Madrid, España

AVANCE: Palmarés de la 24 Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya

Nota de prensa

PALMARÉS DE LA 24ª MOSTRA DE CINE LATINOAMERICANO DE CATALUÑA

El largometraje “Amateur” de Sebastián Peligro (Argentina) gana el Premio al Mejor Largometraje de Ficción y el Premio Obra Social «la Caixa» al Mejor Director

 

Fotograma de Amateur
Fotograma de Amateur

El Premio Casa Amèrica Catalunya al Mejor Guion es para “Vida de Familia” de Alejandro Zambra, Cristián Jiménez y Alicia Scherson (Chile)

 

Fotograma de Vida de familia
Fotograma de Vida de familia

El Premio del público al Mejor Largometraje de Ficción es para “Como nuestros padres” de Laís Bodanzky (Brasil)

 

El Premio al Mejor Largometraje Documental es para “Al Otro Lado del Muro” de Pau Ortiz (México, España) 

 

El Premio del público al Mejor Documental es para “Tempestad” de Tatiana Huezo (México)

 

En cuanto a la Sección Oficial de Cortometrajes, “Matria” de Álvaro Gago (España) gana el Premio al Mejor Cortometraje

Fotograma de Matria
Fotograma de Matria

Hoy viernes, 27 de abril, se ha dado a conocer en rueda de prensa el palmarés de esta 24ª Mostra de Cine Latinoamericano de Cataluña, que organiza el Ayuntamiento de Lleida y el Centro Latinoamericano de Lleida, y que finaliza esta tarde, a las 20.30 h (20.00 h photocall) en el Teatro de la Llotja de Lleida, con la ceremonia de clausura y la proyección de la miniserie Vida privadadirigida por Sílvia Munt. Asistirán al acto el alcalde de Lleida, Àngel Ros, acompañado del director del Área del Audiovisual del ICEC, Francisco Vargas, del director de la Mostra, Juan Ferrer, y del director del Centro Experimental de la Cinematografía y las Artes Audiovisuales de Cataluña (CECAAC), Santi Lapeira, así como los actores protagonistas de la miniserie, Aida FolchPablo Derqui Francesc Garrido.

Juan Ferrer, director de la Mostra, Albert Galera, miembro del jurado de la Sección Oficial de Largometrajes de Ficción, José Mellinas, miembro del jurado de la Sección Oficial de Cortometrajes, y Yohana Villarraga, en representación de la Universitat de Lleida y del jurado de la Sección Oficial de Largometrajes Documentales, han hecho público los nombres de los ganadores en las tres secciones a concurso.

Los miembros del jurado han coincidido en destacar lo difícil que ha sido la decisión, por el altísimo nivel de las propuestas seleccionadas a concurso, poniendo especial atención en la apuesta por los nuevos talentos del cine latinoamericano y por las mujeres realizadoras, autoras de cuatro de los ocho documentales a concurso. El jurado ha puesto de manifiesto que este talento joven aporta una nueva mirada y nuevas maneras de hacer cine.

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SECCIÓN OFICIAL DE CORTOMETRAJES:

– Mención Especial: “Debris” de Julio O. Ramos (Perú, EEUU)

“Mención Especial para “Debris” por haber utilizado el cine como vehículo de denuncia social en su estado más puro, y por darnos a conocer el sufrimiento de los trabajadores ilegales latinos en manos de los imperialistas americanos. A destacar el trabajo del elenco así como el planteamiento técnico que mantiene al espectador en suspense hasta el final.”

 

– Premio al Mejor Cortometraje: “Matria” de Álvaro Gago (España)

“Por su gran capacidad de expresar la incomunicación y la explotación laboral de la mujer en la sociedad y por su uso magistral de la narrativa cinematográfica. A destacar la magnífica interpretación de la protagonista, Francisca Iglesias Bouzón.”

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES DOCUMENTALES:

– Mención Especial: “El Espanto” de Martín Benchimol y Pablo Aparo (Argentina)

Fotograma de El espanto
Fotograma de El espanto

“Película que combina con habilidad el realismo y lo maravilloso, donde también la cuidada puesta en forma envuelve una historia en la que es apreciable el mestizaje cultural en América Latina.”

 

– Premio al Mejor Documental: “Al Otro Lado del Muro” de Pau Ortiz (México, España)

“Por la historia que narra, centrada en una familia rota por el drama de la inmigración, por la fuerza de sus protagonistas y por la cuidada puesta en forma.”

– Premio del público al Mejor Largometraje Documental: “Tempestad” de Tatiana Huezo (México)

 

SECCIÓN OFICIAL DE LARGOMETRAJES DE FICCIÓN:

– Premio Radio Exterior de España:“Sinfonía para Ana” de Ernesto Ardito y Virna Molina (Argentina)

“Por evidenciar lo atroz de ejecutar a adolescentes por sus ideas políticas y por esforzarse en preservar la memoria histórica como reivindicación de los derechos humanos.”

 

– Premio Casa Amèrica Catalunya al Mejor Guión: “Vida de Familia” de Alejandro Zambra, Cristián Jiménez y Alicia Scherson (Chile)

“Por la originalidad, sutileza y capacidad de sorpresa de su planteamiento.”

– Premio al Mejor Actor: Jorge Marrale por “Maracaibo” (Argentina, Venezuela)

“Por transmitir intensidad, desgarro y frustración desde la contención”.

            

– Premio a la Mejor Actriz: 

Maria Ribeiro por “Como nuestros padres” (Brasil)

“Por la versatilidad, naturalidad y complicidad de su intensa interpretación”.

Jazmín Stuart por “Amateur” (Argentina)

“Por saber fascinar a través de la dualidad y sensualidad de su personaje”

– Premio Ópera Prima: “El Vigilante” de Diego Ros (México)

“Por la brillantez de un estilo inusual en un debutante, con el que se recrea un cosmos tan vivo como sugerente.”

– Premio Obra Social «la Caixa» al Mejor Director: Sebastián Perillo por “Amateur” (Argentina)

“Por lograr, a partir de su pasión cinéfila, un film tan mimético como genuino.”

– Premio al Mejor Largometraje de Ficción: “Amateur” de Sebastián Perillo (Argentina)

“Por lo sorprendente de una propuesta de género realizada con valentía y sin prejuicios.”

– Mención Especial: “O Filme da Minha Vida” de Selton Mello (Brasil)

“Por plasmar con gran sentido plástico y amor al cine el nutrido y conmovedor universo propio de Antonio Skármeta.”

– Premio del público al Mejor Largometraje de Ficción: “Como nuestros padres” de Laís Bodanzky (Brasil)

 

MIEMBROS DEL JURADO DE LA MOSTRA

 

El jurado de la Sección Oficial de Largometrajes de la Mostra estaba formado por Albert GaleraIgnasi Juliachs Sully Fuentes.

 

La Sección Oficial de Cortometrajesde la Mostra ha contado con un jurado formado por José MellinasMarta González de la Vega y  Montserrat Guiu.

 

El jurado de la Sección Oficial de Largometrajes Documentales de la Mostra estaba formado por Antonieta JarneSandro Machetti Jorge Nieto.

 

 

Fotografía de la rueda de prensa de presentación del palmarés (foto: Oriol Cárceles)

 

La Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya proyectará más de 40 producciones

 

Con el propósito de crear un «camino de intercambio» con Latinoamérica, comienza en Lleida este viernes 20 de abril la XXIV Mostra de Cinema Llatinoamericà de Catalunya,  donde se proyectarán 43 producciones de 12 países, que representan un 25 por ciento más que la anterior edición del certamen. Competirán diez largometrajes, diez cortometrajes y ocho documentales en el período de una semana, hasta el próximo día 27.

La Mostra está organizada por el Ayuntamiento y el Centro Latinoamericano de Lleida y este año contará con la presencia de países como Argentina, Chile, Brasil, Venezuela, Uruguay y México. Está previsto que entre el 21 y el 26 de abril, se proyectarán los largometrajes y los cortometrajes en el CaixaForum Lleida.

En el acto de presentación del certamen, que tuvo lugar este miércoles, el director de la Mostra, Juan Ferrer, enfatizó en la posibilidad de seguir descubriendo las obras de cineastas de América Latina y que, de la misma manera, los catalanes puedan mostrar sus trabajos en ese continente. Ferrer estuvo acompañado del alcalde de Lleida, Àngel Ros; la concejal de Cultura, Montserrat Parra, el director del Centre Experimental de la Cinematografia i les Arts Audiovisuals de Catalunya (Cecaac), Santi Lapeira, y el director del área de negocio de CaixaBank en Lleida, Ignasi Fanlo.

Eduardo Noriega
Eduardo Noriega
Gerardo Sánchez "Días de Cine"
Gerardo Sánchez «Días de Cine»

Durante la inauguración de la Mostra el actor Eduardo Noriega recogerá el Premio de Honor, en reconocimiento a su relevante trayectoria cinematográfica que ha trascendido las fronteras españolas. La actriz y directora Sílvia Munt, recibirá el 8º Premio Jordi Dauder que se concede a la Creatividad en el Cine Catalán; y el director del programa de La 2 Días de cine, Gerardo Sánchez, el Premio Ángel Fernández-Santos, que distingue su labor divulgativa sobre el cine.

Silvia Munt
Silvia Munt
Osvaldo Montes
Osvaldo Montes

La novedad este año llega con el Premio Talento Latino, que en palabras del director de la Mostra, Juan Ferrer, «reconoce a todos aquellos que forman parte de un extenso colectivo que hace posible la idea, el desarrollo y la culminación de una producción cinematográfica, un amplio mosaico de trabajadores cuya labor es básica para el cine». Tal galardón recaerá en el compositor argentino Osvaldo Montes.

Coincidiendo con la Mostra, se celebrará la 15ª Semana de la Comunicación de la Universitat de Lleida (UdL) “Miradas Documentales” organizada por la Facultad de Letras y el Grado de Comunicación y Periodismo audiovisuales, por lo que, las cintas proyectadas se convertirán en material de debate y análisis por parte de los expertos y académicos asistentes. Está previsto además el taller organizado por el director de DocsBarcelona, Joan González.

 

A continuación, una relación de los largometrajes de la Sección Oficial de esta edición:

  • Al desierto de Ulises Rosell (Argentina/Chile)
  • Amateur de Sebastián Perillo (Argentina)
  • Como nuestros padres de Laís Bodanzky (Brasil)
  • Maracaibo de Miguel Ángel Rocca (Argentina/Venezuela)
  • Niñas araña de Guillermo Helo (Chile)
  • O Filme da Minha Vida de Selton Mello (Brasil)
  • El Pampero de Matías Lucchesi (Argentina/Uruguay/Francia)
  • Sinfonía para Ana de Ernesto Ardito y Virna Molina (Argentina)
  • Vida de familia de Cristián Jiménez y Alicia Scherson (Chile)
  • El vigilante de Diego Ros (México)

Los cortometrajes de la Sección Oficial son los siguientes:

  • The Back of My Mind de Luciano Podcaminsky (Argentina/EEUU)
  • El corto del año de José Mariano Pulfer (Argentina)
  • Debris de Julio O. Ramos (Perú/EEUU)
  • Madre de Rodrigo Sorogoyen (España)
  • Matria de Álvaro Gago (España)
  • Pequeño manifiesto en contra del cine solemne de Roberto Porta (Argentina)
  • Pixied de Agostina Ravazzola i Gabriela Sorroza (Argentina)
  • Premonición de Leticia Akel Escárate (Chile)
  • Sob, o véu da vida oceânica de Quico Meirelles (Brasil)
  • Verde de Alonso Ruizpalacios (México)

Los documentales que podrán verse durante esos días són los siguientes:

  • Generación: Buñuel, Lorca, Dalí de Javier Espada y Albert Montón (España y México)
  • Un cine en concreto de Luz Ruciello (Argentina)
  • Luna Grande. Un tango por García Lorca de Juan José Ponce Guzmán (España)
  • Al otro lado del muro de Pau Ortiz (México y España)
  • El Espanto de Pablo Aparo y Martín Benchimo (Argentina)
  • El pacto de Adriana de Lissette Orozco (Chile)
  • El silencio de los fusiles de Natalia Orozco (Colombia y Francia)
  • Tempestad de Tatiana Huezo (México)

El jurado de la Sección Oficial de Largometrajes Documentales de la Mostra lo compondrán entre otros Antonieta Jarne, historiadora especializada en la historia social de la dictadura franquista; Sandro Machetti, profesor e investigador de la UdL de teoría e historia del cine y las artes audiovisuales; Jorge Nieto, profesor de narrativa audiovisual de la UdL e investigador; el escritor e historiador cinematográfico Albert Galera; el crítico y articulista de cine Ignasi Juliachs; y la periodista corresponsal de América Latina y Europa y presidenta de la Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana, Sully Fuentes.

 

webmaster: Ana Lucía Ortega

La cultura en la Marca País Uruguay

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La diseñadora española Agatha Ruiz De La Prada estuvo en Montevideo para presenciar el estreno del ballet La Bella Durmiente, para el cual diseñó el vestuario.

Agatha Ruiz De La Prada… se apasionó con la puesta en escena de La Bella Durmiente que el Ballet Nacional del Sodre (BNS) estrenó a fines de marzo en Montevideo. Se trató de una puesta en escena en la que el colorido, el desenfado y el componente lúdico del vestuario que lleva su firma, le dio un carácter totalmente innovador y un colorido como pocas veces se ha visto en un escenario local.

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La escenografía hermosa, diseñada por Hugo Millán, fue otro de los componentes que se sumó para hacer de La Bella Durmiente, el primer espectáculo dirigido por el sucesor de Julio Bocca, Ygor Yebra, un verdadero éxito de taquilla. La respuesta del público fue tal que en pocos días se vendieron 27.554 entradas, cifra que representa un récord para el BNS.

Lo que sucedió fue que el público se apasionó con el espectáculo tanto como la diseñadora española, quien confesó que suele enamorarse de las obras en las que participa –ha diseñado vestuarios y escenografías para ballets y óperas en Europa-, pero destacó que éste proyecto “muy bonito e importante”, la enamoró particularmente.

“Empezamos con esta historia hace dos años y medio cuando visité Montevideo y en un almuerzo que compartimos con Julio en el programa de Sergio Puglia, surgió la idea, así en directo, en la televisión. Probablemente Bocca se haya asustado después un poco y se habrá preguntado “¿en qué me he metido con Agatha?”, pero como es un hombre muy responsable siguió adelante”, recordó.

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Para Ruiz De La Prada “Bocca es un artista fabuloso pero muy clásico”, por eso cree que se produjo ese largo silencio de su parte tras recibir los primeros bocetos del vestuario. “Seguramente quedó un poco impresionado, pero el escenógrafo Hugo Millán le debe haber ayudado a limar esas asperezas iniciales, y creo que Bocca debe confiar mucho en él y en su capacidad de manejar este tipo de desafíos. Y la verdad es que lo han hecho muy bien. Ha quedado sensacional”, dijo la diseñadora en diálogo con el portal de Marca País.

La “Agathización” del BNS le aportó mucho a un clásico como La Bella Durmiente, y dado el resultado, el deseo de la española sería llevar el espectáculo a teatros como el Palacio Real de Madrid o La Opera de París o la Scala de Milán. “Sé que es difícil porque es un elenco muy grande. Ojalá pueda llegar aunque sea al Colón de Buenos Aires, que es cerca. Sería muy lindo”.

Entre los aspectos que más entusiasmó a la diseñadora y así lo destacó, está el trabajo realizado por el equipo de costureras del Auditorio del Sodre. “Han hecho su trabajo con muchísima ilusión. Creo que ellas han hecho su trabajo con un sentimiento y una entrega muy particular, lo han hecho con verdadera emoción y eso se nota. Nunca vi gente con tanto respeto por el trabajo”, subrayó.

Ruiz De La Prada admite que no conoce nada del diseño uruguayo pero reconoce que “en todo Latinoamérica está habiendo un movimiento muy importante en torno a la moda”, de ahí que no duda en dejar un mensaje para los jóvenes diseñadores: “Hay mucha ilusión y eso es importante porque hoy la moda se ha convertido en algo universal. Si tenemos en cuenta que desde un pueblecito de La Coruña surge Inditex, que hoy es la empresa de moda más importante de planeta, está claro que nunca se sabe lo que puede pasar. Antes España venía muy mal en este tema, y ahora mira lo que ha pasado. Por eso creo que Uruguay, así como ahora tiene un Ballet puntero en el mundo entero, igual puede tener grandes diseñadores de moda”.

Amante de la obra de Joaquín Torres García, Ruiz De La Prada recordó cuando visitó su museo en la Ciudad Vieja y al salir lo amó aún más. “Torres García es uno de los grandes artistas del siglo XX. Él es una demostración de cómo puede surgir el talento en cualquier sitio”, apuntó.

 

Fotos Ballet Nacional del SODRE.

Mujeres danzándole a la vida

Mujeres danzándole a la vida

La Fundación Telefónica exhibe en la cuarta planta de su sede de la calle Fuencarral número 3, la exposición “La bailarina del  futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker” hasta el día 24 de junio de 2018. Este formato pretende sumergir al visitante en las figuras revolucionarias de la danza moderna a través de la vida personal y profesional de siete pioneras bailarinas y coreógrafas de diferentes nacionalidades. Las estadounidenses Isadora Duncan, Loïe Fuller, Martha Graham y Doris Humphrey, la francesa Joséphine Baker, la alemana Mary Wigman y la española Tórtola Valencia son las elegidas para este proyecto. Siete mujeres que vieron la necesidad de reivindicar, a través de la liberación del cuerpo y del alma, el rígido canon del ballet romántico y que han contribuido a convertir la danza moderna en una nueva forma de arte.

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En ACPI hemos tenido el privilegio de contar el pasado 5 de marzo con el escritor y dramaturgo Don Francisco de la Torre y Díaz-Palacios, que dio una conferencia centrada en la vida de la bailarina Isadora Duncan y de cómo esta hizo de su pasión su vida. Desde la Asociación invitamos a todos nuestros lectores y socios a acercarse a la Fundación Telefónica a visitar esta exposición para poder seguir descubriendo el importante legado que han dejado, no solo Isadora, si no estas siete bailarinas, en la sociedad un siglo después.

Redacción: María Valbueno y Carmen Amado, Universidad Pontificia Comillas, Relaciones Internacionales

Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan

Con ocasión de la reciente celebración del Día Internacional de la Mujer ofrecí una conferencia titulada «Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan», pareciéndome oportuno ahora dedicar unas líneas sobre la personalidad de mujer tan extraordinaria que acaso no supe destacar lo suficiente, convencido de que la palabra oral no permite a veces ahondar en matices interesantes.

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Por ello, quiero centrarme ahora en el mérito de esta gran bailarina, con independencia de su vida amorosa y sus veleidades amorosas, porque me parece más interesante resaltar su condición femenina, que desde niña supe encauzar hasta niveles sobresalientes sin que tuviera la oportunidad de formarse en estudios superiores, ni siquiera en los básicos. De inteligencia despierta y atrevida, desde su más tierna infancia, a proyectos superiores supo alzarse hasta costas insospechadas. Ciertamente, su madre era profesora particular de piano y una tía aficionada a la poesía, pero ni una ni otra parecieron preocuparse por la preparación usual de una niña, que en este caso apuntaba cualidades destacadas.

Sí acudió en los primeros años a una escuela pública, pero se rebeló enseguida por considerar que allí no entendía nada y lo que vislumbraba no figuraba en los planes escolares. Ella tuvo muy claro, desde el principio, la belleza del mar y el esplendor de la Naturaleza y sintió muy pronto la fascinación por lo uno y lo otro, que su cuerpo le pedía movimiento y su intelecto le exigía imitación.

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Advirtió que las limitaciones hogareñas y el ámbito en que se movía eran topes que se alzaban ante sus sueños antes de alzarse en proyectos, y convencida de su capacidad para emular el esplendor la Diosa Tierra se propuso dedicar progresivamente su mejor tiempo a dar forma bailando a la contemplación de un amanecer como a la grandeza del océano. Y junto a este sentir le atrajo la manifestación de los sublime en su más amplía expresión: la atracción por las grandes obras de artífices inolvidables, el estudio de la filosofía alemana, la percepción de piezas poéticas magistrales, el seguimiento de notables textos místicos, etc.

Aspectos todos ellos que llenaron innumerables jornadas de su existencia, relativamente breve pues murió a los cincuenta años de edad. Así, aún careciendo de actuaciones escénicas llenaba su tiempo con visitas exhaustivas a los grandes museos (el Louvre o la National Gallery) o se deleitaba en noche sin sueño con la lectura minuciosa de la Divina Comedia o se conmovía hasta el éxtasis al contemplar los grandiosos restos de la arquitectura griega, recitando espontáneamente en su primera visita: ¡Henos aquí, después de tantos trabajos, en la sagrada patria de la Hélade! ¡Salud, olímpico Zeus! ¡Y Apolo! ¡Preparaos, oh Musas, a bailar de nuevo! ¡Nuestros cantos despertarán a Dionysos y a las bacantes dormidas…!

Asimismo, no puede extrañarnos su deleite ante la contemplación de «La Primavera» de Botticelli, confesando: «Bailaré este cuadro y transmitiré a los demás el mensaje de amor, de primavera, de creación de vida que yo he recibido con tanta emoción. A través de la danza transmitiré mi éxtasis». Y sensacional fue su danza, acompañada de un joven compositor, de unos «Nocturnos» de Chopin y los «Sonidos sin palabras» de Mendelssohn en el Threatre Sara Berndardt de París, presentándose «envuelta en unas telas flotantes y con los pies desnudos».

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¡Qué huella nos dejó esta mujer! Supo soñar despierta con grandes sueños; adquirió, sin los medios habituales, un formidable bagaje cultural; rompió la tradicional disciplina de los grandes ballets con originales y bellísimos planteamientos, demostró a las mujeres que no existe frustración en su sexo si ponen de relieve talento y dedicación, generando en definitiva admiración y recuerdo.

Francisco Torres y Díaz Palacios

Tres noches sin estrellas

 

Por Jorge de Arco

 

Desde una convicción de final de trayecto y pensado como su último libro, se edita “La negación de la luz” (Acantilado. Barcelona, 2017) de Juan Antonio Masoliver Ródenas. El volumen incluye dos poemarios: el ya citado, que da título al conjunto y “El cementerio de los dioses”.

En esta doble entrega, el autor barcelonés (1939) despliega un verso de honda sabiduría donde trata de manera valiente la realidad de la vida y de la muerte. Con un lenguaje meridiano en su intención, ajeno a paradojas, va sintetizando las coordenadas del espacio y el de tiempo ya vividas, a la vez que va saciando la verdad de tantos instantes como la vida le fue brindando:

 

Tres noches sin estrellas
es demasiada oscuridad
para los que vivimos días
de luz y de almas. Es
como un tañido perdido
en el silencio, como un desierto

de agua habitado

por la memoria de lo nunca vivido

ni conocido ni amado. Saciedad

de la nada, palacios ajenos
a la luz y al deseo

de tu presencia, que es hoy

búsqueda y anhelo y dolor

en un cielo para siempre

vacío de estrellas.

 

Masoliver Ródenas busca a través de su yo poético un cobijo para el vacío, una lumbre frente a la oscuridad, un recuerdo queTres noches... Portada niegue la ausencia…, y, todo ello, lo tatúa en el horizonte de un corazón desnudo, inacabado, con el que quisiera aplacar el dolor de lo perdido. La autenticidad de su palabra radica en la manera en la que indaga en la raíz de su ser. Hombre y lenguaje forman una alianza de días y de memoria que late en el umbral más puro del deseo. Su existencia es posesión, luz perdurable, nostálgico enigma, ayer:

 

El niño que vive todavía en mí

está destrozado, sin saber
ni siquiera por qué vive,
por qué llegan las noches

con ruidos que han de herirnos

para siempre.
No hay reposo
en la magra vida del anciano

en la amenaza de sus días

funestos.

Y al abrir la cancela
el niño es una lápida sin nombre,

pues carecen de nombre
las cosas que han dejado de existir.

 

En “El cementerio de los dioses”, el autor catalán se reconoce en la guarida que signa el amor y quiere comprender los rostros que nacen detrás del rumor del verbo, entre los sueños del asombro, bajo la nieve inocente. La soledad se aparece como un tigre acechante y habita como música en el aire muy cerca de la edad de su espíritu:

 

Vivo la tristeza de no saber  tocar la cítara

a mis setenta y cinco años. De no saber

besar con los ojos abiertos, ni tejer,

ni entender lo que pienso, cada vez

mi cerebro más lleno de barro

y de tentaciones que no puedo

cumplir.

 

Mediante una alquimia de homogéneas cavilaciones, de vívidas creencias, de empíricos sentimientos, Masoliver Ródenas escribe el trayecto de su destino, el íntimo mapa de su mañana. Tan íntimo devenir recorre la realidad de quien anhela reconocerse y anudar su conciencia a la estatura de su vívido acontecer.

En suma, un volumen que brilla entre las sombras de expresividad versal, que abraza la voz de un poeta mayor y solidario:

Voy al cementerio de los dioses

Donde me espera todo el pasado,

el mal vivido y el mal escrito.

Vinos, coñac y champán de Bonaparte

Vinos, coñac y champán de Bonaparte 

Redacción: Luis Gulín Iglesias

Antón Alonso, socio de ACPI y editor de Vinos y Caminos

 

De Napoleón Bonaparte se conoce mucho de su vida privada, dado que desde los 20 años llevaba, con cierta disciplina, un diario donde reflejaba sus ideas y ocurrencias. De esas transcripciones los biógrafos deducen que Bonaparte tenía tres vinos favoritos. El dato más frecuente hace referencia a un tinto, un Pinot Noir de la Denominación de Origen Gevrey-Chambertin en la Côte de Nuits, en plena Borgoña.

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El segundo de que se tiene constancia es un blanco, Poully-Fumé, en la orilla derecha del Loira, mientras que el tercero es un tinto italiano de la región de Liguria, fronteriza con Francia, un Rossese di Dolceacquua. Napoleón Bonaparte, durante una parada en el Castillo feudal, la antigua residencia de la familia Doria, tuvo la oportunidad de probarlo por primera vez, convirtiéndose en uno de sus mayores admiradores desde entonces.  

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Su primera mujer Josefina tenía debilidad por un vino: el Coulée-de-Serrant de Savennières en el Loira. El viñedo fue plantado en 1130 por monjes cistercienses. El antiguo monasterio aún existe y unos cientos de metros se construyó el castillo de Roche aux Moines desmantelado durante las guerras de religión. Siempre considerado como un producto único y raro, el Coulée de Serrant fue celebrado por Luis XI y Luis XIV como uno de los mejores vinos blancos franceses.

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La relación de Napoleón con Coñac data del año 1811 cuando el emperador visitó al comerciante Emmanuel Courvoisier en su tienda de licores de Paris. De esta surgió luego en el año 1835 la famosa casa de Coñac con su seña de identidad que era el perfil de Napoleón en la botella.

La leyenda cuenta que Napoleón más tarde tomó varios barriles de coñac con él a Santa Helena, un regalo muy apreciado para los oficiales ingleses en el barco quienes lo nombraron “el coñac de Napoleón”. Incluso se dice que ordenó que sus tropas, sobre todo a su querida artillería, que se les permitiese una ración de coñac todas las mañanas.

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Napoleón III, sobrino y heredero de Napoleón Bonaparte, también solicitó personalmente coñac a Courvoisier, concediéndole el codiciado título de «Fournisseur de la Cour Impériale», o proveedor oficial de la Corte Imperial.

También el champán francés tenía su particular relación con Bonaparte. Sobre todo por la estrecha amistad que tenía el emperador con Jean-Rémy Moët (1758-1841), el nieto del fundador de la casa Moët et Chandon. Jean-Rémy Moët conoció a Napoleón Bonaparte en 1782 en la academia militar de Brienne-le-Château cuando Moët solicitaba órdenes para su empresa familiar de champán. Los dos se mantuvieron en contacto y desarrollaron una amistad que duraría sus dos vidas. Durante sus campañas militares, Napoleón siempre tenía como objetivo visitar la finca de Moët en Épernay para recoger cajas de champan. La única excepción fue cuando Napoleón tuvo que apresurarse para enfrentarse a Wellington en la Batalla de Waterloo.

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La amistad y el mecenazgo de Napoleón beneficiaron en gran medida a la casa Moët y, como tributo, Moët construyó una réplica del Gran Trianón del Palacio de Versailles en su propiedad, completa con una obra original de Jean-Baptiste Isabey, para que Napoleón y la emperatriz Josefina permanezcan allí cuando visitasen las propiedades. El 14 de marzo de 1814, pocas semanas antes de la caída de París durante la Guerra de la Sexta Coalición, Napoleón se quedó en la propiedad de su amigo y le otorgó la Cruz de Honor por su distinguido servicio a Francia para aumentar su reputación mundial de vino.

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Después de la abdicación de Napoleón, la región de Champagne fue ocupada por soldados rusos de la Sexta Coalición. En represalia por la conquista anterior de Napoleón, los Champenois fueron sometidos a grandes multas y se les ordenó pagar las requisas. La mayoría de las bodegas de Champagne fueron saqueadas. El ataque de Moët fue particularmente duro, con más de 600.000 botellas vaciadas por el campamento ruso.

Bonaparte escribió una vez en sus diarios que “el champán después de una victoria lo mereces, pero ante una derrota lo necesitas”. Se especula que incluso fue él quien inventó el degüello de las cabeceras de las botellas con el sable y que acostumbraba cuidar esa tradición con sus oficiales después de algunas batallas victoriosas.

La plenitud, en Isadora Duncan

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Juan José Echevarría

La vida de Isadora Duncan centró la conferencia del escritor Francisco de la Torre, en la que analizó la vida de una artista que hizo de lo desmedido su seña de identidad, adecuada a los tiempos que le tocó vivir, una época finisecular marcada por un Romanticismo que liberó al yo subjetivo y lo hizo creador. Una bailarina y coreógrafa que asombró al mundo en busca del conocimiento y del arte completo, donde la música se ensamblaba a las demás artes, en una sincronía armónica que presagió las vanguardias.

Desmedida en el arte y en el amor, donde, al modo de una tragedia clásica sufrió el ahogamiento de sus hijos y  el desdén de amantes que nunca comprendieron la pasión ilimitada de una mujer que hizo del arte su vida. El poeta y dramaturgo Francisco de la Torre nos la glosó en un evento, tras el cual los socios de la Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana participaron en un vivo debate que rememoró a un ser humano que quiso alcanzar la plenitud.

Imagen 1Reseña del conferencista: Francisco de la Torre y Díaz-Palacios es un poeta, narrador, dramaturgo, licenciado en Derecho en la Universidad Complutense de Madrid y Colegiado en 1965 en el I.C deAbogados de Madrid. Ha publicado diversos libros de relatos y poemas, como Con otro final o Francisquerías, ha estrenado dos  comedias dramáticas y es autor de varias comedias breves. 
Ha colaborado como columnista en varios periódicos y revistas como Espiral de las Artes, Luces y sombras o el La Voz del Tajo composiciones musicadas, por Francisco Barba Giménez. Es un lector infatigable, un hombre abierto a problemas actuales y asistente a numerosos encuentros y tertulias.

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Atraer a los jóvenes a la Zarzuela: El proyecto Zarza y El dúo de la Africana

 

Por Norma Sturniolo

 

¿Cómo hacer para que el público juvenil se acerque a la Zarzuela?

¿Cómo darla a conocer? ¿Qué cambios son necesarios para captar la atención de los jóvenes?

Estas preguntas están encontrando acertadas respuestas en el Proyecto Zarza que se inició el año pasado y que ofrece zarzuela interpretada por jóvenes, para jóvenes, aunque como se ha visto por el entusiasmo despertado también en los adultos, podríamos decir que tiene edad de partida, pero no de llegada. Eso sí, el objetivo prioritario es seducir a los jóvenes que, en su mayoría desconocen y desconfían del atractivo de este género que es patrimonio cultural español.

Daniel Blanco, el director del Teatro de la Zarzuela está totalmente comprometido con este proyecto. Desde el primer momento

Daniel Blanco director del teatro y Susana Gómez, directora de escena
Daniel Blanco director del teatro y Susana Gómez, directora de escena

dejó claro que tenía una vocación de contemporaneidad y que quería seducir a todo tipo de público. Cuando fue elegido como director del Teatro de la Zarzuela hizo una afirmación que creo apropiado recordar: «Prefiero la curiosidad del descubrimiento a la dinámica del recuerdo».

Podemos asegurar que esta versión de El Dúo de la africana, la obra elegida en esta ocasión, ha sido un descubrimiento sorprendente para quienes hemos asistido a su representación.

Hay que destacar el acierto en la elección del título. La obra del compositor Manuel Fernández Caballero y del libretista Miguel Echegaray, estrenada en el Teatro de Apolo en 1893 con un éxito rotundo, tiene todos los ingredientes para hacer disfrutar al público, tanto por su música como por el chispeante humor que destila el texto y su interesante uso del teatro dentro del teatro. Con todo, para conseguir el objetivo de atraer a un público joven del siglo XXI hay que realizar algunas intervenciones que transformen el lenguaje del siglo XIX en un lenguaje de hoy.

 

Y eso lo consigue la versión libre de Susana Gómez, quien también es la directora de escena. Además, las modificaciones y cortes realizados en el texto no alteran el significado y sentido de la obra original sino que la vuelven más accesible para los jóvenes de hoy. Los colores vivos y el estilo desenfadado de los trajes diseñados por Gabriela Salaverri subrayan el carácter alegre y actual de esta versión. Y cuando en el texto original se nos muestra los entresijos del trabajo teatral con las audiciones para seleccionar cantantes, se introduce una estética actual que se asemeja a los concursos televisivos.

 Y por supuesto, la energía que transmiten los jóvenes intérpretes nos devuelve un espectáculo actual, lleno de vitalidad.

Otro acierto ha sido emplear un pequeño grupo de cámara bajo la dirección musical de Miguel Huertas y asimismo, dar un gran protagonismo al coro que, por otra parte, también lo tenía en la versión original.

Hay que destacar el compromiso de los jóvenes intérpretes que ponen su entusiasmo y su buen hacer.

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En cuanto a Alberto Fría y Talía del Val salen totalmente airosos del famosísimo dúo.

El público disfrutó mucho, fue participativo y salió con una sonrisa en los labios.

Hay que dar la enhorabuena a esta inteligente iniciativa que establece un puente enriquecedor entre el hoy y el ayer. Más de un Muy bonitaespectador desconocedor del género querrá ir a la fuente original y saber más de esos creadores que enriquecieron nuestro patrimonio musical.

 

Dibujo y arte contemporáneo

Madrid, 26 de febrero.-  La tercera edición de Drawing Room Madrid, feria de dibujo contemporáneo – celebrada del 21 al 25 de febrero – clausuró el domingo pasado su tercera edición tras recibir los elogios de público, coleccionistas y crítica. «Gracias a su crecimiento y a su nueva ubicación, donde conviven la arquitectura clásica con la creación contemporánea, Drawing Room se ha convertido en un lugar de encuentro obligado para todo amante de la práctica dibujística», señala Mónica Álvarez Careaga, directora de la feria.

Desde el pasado miércoles y hasta el domingo más de 11.000 personas visitaron el salón de baile del Círculo de Bellas Artes. Coleccionistas, artistas, galeristas, comisarios, directores de centros de arte y profesionales del arte han acudido durante estos cinco días a la feria para constatar su crecimiento y confirmar su reafirmación como un lugar de referencia en el mundo del dibujo y del arte contemporáneo.

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Alto nivel de satisfacción entre galeristas y artistas
El alto nivel expositivo de las 30 galerías seleccionadas para participar en esta tercera edición de Drawing Room, así como el nivel de ventas que obtuvieron las mismas, han sido los dos elementos sobre los que se articula la satisfacción vivida al cierre de la feria. «Quiero repetir en la próxima edición, ciertamente estar en Drawing Room es un indicativo de que tienes un nivel muy bueno porque hay mucha calidad aquí» señala el galerista lisboeta Carlos Carvalho.

La diferenciación del proyecto, frente a la gran oferta cultural que trae a Madrid la semana del arte, ha sido otro de los puntos fuertes para Ramón García, de la galería madrileña My Name´s Lolita Art: «La feria ha tenido un nivel muy alto. El público asistente ha sido también muy apropiado para este tipo de encuentros, es una feria muy escogida, mucho más definida». Por su parte desde la galería mallorquina Fran Reushan señalado que «el público valora que esta sea una feria especializada, porque tiene entidad propia. En este espacio la obra luce muy bien y la buena selección de galerías acompaña».

Por el lado de los artistas Ángeles Agrela, uno de los grandes nombres de esta tercera edición, ha resaltado «la riqueza de propuestas, calidad y maravillosa ubicación».

Premios para los mejores proyectos

 

Proyecto de Miquel Mont en la Galería Trinta | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room
Proyecto de Miquel Mont en la Galería Trinta | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room

Un año más DRAWING ROOM Madrid ha sido también un lugar de reconocimiento al trabajo creativo de los artistas y a la labor esencial de los coleccionistas, materializado en la entrega de diversos premios.El premio colección Kells fue otorgado a Philip Patkowitsch representado por el espacio austriaco Bechter Katowsky Galerie. El comité curatorial de la feria concedió el premio IMEM a Berta Cáccamo, de galería Trinta de Santiago de Compostela. Sin duda una de las grandes premiadas fue la Galería Art Nueve (Murcia) ya que obra de dos de sus artistas, Pablo Capitán del Río y Sergio Porlán, pasó a formar parte de las colecciones Campocerrado y DKV Arteria, respectivamente.Además de estas adquisiciones obra de Nieves Torralba (a cargo de la galería Shiras, de Valencia) fue adquirida por la colección Navacerrada y la galería parisina Jean-Louis Ramand ganó el Premio SetUp Contemporary Connection, otorgado por la feria de arte italiana SetUp Fair, que les garantiza su participación en la próxima edición de esta feria.II Encuentro Internacional Coleccionar dibujo contemporáneo en museos y centros de arte

Durante el pasado jueves día 22 Drawing Room celebró el II Encuentro Internacional Coleccionar Dibujo Contemporáneo en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración. En esta ocasión se sumó a la iniciativa el apoyo de AC/E (Acción Cultural Española).En el encuentro participaron Katharine Stout, directora adjunta de ICA, Londres; Brett Littman, director de The Drawing Center, Nueva York y Tobías Burg, conservador de dibujo y grabado del Museum Folkwang, Essen, Alemania. Todos ellos abordaron cómo el dibujo contemporáneo ocupa un lugar valioso en sus museos y centros de arte, especializados en esta práctica artística.Por tercer año consecutivo la variedad y calidad de las propuestas seleccionadas para Drawing Room demuestran una vez más la riqueza de la práctica dibujística y auguran una fantástica cuarta edición.Texto Enrique LLamas.

 

Foto de portada:

Proyectos de Ángeles Agrela y Javier Calleja en la galería Yusto//Giner | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room

Los beneficios de la diversidad cultural

 

Por Juan José Echevarría – Opinión

La proyección cultural  emigrante en su tierra de acogida y en concreto de la dominicanidad es el objeto de análisis del libro presentado esta semana en la Casa de América, obra de la periodista Doris Araujo, a la que tuve entre mis alumnos cuando llegó a España hace una década. 
La gestión cultural y la proyección de la dominicanidad en el exterior es el título de este documentado ensayo, del que recomiendo su lectura, a través del cual se puede uno hacer una cabal comprensión de los enormes efectos positivos del hecho migratorio, generador de riqueza cultural, tanto para el propio colectivo como para todos aquellos que los rodean, viéndose  beneficiados de su influjo. Las sociedades actuales, definidas por una globalización que puede aportar enormes réditos en el ámbito cultural, son, y lo serán aún más en el futuro, reflejo de unas identidades múltiples que generan diversidad enriquecedora.

 

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                               Juan José Echevarría, Olivo Gutiérrez Huertas, Doris Araujo y Daniel Tejada.
Tal prosperidad debe, eso sí, asentarse sobre bases sólidas, garantizando la sostenibilidad de los proyectos culturales propuestos, análisis que centró la intervención del embajador dominicano en Madrid, Olivo Rodríguez Huertas, incansable dinamizador de la presencia de República Dominicana en España. Preocupación que también vertebra el libro de Doris, publicado por Acudebi, cuyo presidente, Daniel Tejada, moderó el acto de presentación de un ensayo que es ya una referencia sobre la proyección cultural dominicana en el exterior. 

 

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Daniel Tejada, de ACUDEBI, y Juan José Echevarría, Sully Fuentes y Ana Lucía Ortega, de ACPI, junto a la autora Doris Araujo.