, esposa, trabajadora y miliciana combatiente, e incluso, se transformaría en inventora de alimentos para entretener el estómago, en una isla esquilmada por «el período especial en tiempo de paz».

Aunque la «Gitana Tropical» de Víctor Manuel, sería una de nuestras protagonistas en El sol parte en busca de razones, encontramos en el Museo de Bellas Artes suficientes estímulos pictóricos, para crear un programa lleno de alusiones hermosas y positivismo. Sin embargo, entre tantas obras de arte de las tradicionales escuelas europeas, y los vibrantes, coloridos e inolvidables cuadros nacionales, los Sorollas me atrajeron como solo lo hace un imán.

Sería por esos trazos líquidos de sus marinas, esas caras desdibujadas cuyos semblantes hablan, por esas ráfagas de aire que rozan la cara y levantan el cabello de quien está observando la pintura, las transparencias de los tejidos, las sombras, las luces. ¡Cuánta intensidad encierra cada cuadro! El Todo. La Nada. Lo sublime. Lo insignificante.

Comprendí que sería imposible no amar a Sorolla.

Ahora, en Madrid, se acaba de inaugurar simultáneamente la exposición «Sorolla y la Moda», en la casa museo del artista (General Martínez Campos, 37) y el Thyssen-Bornemisza (Pº del Prado, 8). Estará abierta hasta el 27 de mayo, y hasta el momento en ambas sedes, está contando con bastante afluencia de público. La colección de pinturas está acompañada de vestidos, sombreros, calzado, guantes y mantillas de la Belle Époque, expuestos en un montaje sorprendente e innovador. Muchos de los cuadros van acompañados de piezas textiles de colecciones privadas, muy parecidas a las que lucen los retratos, y da la impresión de que la modelo está posando para el artista. Sugerente y fascinante.

Clotilde con sombrero 1910 Óleo sobre lienzo (Museo Sorolla, Madrid inv.901)
Clotilde con sombrero 1910
Óleo sobre lienzo (Museo Sorolla, Madrid inv.901)
Sombrero (Circa 1905-1910) Paja, terciopelo y pluma Colección Ana González-Mora
Sombrero (Circa 1905-1910)
Paja, terciopelo y pluma
Colección Ana González-Mora

El pintor valenciano Joaquín Sorolla y Bastida (Valencia 1863-Madrid 1923) supo pintar la luz del Mediterráneo pero además, perfiló el retrato de la sociedad humilde y la aristocrática con una eficacia perfecta. En la exposición alusiva a la moda, no faltan los detalles interesantes, como el cartel que alude a la necesidad del artista de regalar a su mujer e hija, vestidos y calzado que eran de su gusto, mientras se encontraba de viaje: «…Dime las medidas de tu cuerpo saleroso…que nada me hace más feliz que comprarte prendas bonitas…»

Foto de portada:

Destaca en la sala «Paseo a orillas del mar» (1909) y el centro está ocupado por los vestidos de verano y la sombrilla

*glásnostoniano 

Con este «palabro» aludo al proceso de rectificación del socialismo y el comunismo rusos, que tuvo lugar en la década del ochenta del siglo pasado en la antigua Unión Soviética. Glásnost en ruso significa «claridad, transparencia»

Publicado inicialmente en El blog de ana lucía ortega, periodista y escritora

El impacto de las 90 meninas gigantes en Madrid

 

 

El impacto de las 90 Meninas que invaden Madrid

Por María Valbueno

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Madrid es una de las capitales más turísticas y emblemáticas de Europa que ofrece una calidad de vida muy por encima de los demás países. El turismo y la cultura están en constante fusión dentro de su metrópolis y es inevitable que se quiera mantener estas ráfagas de pasión por la tradición, pero también por aquello que nos queda por descubrir.

Desde abril hasta julio de este año, 90 Meninas gigantes de dos metros de altura, conquistarán las calles de Madrid, aunque las primeras ya se pueden ver en algunos rincones clave de la capital. La idea de poner estatuas de Meninas por todo Madrid refleja la importancia de mantener la ciudad latente, mejorar el turismo, reforzar la imagen de la ciudad y agradar a todos aquellos que pasean por sus calles. Estas estatuas potenciarán la sed de conocimientos de los habitantes y de los turistas, y llamarán la atención de miles de personas, poniendo el arte y la cultura al alcance de todo el mundo.

Imagen Cortesía de Europa Press

Cada menina estará pintada de manera distinta, con diseños y letras que representarán en conjunto, la esencia madrileña. Este proyecto gratuito para aquellos curiosos que quieran ver la exhibición callejera, les acercará a un icono de Madrid. Con solo recorrer los bulevares tendrán la oportunidad de disfrutar del arte contemporáneo al aire libre. La diversidad y la libertad de expresión se juntan y convertirán a esta ciudad en un lugar acogedor y respetuoso, dónde las personas podrán ver la capital de manera distinta y dónde aprenderán que la expresión de los sentimientos puede aparecer en cualquier rincón.

En el 2009 ya hubo una tendencia similar con el Cow Parade, vacas hechas de fibra de vidrio, pintadas por artistas anónimos que invadieron las calles de Madrid de enero a marzo. Cualquiera podía pintar una y fue un triunfo mundial que comenzó en Zúrich. Las vacas que sufrieran desperfectos las llevaban al Hospital Universitario Niño Jesús para cuidarlas y que así, los niños que estaban en el hospital olvidasen durante unas horas su situación personal. Se recaudaron millones de euros para proyectos solidarios y muchas ciudades del mundo amanecieron con vacas pastando en sus calles. Estos proyectos artísticos son mucho más que una forma de adornar una ciudad, son una mezcla de cultura y solidaridad que se fusionan para dejar a todos perplejos y al mismo tiempo ayudar a aquellos que más lo necesitan. Nos hace ser conscientes de aquello que nos rodea y llena nuestras calles de color y fantasía. Por esta razón, el impacto de las meninas será incalculable, algo que no podremos contar ni medir con las manos, pero sí con la imaginación. Este arte urbano llegará a su fin en julio, cuando el creador desvelará el secreto oculto detrás de las meninas, y solo entonces éstas se subastarán y aquello que se recaude, irá destinado a ayudar a niños y adolescentes con cáncer, una iniciativa que le cambiará la vida a muchos.

Colaboración especial de María Valbueno

Relaciones Internacionales de la Universidad Pontificia 
de Comillas

 

 

La AEAE y ACPI emprenden el 2018 colaborando en la promoción cultural

 

«Tres mujeres, tres miradas, un encuentro» ha sido la primera actividad que han auspiciado juntas las dos asociaciones

 

Este 15 de enero, ACPI inició una  nueva relación colaborativa con una de las  asociaciones más prestigiosas de España, la  AEAE, Asociación de Escritores y Artistas Españoles. Lo hizo  a través de la organización de una  actividad cultural: la presentación de tres libros de tres escritoras, que detallamos abajo.

Es un orgullo para nosotros saber que a partir de este momento ambas Asociaciones podremos caminar juntas, buscando reflejar y volcar en la sociedad española e iberoamericana las obras de nuestros escritores, comunicadores y periodistas-corresponsales.
Agradecemos con especial énfasis a quienes fueron los anfitriones de este evento denominado «Tres Mujeres, Tres Miradas, Un encuentro»: a Juan Van Halen, Presidente de  AEAE, Emilio Porta,Vicesecretario y Director de actividades culturales y publicaciones y José López Martínez, Secretario General de dicha asociación.
 
 
Agradecemos también al numeroso público presente y particularmente a quienes representaron a ACPI  además de la presidenta y dos de las escritoras; a la Secretaria General María José López de Arenosa, al Tesorero Vicente López y a la Vocal RRPP  María Rosa Jordán. 

Escritoras y colaboradoras de medios de comunicación que presentaron sus obras, Fotos del encuentro y finalmente los vídeos:

 Ana Lucía Ortega autora de Vivir fingiendo
María Mercedes Campos autora de Alicia lo sabe
Lourdes Tello autora de Amor entre leyendas
De izda a dcha: Lourdes Tello, Ana Lucía Ortega y María M. Campos
De izda a dcha: Lourdes Tello, Ana Lucía Ortega y María M. Campos
El vicesecretario y director de actividades culturales y publicaciones de la AEAE D. Emilio Porta, quien inauguró el evento
El vicesecretario y director de actividades culturales y publicaciones de la AEAE D. Emilio Porta, quien inauguró el evento
La presidenta de ACPI, Dª Sully Fuentes presentando a las tres autoras
La presidenta de ACPI, Dª Sully Fuentes presentando a las tres autoras
TRES AUTORAS EN MESA
María M. Campos mientras hablaba de las motivaciones que tuvo para escribir «Alicia lo sabe»
Ana Lucía Ortega, leyendo un fragmento de su obra, la novela "Vivir fingiendo"
Ana Lucía Ortega, leyendo un fragmento de su obra, la novela «Vivir fingiendo»
Lourdes Tello, en un momento de la presentación de "Amor entre leyendas"
Lourdes Tello, en un momento de la presentación de «Amor entre leyendas»
D Juan Van Halen en un momento de su intervención
D Juan Van Halen en un momento de su intervención
Momento de las firmas de libros en uno de los salones de la Asociación de Escritores y Artistas españoles.
Momento de las firmas de libros en uno de los salones de la Asociación de Escritores y Artistas españoles.

A continuación, compartimos fragmentos de los vídeos de cada intervención para facilitar el acercamiento del lector a los mejores momentos de «Tres Mujeres Tres Miradas Un Encuentro»

Fotos Fernando Prados

Vídeos: Yolanda Cardo Sánchez

Tres autoras para el siglo XXI: Ana Lucía Ortega, Mercedes Campos y Lourdes Tello presentan en la AEAE

 

Así anuncia la Asociación de Escritores y Artistas Españoles AEAE la presentación de tres libros escritos por mujeres, este lunes, 15 de enero, en su sede en Madrid, Leganitos nº 10. La introducción estará a cargo de la Presidenta de ACPI, Sully Fuentes.

Ana Lucía OrtegaMaría M. Campos —socias de ACPI— y Lourdes Tello, se unen para compartir con los asistentes a la cita, las motivaciones que tuvieron para crear estas obras, las emociones contenidas en sus historias y la geografía recorrida por los protagonistas.

Dos grandes Asociaciones se han unido para promocionar la literatura que surge en estos momentos en España y han lanzado este proyecto que se está dando a conocer bajo el lema: «Tres mujeres, tres miradas, un encuentro«.

Según se ha conocido, María M. Campos, autora de Alicia lo sabe, será quien abra la presentación mañana lunes. La escritora ponealicia lo sabe1 sobre la mesa a tres personajes: Éduar, Constancia y la propia Alicia. Un tumulto de emociones y entramados que los protagonistas no ven al estar cada uno dentro de su propio huracán. Solo Alicia ve a través de la niebla. María Campos nació en Madrid y residió en el Reino Unido. Ahora está a caballo entre dos ciudades españolas. A los diecinueve años se independizó, y de casa se escapa cada vez que puede para conocer más mundo del que ya conoce. Los perros son su gran debilidad.Mercedes Campos

 

 

 

 

 

 

 

 

Ana Lucía Ortega presentará Vivir fingiendo, una novela cuya protagonista recorre una etapa histórica de la Cuba contemporánea y aprende a conseguir lo que desea usando sus armas de seducción. Sin embargo, se hunde en un mundo de claroscuros. Venezuela y España la obligan a elegir. El personaje, comprometido con la revolución cubana y su ideario político, tiene un recorrido vital, que portada2ediciontermina abandonando sus propios principios y su tierra. Ana Lucía es periodista y autora del bestseller Iglesias de Cuba (Agualarga, 1999) de Museos de Cuba y Vidas Pintadas para Sobrevivir. Es miembro de la Junta directiva de  ACPI, donde es webmaster y social media manager. Ha escrito crónicas en El Nuevo Herald, Altair Magazine, Revista Hispano Cubana y Ser Empresario del Siglo XXI entre otras. Colaboró con publicaciones de gran circulación en los años noventa a través de la agencia COVER. Colabora en Europa en Círculos del Círculo de Bellas Artes Madrid. Fue realizadora y guionista de la Televisión Cubana.

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Lourdes Tello, se encargará de terminar el encuentro con su título Amor entre leyendas. Madrileña, desde su más temprana libro lourdes tellojuventud, disfrutaba inventando y narrando pequeños relatos a familiares y amigos. Animada por ellos, afrontó el reto de publicar su primera novela, una apasionada historia de amistad, amor y celos. También ha publicado sus relatos en compañía de otros autores en Opera de sueños, Doñana es Arte y El salto del ángel. Como ella misma se autodefine, lucha por compaginar su vida laboral y familiar con su pasión por la literatura.

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Los socios de ACPI podrán confirmar su asistencia por el canal habitual. ¡Los esperamos!

La Exposición «Zorrilla, poeta popular» en el Bicentenario de su nacimiento

 

 

Hasta el 21 de Enero del próximo año tendremos la oportunidad de ver esta exposición en la Sala de Las Musas, del Museo de la Biblioteca Nacional de España (BNE)

Con esta exposición, la Biblioteca Nacional quiere recordar al poeta reconstruyendo tanto su biografía como la época en la que vivió. A través de los fondos que se conservan en sus depósitos, la Biblioteca mostrará tanto el rico y plural bagaje del Romanticismo español, en el que Zorrilla ocupa un lugar muy especial, como la trayectoria de un creador que siempre apeló al conocimiento del pasado y de las tradiciones para hacer frente a los desafíos del mundo moderno. Sus leyendas históricas, sus obras teatrales, sus poemas, sus actores favoritos y sus contemporáneos le esperan para recordar con él todo un siglo de historia.

 

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Zorrilla ( Valladolid en 1817 – Madrid 1893) fue el trovador del pueblo, como él mismo se llamó, pues se consideraba la voz y la palabra de las personas comunes, de cuyas leyendas y tradiciones bebió su obra. Precisamente por eso, sus versos fueron tan conocidos y recitados en su tiempo.

La exposición se divide en tres partes. La primera repasa la trayectoria de Zorrilla y la inserta en su tiempo para conocer los lugares que frecuentó en su juventud, sus primeras composiciones, sus amigos, su traslado a México, así como los más importantes reconocimientos públicos que se le hicieron en vida: la coronación como poeta nacional en Granada y el ingreso en la Real Academia Española. Se cierra esta primera parte con el homenaje póstumo que recibió en su funeral. La segunda parte se ocupa de una de sus actividades principales: el teatro, al que dedicó casi toda su vida. Las hermanas Lamadrid, Carlos Latorre o Juan Lombía nos ofrecen sus retratos para conocer a quienes representaron en el escenario las obras del poeta. Además, se expondrán no solo sus piezas teatrales más importantes, sino también algunos de sus manuscritos, lo que nos permitirá examinar su forma de trabajo. La última parte de la exposición se centrará en el mundo legendario que creó a través de composiciones como Cantos del trovador, La leyenda del Cid, Ecos de las montañas, etc. Construyó Zorrilla con su obra un imaginario medievalizante que atrajo enormemente a los ilustradores más importantes de su tiempo, algunos de cuyos trabajos podremos ver también en la exposición.

Zorrilla, quien confesaba que en su juventud iba a la Biblioteca Nacional para no pasar frío, regresa ahora y halla, de nuevo, abiertas sus puertas para encontrar “amigos que me esperan y hospitalario hogar”.

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La Exposición está Comisariada por Raquel Sánchez García.

Información práctica

  • Del 19 de septiembre de 2017 al 21 de enero de 2018
    De martes a sábado de 10 a 20 h.
    Domingos y festivos de 10 a 14 h.
    Último pase media hora antes del cierre. Entrada libre y gratuita.
  • Sala de las Musas del Museo de la BNEzorrilla cup

Nota de Prensa BNE

 

 

 

 

 

Vista de Valladolid (al fondo la Academia de Caballería) Ana Lucía Ortega ©
Vista de Valladolid (al fondo la Academia de Caballería)
Ana Lucía Ortega ©

Madama Butterfly o la seducción de una heroína trágica, frágil y digna.

 

Por Norma Sturniolo

Fotos cortesía Javier del Real

Merece destacarse el esfuerzo del Teatro Real por acercar el arte de la ópera a un público amplio. La difusión dada a la representación de Madama Butterfly es admirable. Se barajan cifras importantísimas como las de 120.000 personas en municipios de toda España. La retransmisión en el canal de Facebook del Teatro Real ha sido superior a 800.000.  En Twitter la retransmisión de MadamaButterfly fue trending topic nacional con el hashtag #madamaendirecto, alcanzando una audiencia de 18.000.000 de usuarios con todas las publicaciones. También TVE ha obtenido una excelente cifra de seguimiento en la retransmisión en La 2, con 335.000 espectadores.

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Esta política de divulgación de la ópera está realizada con total acierto porque lo que se ofrece aúna calidad, atractivo y un alto grado de emoción, posibilitando la empatía del público con lo que ve.

Si Madama Buttlerfly es una de las óperas más populares y emocionantes del compositor de Luca, esta Butterfly puede conmover incluso a los más remisos, tanto por los intérpretes como por la reposición de la inteligente y creativa dirección de escena de Mario Gaz, la espléndida escenografía de Ezio Frigerio, los exquisitos figurines de Franca Squarciapino, la dirección musical de Marco Armiliato y dirección del coro de Andrés Máspero. Sobresaliente la interpretación de la soprano Ermonela Jaho en el papel protagonista y de Enkelejda Shkosa en de la fiel Suzuki. Conviene recordar que se representa en el coliseo madrileño desde el 27 de junio al 21 de julio de 2017.

 

El director de escena Mario Gaz opta por el juego de la ficción dentro de la ficción. El juego metaficcional, a veces, produce un distanciamiento, pero, en este caso, el resultado es todo lo contrario, hay un emocionante acercamiento a lo que sucede en escena. Mario Gas sitúa la historia en un plató cinematográfico en los años 30 y los espectadores presenciamos la ópera en sí, la supuesta grabación cinematográfica que se hace de la misma y su reproducción en blanco y negro en una gran pantalla.

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Aparecen un director de cine, los técnicos con su equipo y por encima de los subtítulos, se proyecta la filmación con unos primeros planos que nos permiten apreciar todos los gestos de los personajes. Es como si pudiéramos ver parte de su interioridad, y, sobre todo, nos acerca a esa mujer niña Cio- Cio San o Butterfly, que tiene quince años al comienzo de la historia y al final se suicida con 18. Asistimos a su viaje que es gozoso al principio pero que, muy pronto, se torna doloroso. Pasará desde la inocente, casi pueril felicidad a la posterior esperanza en el regreso del su gran amor y a la necesidad del autoengaño. Todos saben que el oficial de la marina americana de quien se ha enamorado la ha abandonado. Ella, por el contrario, cree que volverá. Pero, ¿su confianza es total o necesita creer para no morir de dolor, servirse del autoengaño para seguir viviendo? Cuando no hay ningún resquicio para la esperanza, la trémula niña se convierte en una mujer capaz de devolverse el honor a sí misma. La música del compositor de Luca, arrebatadora, tiene ecos orientales con los que se subraya la delicadeza del mundo que rodea a Butterfly y, a la vez, su crueldad. ¿Acaso Butterfly tiene una posibilidad de vida mejor acatando a los suyos? A todas luces parece que no. Se insiste en la soberbia del americano, por supuesto que su soberbia queda patente en el primer acto, así como en el conflicto entre dos civilizaciones, una de las cuales se considera superior a la otra, pero no se hace suficiente hincapié en la condición femenina en una sociedad feudal, en la marginación de una mujer pobre como Butterfly en dicha sociedad. ¿Cuál sería su futuro si aceptara las propuestas de quienes la rodean? ¿Casarse con el pretendiente Yamadori que abandonó a sus mujeres, por lo cual podemos prever que haría lo mismo con Butterfly? ¿Volver a ser una geisha obligada a entretener a los demás? Ella sueña con algo diferente, con un amor verdadero. Ama la belleza por eso se encandila con las bellas palabras que no está acostumbrada a oír. Además de la fascinación que le produce el extranjero debido a una extrema juventud más propensa a la ensoñación , la seducen las palabras del yankie Pinkerton que la llama de formas muy bellas, nombres que ellas recuerda con devoción.

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Imposible no conmoverse con ese sueño de amor de Butterfly y más aún cuando la vulnerable japonesa está interpretada por unaButterfly 1826 soprano tan entregada a su papel como la albanesa Ermonela Jaho que transmite todo esa riquísima gama de matices que va desde la fragilidad y los movimientos casi de niña al comienzo de la historia hasta el terrible desgarramiento del final. Jaho hace suyo el personaje y nos transmite su temblor de mariposa herida.

¿Cómo no conmoverse con la obra de Puccini (1858-1924) ese gran conocedor del alma femenina? Recordemos sus propias palabras “ si la obra no me conmueve, si el libreto no me llega al corazón, si no me hace reír y no me hace llorar, si no me exalta y me sacude, no hay nada que hacer . No es cosa para mí. Resultaría una falsedad, una desarmonía”.

 

El emocional maestro, al referirse a Butterfly, afirmó en una de sus cartas “La ópera me conmovía siempre cuando la releía al piano

Sentir, emocionarnos, abrirnos al sufrimiento y los sueños, las grandezas y las debilidades de personajes que son muy humanos y reconocer el poder transformador del arte es algo que hay que agradecer a obras como ésta.

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Cena Iftar en Casa Turca

 

Por Vicente López

 

La palabra árabe Ramadán es una derivación de vocablos referidos a calores intensos y sequedades del terreno como ramdaa = tierra calcinada entre otros. Este período que coincide con el noveno mes en el calendario lunar musulmán, (el mes en el que el profeta Mahoma empezó a recibir la revelación del libro sagrado del Corán) se interpreta como el mes en que el cielo se hace más cercano y permeable permitiendo así que la palabra de Dios llegue de forma más certera y directa a sus discípulos. Nada debe desviar ni distraer esta conexión divina y por eso es necesario el ayuno o abstinencia total. Nada líquido ni solido debe atravesar la boca o nariz de la persona, pero también ha de guardar de abstraerse de tentaciones con otras partes del cuerpo, como prestar oídos a palabras impuras, hablar en exceso de cosas banales o pensar en sexo; oír, ver y pensar también forman parte del ayuno. Este es un período de máximo calor interno como el que moldea metales o transforma los líquidos. Las personas durante el ayuno sufren el calor del hambre y la sed, y así queman sus culpas, remodelan su interior física y espiritualmente para asimilar y entender mejor las palabras y enseñanzas divinas.

El ayuno comienza con la salida del sol y se mantiene hasta la  puesta del mismo o Maghrib, momento en que se levanta la vigilia para celebrar la primera ingesta de alimentos sólidos y líquidos del día; es la llamada cena Iftar. Este momento además de indispensable para proveer al cuerpo del alimento necesario para saciar el hambre de la jornada, lo es también para ir encarando el ayuno del próximo día y además es ocasión para convocar y compartir el encuentro con familiares y amigos.DSCN8133

Bajo este prisma, nuestros amigos de Arco Forum – Casa Turca nos invitaron a celebrar con ellos la cena Iftar del pasado sábado 3 de Junio. Previo al momento del inicio de la cena, uno de nuestros anfitriones Temirjón Naziri explicó en una breve intervención el significado del Ramadán para el mundo islámico,  como lo vivían ellos lejos de su Turquía natal , de amigos y familiares, manifestando que sin duda es también un momento para la nostalgia y el recuerdo que comparten ellos con los casi dos millones de musulmanes de países lejanos que residen en España.

La hora exacta para levantar el ayuno ese día para Madrid fueron las 21.46, momento en que rompimos el ayuno con la ingesta de un dátil con agua seguida de una exquisita sopa ligera. A continuación una increíble variedad de Delicias Gastronómicas Turcas dieron paso a una sabrosa cena típica que nada tenía que envidiar a las que podrían estar sirviendo en ese instante en los mejores Restaurantes de Estambul. Carnes, verduras, arroces, yogures etc. llenaron una veintena de coloridos platos diferentes con una increíble mezcla de sabores y aromas que nos trasladaron por momentos al medio oriente más refinado. Los comensales fuimos estratégicamente entrecruzados para que todos conversáramos con todos, nos conociéramos, comentáramos y acercáramos posturas en este momento actual de dificultad y distanciamiento del mundo musulmán con occidente.

DSCN8128Agradecidos a Casa Turca y Arco Forum, cuyo lema es “El arte de la convivencia” y su función primordial la difusión de la Cultura Turca en España; disfrutamos del encuentro, la conversación y las exquisiteces que degustamos hasta que terminamos con la dulce Baklava con nueces. Atendidos y agasajados por nuestros anfitriones en todo momento, nos sentimos como en casa, sin duda la cordialidad, educación y amabilidad de nuestros compañeros turcos estuvo presente en todo momento.

Gracias Termijón, Süleyman, Mehmet y demás arkadaşları (amigos) por la invitación y la intercomunicación, sin duda a partir de ahora conocemos  un poco más de vuestra cultura, cordialidad y forma de entender la vida desde dentro.

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Los líricos hilos de Natalia Tentori

 

Por Jorge de Arco

 

Galardonado con el premio internacional “Ciudad de Orihuela” de poesía para niños, ve ahora la luz “Arroz con leche” (Faktoría K de Libros. Pontevedra, 2017).

 

Su autora, Natali Tentori, nacida en Buenos Aires en 1982, ha formado parte de grupos de investigación, acción poética y poesía escénica. Es autora del álbum “Una mitología de las flores” y del libro de relatos “Mil clavados”. Ha sido cofundadora y editora de la Revista Infantil de “Juego Poético Cháchara” y en 2008, ganó el concurso internacional de cuentos “Horacio Quiroga” de 2008 en Uruguay.

 

La unánime esencia del poemario parte de un “guiño solidario a la campaña NiUnaMenos contra la violencia de género, desarrollada en Argentina a través de las redes sociales”.

Pero además de esa cómplice intención, la autora bonaerense se afana en alcanzar una atmósfera de matiz femenina, de la que van surgiendo madres, abuelas, hijas…, protagonistas principales, al cabo, del conjunto.

 

Mi abuela me enseñó a bordar,

me mostró un enorme mantel blanco

lleno de pájaros azules.

Ella lo había hecho con su hermana.

Enhebramos los hilos, nos sentamos

ante un género virgen…

 

…, reza el segundo poema del volumen. Y de esos “hilos” familiares y tan sentidos van naciendo los recuerdos, las anécdotas, los sentimientos que tejen la materia temática del libro.

 

Los poemas de Natalia Tentori se acercan mucho a una prosa poética que agranda su intención narrativa. Carente de rima, con ausencia de ritmo y un notable número de asonancias, sus versos se resienten, en ocasiones, ante la falta de cadencia musical:

 

Una anciana viaja

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a visitar a su amiga

de sorpresa.

Cuando llega,

la otra está esperando

el mate calentito,

tortas fritas recién hechas.

Se ven y estalla una risa de tormenta

truenos resuenan en sus panzas

el burro corre asustado

y ellas a carcajadas

cataratas de alharaca

como esqueletos de fiesta bailan…

 

 

     El ámbito pretérito que sobrevuela estas páginas convierte en íntimo recuerdo las vidas que continúan entrelazadas. La memoria de otro tiempo se anuda al corazón y a la pluma de la poetisa argentina y, de su ensoñadora realidad, crecen sugerentes instantes, resueltos con una ilimitada y certera semántica.

 

Los elementos míticos, fantásticos y reales que pueblan la Naturaleza, son también protagonistas de estos textos donde se dibuja un universo entrañable y fraternal y donde se aúnan los hábitos, los rituales, las celebraciones… que miran hacia un tiempo y un espacio muy íntimos:

 

En Cuzco subiendo la montaña

una mujer coya lleva a su hija en la espalda

dentro de una tela que se llama aguayo.


La niña lleva en la espalda una muñeca

atada con otro aguayo más pequeño

y las tres cantan una canción

que llama a la Madre Tierra.

 

La ilustradora colombiana Elizabeth Bulles ha mezclado sabiamente sus bellos retratos con una atractiva y cromática vegetación, completando así, el fiel empeño de un libro de grata y seductora lectura.