EGIPTO abre sus puertas al turismo

Redacción Enrique Sancho. Vicepresidente 1o. de ACPI

Hamdi Mahmoud Zaki, ex Consejero de Turismo Egipcio en Madrid ofreció una rueda de prensa en el templo egipcio de Madrid para aclarar muchos de los desarrollos presenciados por el turismo egipcio y las decisiones tomadas por el Estado egipcio para apoyar a la industria turística y proporcionar más facilidades e instalaciones a los turistas, destacar la reciente decisión de permitir la entrada en Egipto sin pruebas de PCR y solo proporcionar un certificado de vacunación  de las vacunas aprobadas por la Organización Mundial de la Salud.

A esta conferencia de prensa, a la que asistieron unos 30 periodistas y medios de comunicación, cada uno representando a uno o más medios, para presentar lo nuevo en el turismo egipcio, así como promover el turismo cultural e histórico, que presenta mucho interés entre los turistas españoles, e hizo hincapié sobre los últimos descubrimientos arqueológicos en Egipto y la apertura de grandes proyectos tanto museos como infraestructuras: aeropuertos, puertos, nuevas carreteras, hoteles, nuevas ciudades y nuevas universidades.

Hamdi hizo una interesante exposición de ilustres ideas y grandes noticias y novedades para promover el turismo cultural, especialmente en Luxor y Asuán, y en apoyo de los operadores turísticos que tuvieron el valor de contratar dos aviones a la semana de Madrid a Luxor directamente a pesar de la crisis sanitaria mundial y desafiando el miedo a las pérdidas materiales donde los esfuerzos del amigo Mohamed El Hassanein y sus colegas lograron coordinarse con las empresas que se ocupan del mercado español y que arriesgaron económicamente hablando, a tomar la decisión de participar cada uno con 40 plazas aéreas

Explicó que la conferencia fue testigo de la referencia a la apertura de nuevos museos por parte de Egipto, entre ellos el Museo Naguib Mahfouz, el Museo Gamal Abdel Nasser y Umm Kulthoum, y la reapertura del Museo Sohag en el Alto Egipto y mencionó la importancia del gran desfile del traslado de las 22 momias doradas el pasado 3 de abril que fue del museo antiguo al nuevo Museo de la Civilización.

Hamdi Zaki confirmó que tras una serie de investigaciones recientes que sorprendieron al mundo, que la daga de Tutankamón de hierro y mango de oro, se demostró que el hierro de esta daga y sus componentes de níquel es mayor que la proporción de níquel y cobalto de hierro de nuestra Tierra, así como la investigación realizada en el pectoral del rey Tutankamón que los componentes de vidrio amarillo inclinado a verde también regresan al espacio exterior y no tiene similar en el planeta Tierra y revisó los modelos que demuestran que Egipto es cuna de civilizaciones y el descubrimiento de una momia, cuyos ojos fueron operados de cataratas y otra momia con el primer puente dental de la historia. Y otra que tenía un dedo implantado en el pie de una manera que le permite mover el dedo del pie con flexibilidad y con una tecnología que nada tiene que envidiar a la medicina actual. También destacó la ruta de la Sagrada Familia como muestra interesante de turismo religioso.

Al final como al principio del encuentro relucieron las palabras de Enrique Sancho que habló de la seguridad del destino egipcio tanto sanitaria como la estabilidad que reina en la tierra de los faraones

ACUDEBI pone en circulación en Madrid la antología Archipiélago Inverosímil, de la editorial Isla Negra de Puerto Rico.

La Asociación Cultural y de Cooperación al Desarrollo Biblioteca República Dominicana -ACUDEBI- presentó el libro Archipiélago Inverosímil, una antología de poetas dominicanos en Europa, autoría de la Editorial Isla Negra de Puerto Rico, y la coedición de ACUDEBI. El acto tuvo lugar el viernes 25, en el Centro de Participación e Integración de Tetuán, Madrid.


Libro Archipiélago Inverosímil, una antología de poetas dominicanos en Europa

El libro fue presentado por la escritora Ivonne Sánchez Barea y comentado por el editor de Isla Negra, Carlos Roberto Gómez. También participó como moderadora, la periodista Doris Araujo, presidenta de ACUDEBI, Daniel Tejada, Asesor de ACUDEBI y director de la Revista Bitácora Cultural 17º 36′, quien presentó la nueva edición de la revista. Fausto Leonardo Henríquez, copilador, junto a Mayobanex Perez y Daniel Tejada. Fausto Leonardo, hizo una interesante reseña de la antología sobre la calidad de cada uno de poemas, además exaltó la participación de todos los seleccionados y sobre todo evocó rendir honor a la escritora ida a destiempo por causa de una enfermedad terminal Altagracia Pérez Pytel.

La escritora Ivonne Sánchez Barea felicitó al señor Carlos Roberto Baras de Isla Negra Editorial, quien ha recopilado a estos autores y publicado esta antología. “El ha venido desde otra isla del Caribe, a la que también conozco, Puerto Rico nación hermosa y puente entre el Caribe y el continente”.

Sánchez Barea, “las conexiones como una sinapsis se van entramando para que estas voces se diluyen en los lectores, y se hagan suyas también”. “Quienes hemos transitado mares y tierras sabemos que siempre afloran en la creación esos sensoriales sentidos que transmitimos, esos ritmos con los que crecimos, palabras con las que se crean y en las que creemos, con estos autores para igualmente, dejan de ser rumores para convertirse en cantos, en voces, que siempre regresan al origen.

La  escritora española Monica Manriquez, Doris Araujo , Presidenta de ACUDEBI, Ivonne Sanchez Barea, Escritora,  Carlos Roberto Gómez Bera, Editor de Isla Negra. 

Esta antología es prologada por un importante crítico de la Universidad de Río Piedra y “reúne diecisiete poetas dominicanos contemporáneos (nacen entre 1953-1991) que encontraron aposento más allá de su tierra y su mar de origen para, a través de sus versos y su oficio, devenir en islas dentro de la rica y diversa comunidad europea.

El editor de Isla Negra Carlos Roberto Baras, resaltó la selección y el gran trabajo de los poetas, puntualizando “Cada voz y cada trazo en el papel apunta a un estilo personal, pero también a una mirada teñida por esa misma luz caribeña que se hace más poéticamente imposible en la República Dominicana: la isla dividida, la media isla que a ambos lados late, desfallece y resucita. Poetas que con sus textos dibujan un mapa de despedidas y encuentros, de viajes y naufragios. “Los invitamos a emprender este viaje inverosímil, así como el que navega de Quisqueya a Ítaca”.

Carlos Roberto Baras, catedrático, editor y poeta expresó “mi filosofía de editor viene de una mezcla de editores que ha usado como modelo, editores puertorriqueños y un editor y poeta español, Carlos Barral. “Ha sido una larga trayectoria de proyección y difusión de la literatura y artículos universitarios los cual nos ha situado en el lugar donde estamos», puntualizó. La Editorial Isla Negra en el 2022 cumplirá   30 años editando libros y que ya su producción sobrepasa los 700 títulos.

“Archipiélago Inverosímil, está dedicada a la escritora Altagracia Pérez Pytel, quien falleció el mes antes de la edición del libro. La ocasión fue propicia para rendir honores póstumos durante el evento con un minuto de silencio y lectura de uno de sus poemas a cargo de la catedrática y escritora Mónica Manríquez.

El acto tuvo lugar el viernes 25 en el Centro de Participación e Integración de Tetuán, Madrid.

Durante el acto varios poetas cuyas poesías forman parte de la antología firmaron el libro a todos aquellos que lo adquirieron en el momento. De los escritores estuvieron presentes, Daniel Tejada, Fausto Leonardo Henríquez, Mayobanex Pérez, y Roberto García.  En la antología están incluidos además,   poemas de Simeón Arredondo, Ana María Cespedes, Marielys Duluc, Alejandro Gonzalez Luna, Farah Hallal, Nelson Ricard, Bernardo Silfa Bor, Rosa Silverio, José Siris, Karlina Veras Read. 

El acto contó con algunos miembros de la directiva de ACUDEBI, Sachenka Santos, secretaria, Rosario Peralta, Vocal, Antonio Ortiz Vocal y presidente de Arte Total, Mayobanex Pérez encargado de Bibliotecas, Nacol Antigua Miembro. También estuvieron presentes, escritores, gestores culturales, y personalidades de la prensa.

El libro seguirá a la venta a través de la página www.editorialislanegra.com

Liliana Ancalao, Viento y Semilla

 

Por Jorge de Arco

 

Hace siglos que la literatura viene siendo testigo válido y fiable de su tiempo, indisoluble forma de resistencia frente a los desvaríos políticos, económicos y sociales de la historia. Escritores y artistas han sido –y son– la voz del pueblo y han vertebrado a través de la palabra el sentir de su época: dichas, desdichas, placeres, sufrimientos, venturas, desamparos…

La poesía se mantiene –hoy día– como eficaz herramienta para denunciar la injusticia, el abuso, y la inmoralidad. Y, precisamente, desde estas premisas, ve la luz “Resuello” (Marisma, 2018) de Liliana Ancalao. La autora argentina (1961) reúne en esta entrega su poemario “Mujeres a la intemperie” y varios ensayos aunados bajo el título “Andás bien”.

 

    Su condición de mujer, poeta y mapuche –al margen de su actividad docente y de investigación–, la ha convertido en una convencida activista en pro de la recuperación y conservación de la cultura mapuche. Desde la marginalidad de una tradición que ha visto violentada tantas veces su identidad, Liliana Ancalao se posiciona rotunda:

 

     «La función de nuestra poesía como actividad actual del pueblo originario mapuche es aportar a la tarea colectiva devolver la transparencia al territorio. Un territorio de tiempos y espacios reconstruidos desde la memoria y la militancia.

Vivimos en un territorio del cual se ha escrito mucho, un territorio sobre los que los vencedores militares y financistas de la guerra del desierto de la pacificación de la Araucania han mentido durante ciento veinte años.

Vivimos en un territorio saqueado en el que sobrevuela la rapiña con garras sacrílegas, despiertas». 

 

El espíritu solidario de las letras se ha mantenido siempre vigente a la hora de batallar contra lo adverso. Su intrínseca estética sugeridora ha ejercido sobre la historia el infinito poder de la memoria y ha servido como denuncia mediante la multiplicidad de su semántica. No en vano, cuando años atrás la UNESCO fundó en Verona la Academia Mundial de la Poesía, expresó su convencimiento de que su principal fin era la de “recolocar la poesía en el centro del mundo”. Y, también Liliana Ancalao, quiere con sus versos favorecer el diálogo entre culturas y fomentar el respeto y la tolerancia:

 

Yo a las palabras las pienso

y las rescato del moho que me enturbia05_Resuello_ok.indd

cada vez puedo salvar menos

y las protejo

son la leña prendida de Atahualpa

que quisiera entregar a esas mujeres

las derramadas las que atajan sus pájaros.

 

La percepción de mantener hacia la Tierra Madre una ética ecológica es otro de los grandes temas que ocupan y preocupan a la autora argentina. No se trata sólo de respetar los dones que nos concede la Naturaleza, sino de girar nuestra conciencia hacia una integración total con el entorno. De ella, nos nutrimos, y a ella debemos otorgar nuestro profundo agradecimiento:
 

Este es un olmo

y señala mi hermano

un tallo y unas hojas

alzándose del suelo

desafiantes

pienso que el viento nos trajo su semilla…

 

 

En suma, “Resuello” es una bella compilación donde la palabra eleva la universalidad de su voz y sirve de nexo vehicular para confrontar el dolor de una comunidad que ha vivido el miedo y el desconsuelo. Y donde el poder balsámico del verbo demuestra ser capaz de trasformar la intrahistoria y colectivizar las preguntas y respuestas del mañana.

Humor, brillantez y una música estupenda en ¡24 horas mintiendo!

 

Por  Norma Sturniolo

 

La comedia musical ¡24 horas mintiendo! (estrenada en 1947), del compositor Francisco Alonso, con libreto de Francisco Ramos de Castro y Joaquín Gasa en versión libre de Alfredo Sanzol (Premio de Literatura Dramática 2017) se representa en el Teatro de la Zarzuela desde el 29 de junio hasta el 14 de julio. La dirección escénica es de Jesús Castejón que también actúa en la obra y la dirección musical, de Carlos Aragón, la escenografía de Carmen Castañón, el vestuario de Ana Garay, la iluminación de Eduardo Bravo y la coreografía de Nuria Castejón.

1 _ 24 horas

El elenco está integrado por el propio Jesús Castejón, Gurutze Beitia, Estíbaliz Martyn, Nuria Pérez, José Luis López, Enrique Viana, Raffaela Chacón, Ángel Ruiz,  Cecilia Solaguren, José Luis Martínez, María José Suárez, Mario Martín y Luis Maesso.6.-24 horas

Maravillosa recuperación de una obra que demuestra el gran talento musical del compositor Francisco Alonso (Granada, 9 de mayo de 1887-Madrid, 18 de mayo de 1948), con un libreto chispeante lleno de humor y en el que no falta la sátira social. Sátira que está actualizada en la versión de Alfredo Sanzol, donde, como no podía ser de otra forma, uno de sus dardos apunta a la corrupción política.

Quien nunca haya escuchado esta obra quedará admirado al comprobar la maestría del compositor que realiza verdaderas creaciones de diversas tradiciones musicales. En esta magnífica hibridez se mezcla la tradición europea y la latina, el gusto por lo castizo y la moda del musical americano. Encontramos one-step, slow fox, chotis, fado, marchiña, samba, ranchera, canción mallorquina, vals, swing, guajiras y pasodobles.7.-24 horas

Afortunadamente, tanto la dirección escénica de Jesús Castejón, la escenografía de Carmen Castañón y la coreografía de Nuria Castejón sirven muy bien al texto. Las actualizaciones de ciertos aspectos de la trama (una boite, una compañía teatral) quedan expuestas con claridad y permiten un fácil y ágil movimiento en el escenario. También hay que destacar lo acertado del vestuario de Ana Garay, muy colorido, brillante y en el que no falta el homenaje a los sombreros con frutas y el adorno de plumas propios de la revista.

La música es una delicia muy bien ejecutada por la Orquesta de la Comunidad de Madrid a las órdenes del talentoso Carlos Aragón.

Todo el elenco canta, se mueve, baila con auténtica entrega. El espectáculo en su totalidad es muy disfrutable y resulta difícil destacar un número. Por citar algunos de los momentos de desternillante humor, podemos poner como ejemplo el número del célebre chotis Arrímate-maté-maté interpretado magníficamente, con una gracia inmejorable, por Jesús Castejón y Gurutze Beitia. Ambos representan en la ficción al matrimonio de Casta y Casto, económicamente arruinados y obsesionados con las apariencias, con ínfulas aristocráticas. En esta actualización de Sanzol son actores arruinados de una compañía teatral y que mienten todo el tiempo. Fingen que se van de gira porque son requeridos en el extranjero y en realidad se esconden en su casa. Cuando reciben, inesperadamente, la visita de Fernando y Laura, un matrimonio argentino “polimillonarios” (otros mentirosos sin blanca, en esta actualización corruptos políticos), que son los padres del novio de una de sus hijas, vuelven a mentir. En este caso, ante los recién llegados, fingen que son los criados de Casta y Casto.

Otro momento memorable por su humor y picardía es el Dueto cómico de la ranchera, en el que Fernando, interpretado magistralmente por Ángel Ruiz ellos, intenta seducir a quien cree que es la criada Casta.

Y también un momento asombroso es el del número Bananas del Perú, interpretado y cantado por el siempre inteligente y chispeante Enrique Viana metamorfoseado en una bella vedette.

Pero, repito, todo el espectáculo es estupendo y todo el elenco da lo mejor de sí.6.-24 horas

El día del estreno de esta brillante representación, cuando llegó el desfile y marcha final, el público aplaudió, gritó bravos y recibió con una sonrisa en los labios el recordatorio de la canción de la felicidad que dice:

La dulce realidad entona su canción entona su canción,

Porque el amor nos da el valor

De la verdad que vive en el corazón.

Gozar, amar, reír es la sublimidad.

Mi pasión es la canción de la felicidad.

4.-24 horas

Fotos cortesía Teatro3.-24 horas

5.- 24 horas

¿Por qué hay que ver la exposición Monet/ Boudin en el Museo Tyssen Bonermisza?

 

Norma Sturniolo

 

Este texto intenta dar una respuesta a la pregunta que encabeza el título del mismo.

Antes de nada, hay que recordar que el Museo Tyssen -Bornemisza, desde 26 de junio hasta el 30 de setiembre, ofrece la posibilidad de contemplar de forma conjunta, por una parte, la obra de uno de los creadores fundamentales del movimiento impresionista, Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926) y por otra, la de su maestro Eugène Boudin (Honfleur, 1824 – Deauville, 1898), que fue un reconocido precursor de la pintura al aire libre francesa de mediados del siglo XIX.

El comisario de la exposición es Juan Ángel López Manzanares, conservador del Museo Thyssen y, cuenta con el mecenazgo de Japan Tobacco International (JTI).

Boudin fue el maestro de Monet, sin embargo, aparece primero el nombre del discípulo porque con su genialidad superó al maestro.Cabe recordar que el nombre mismo de la corriente impresionista surge a partir del título de un cuadro de Monet: Impresión, sol naciente expuesto en 1874 en el Salon des Refusés . El crítico que utilizó por primera vez el adjetivo lo empleó de forma insultante.

La exposición pone de relieve el interés de estos artistas por la iconografía de la vida moderna, por ejemplo, la atracción de ambos por las escenas de veraneantes en la playa de Trouville, o también, por la naturaleza semisalvaje de los acantilados de las costas de Bretaña y Normandía

Monet. El deshielo.
Monet. El deshielo.

Boudin. Le Havre
Boudin. Le Havre

Esta exposición nos permitirá conocer la época de aprendizaje de Monet y, a la vez, seguir el desarrollo de su obra y la de su profesor. Es evidente que el impresionismo fue un movimiento revolucionario a partir del cual se originaron otras corrientes de vanguardia. Al dar protagonismo a la luz se difuminan los contornos de los objetos, personas, paisajes y todo queda sumido en la atmósfera creada por la luz. Eso se intensificará en las famosas series de los cuadros de Monet. Tanto en los pasteles y óleos del profesor y del alumno, destaca esa pasión por los efectos cambiantes de la luz. Confrontando la obra de Monet y Boudin, podremos asistir a los orígenes del movimiento y también a las relaciones e influencias que se establecen entre profesor y discípulo. Es este uno de los grandes aportes de la exposición. Por primera vez, se exponen de forma conjunta la obra de ambos y, por tanto,  también por primera vez podemos apreciar el diálogo enriquecedor que se establece entre ambos.

Hay que recordar que Monet en carta a Gustave Gefroy dice que considera a Eugène Boudin como su maestro. Ahí, afirma: Ya lo he dicho y lo repito: debo todo a Boudin y le estoy agradecido por mí éxito.

Boudin tenía 31 años cuando conoció personalmente a un joven Monet de 15 años al que ya admiraba por ser un excelente caricaturista. Fue Boudin quien convenció a Monet para que realizara algo más que caricaturas y que se dedicara a pintar con él al aire libre.

Este es otro gran valor de esta exposición: nos permite conocer los orígenes del impresionismo. El propio Monet declaró que en la obra de Boudin junto con la de Corot está el origen del impresionismo

¿Qué influencias se descubren entre maestro y discípulo? Los cuadros son elocuentes, Nos hablan de convergencias y divergencias. De admiración mutua. De acercamientos y alejamientos. Un receptor atento puede imaginar como se construyó esa relación.

Hay que destacar también que de las 103 obras que se exhiben entre un 75 y un 80 por ciento no se habían visto nunca en España tal como especificó el comisario. Estas obras incluyen préstamos del Musée dÓrsay de París,la National Gallery de Londres, el Metropolitan de Nueva York, el Museo de Israel en Jerusalén, el Museu Nacional de Belas Artes de Río de Janeiro , el Marunuma Art Park de Japón y de colecciones privadas como la de Pérez Simón.

Monet. Hotel des Roches Noires
Monet. Hotel des Roches Noires

La exposición está dividida en ocho secciones con un criterio cronológico y temático. En la primera, denominada Paisaje pintoresco sorprende descubrir la maestría de un jovencísimo Monet que muy pronto aprende de su maestro y en 1858 expone Vista de los alrededores de Rouelles .Este cuadro representa un paisaje en los alrededores de El Havre y lo podemos comparan con el de Eugène Boudin Paisaje normando, donde ya se puede apreciar que, a pesar de las semejanzas, el joven discípulo innova.

La segunda parte lleva el nombre de Marinas . Ambos  pintaron una y otra vez la costa normanda. Hay una obra de  Monet de 1867 La playa de Sainte- Adresse donde se aprecian diferencias con respecto a la obra de Boudin no solo técnicas sino también de contenido porque ,a diferencia de su maestro, integran pescadores y veraneantes en la misma escena.

Monet. Camille en la playa de Trouville
Monet. Camille en la playa de Trouville

En la siguientes sección, Escenas en la playa, se acentúan las diferencias entre ambos. Esto es evidente, si se compara, por ejemplo, Escena de playa con marea baja (Boudin, 1867) y Hotel de Roches Noires (Monet, 1870).

En el apartado denominado Pasteles porque es la técnica que empleada en los cuadros que allí se expone, destacan los cielos de Boudin que hizo que Corot lo llamara el rey de los cielos.

La siguiente sección, Variaciones, tiene que ver con el trabajo en serie donde se pinta concentrado un solo motivo y se lo representa bajo distintas condiciones ambientales y lumínicas . Ahí vemos la influencia del discípulo sobre el maestro. En obras como Honfleur, el campanario de Sainte Catherine (1897), La plaza de la Iglesia de Saint-Vulfran en Abbeville (1884) o La colegiata de Abbeville por la noche , Boudin utiliza una pincelada más suelta que refleja más contundentemente la luz sobre lo pintado. Esa influencia la seguiremos constatando en la sección llamada Litoral Agreste donde hay magníficas pinturas de Monet y Boudin sobre el acantilado de Aval en Étretat.

En la séptima sección, Luz, reflejos y efectos atmosféricos, se observa la influencia de Corot en ambos. Aquí se expone el cuadro que pertenece a la colección Thyssen Bornemiza, El puente de Charing Cross donde todo queda difuminado y la niebla es la gran protagonista, así como un lienzo con el motivo de sus célebres nenúfares.

Boudin. Venecia.
Boudin. Venecia.

El último apartado, Viajes al Sur, presenta los cuadros de los dos artistas a partir del encuentro que ambos tuvieron con la luz del Mediterráneo. Monet llegó a pintar más de setenta óleos en Venecia. Hay un cuadro de Boudin: Venecia, tarde. La Riva degli Schiavoni y la Salute (1895) en el que se puede apreciar la influencia del dieciochesco pintor italiano de vedute, Francesco Guardi.

En definitiva, esta exposición nos permite realizar un viaje apasionante hacia los orígenes del impresionismo, conocer la importancia que tuvo un maestro para el desarrollo de un genio de la pintura y poder imaginar la relación entre ambos.

 

Presentación de Uzbekistán en España – el corazón de la Ruta de la Seda

 

Por María Rosa Jordán

 

KHIVA – SAMARCANDA – BUKHARA

 

Madrid fue la ciudad elegida por la Embajada de Uzbekistán para presentar la famosa ruta turística de la seda, con la colaboración técnica de la Unión Iberoamericana de Profesionales de Turismo UIPT, cuyo presidente D. José Luis Lorenzo, desea que este país de leyenda sea promocionado en Iberoamérica.Uzbekistán

Uzbekistán ubicado en Asia Central y al oeste de China, fue una parte de las más antiguas y eminentes civilizaciones, el imperio de Alejandro Magno en los años 330-327 después de Cristo, y según los registros históricos, está unida a la antigua Ruta de las Caravanas de la seda.

Un grupo de invitados y periodistas, nos reunimos en el acogedor hotel Sancho, donde tuvo lugar el acto organizado con la colaboración de Central Asia Travel, Tour Operador de Uzbekistán, Embajada de la República de Uzbekistán en el Reino de España, UIPT y Kamola Rustamova, diseñadora de moda.UZBEKISTÁN EN ESPAÑA

El Cónsul de Uzbekistán en Madrid, D. Sardor Sadikov dio la bienvenida, la presentación del potencial turístico, corrió a cargo de la secretaria de la Embajada Sra Aleksandra Khabibulina, quién proyectó un audiovisual muy completo y atractivo.

Asistieron y comentaron las posibilidades del país, tanto turísticas como comerciales, D. Germán Porras Ex Secretario de Estado de Turismo de España y actual Secretario de la Mesa de Turismo, D. Enrique Peñalva, empresario español, radicado en el país, D. Antonio Fernández de la Cruz inspector jefe del Plan Turístico Seguro de la Policia Nacional de España y D. Miguel Silvestre, presentador del programa “Diario de un Nómada “expedición Ruta de la Seda.

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Se sortearon productos típicos y un viaje del que salió favorecido el director de la revista Viajes y Turismo.  Presenciamos un interesante desfile de modas de trajes contemporáneos en estilo tradicional, de la diseñadora Sra Kamola Rustanova. Finalizando el acto, con una muestra y degustación gastronómica de Uzbekistán.

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La descripción de Uzbekistán y su historia, no se puede narrar en breves palabras, pero dar una pincelada que ayude a descubrirlo sí. Los fértiles valles con frutales florecientes, los vastos campos de algodón, miles de riachuelos montañosos que confluyen en los caudalosos ríos AMU DARYA y SUR DARYA, altos minaretes, donde se pueden ver tanto los picos nevados como los desiertos sin vida. Las ciudades más atractivas, Samarcanda, como una perla del Oriente, es una urbe maravillosa: Espejo del mundo, Jardín del alma, para expresar toda su belleza y riqueza, las palabras, tal vez, serán incapaces, es uno de los 50 destinos turísticos que no hay que dejar de visitar una vez en la vida.  Shahrisabz la ciudad jardín verde, su historia está incluida en la lista del Patrimonio Mundial de la Unesco. La ciudad santa de Bujará es una de las más antiguas del mundo, aquí se encuentra un gran número de las Mezquitas y Tumbas de muchos Santos islámicos.  Jiva ciudad museo al cielo al aire libre, aquí puede usted relajarse y disfrutar del magnífico paisaje natural. Taskent, la estrella de Oriente, la capital de Uzbekistán une la modernidad y la antigüedad, la historia de la ciudad  tiene 2200 años, hoy Taskent, es el mayor centro financiero y cultural de la región.  Karakalpakistán la tierra de antiguos castillos, en este territorio, se encuentran más de 300 objetos arqueológicos. Costumbres y tradiciones de Uzbekistán, hospitalidad, es un rasgo característico del pueblo uzbeko.

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Uzbekistán (2)Fotos cortesía embajada Uzbekistán

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Aranjuez ¡el capricho real!

 

Por Vicente López

 

El pasado domingo 10 de Junio se clausuró con gran éxito, la XXV edición de Música Antigua Aranjuez que como todas las primaveras convoca a melómanos y curiosos a disfrutar durante casi un mes de una amplísima recreación de las grandezas musicales y artísticas del pasado interpretadas por los mejores artistas del momento.

Para esta ocasión el programa comenzó con un paseo en barco por el Río Tajo, siguiendo el recorrido que en el siglo XVIII fuera el preferido de los monarcas Felipe V y Fernando VI y cómo no, siguiendo las huellas del gran Farinelli alma indiscutible de aquellas jornadas fluviales. Al término de la navegación, se ofreció en la Capilla Real un concierto de la Accademia del Piacere, dirigida por el gran músico español de origen sirio-palestino Fahmi Alqhai y la inmejorable interpretación de la soprano también española Nuria Rial; con un merecido homenaje a los compositores Sebastian Durón (1660-1716) y José de Nebra (1702-1768) cuyas partituras evocaron y trajeron nuevamente al presente parte de la grandeza musical del pasado.

Aranjuez1

Si repasamos un poco la historia nos encontramos que el rey Felipe V estaba aquejado de pena, y fue su médico quien le recomendó la música como terapia; preocupada por el estado de su esposo y el consecuente abandono de sus funciones de Retrato Farinelli - Corrado Ciaquinto hacia 1753gobierno además de un estado de dejadez personal importante, Isabel de Farnesio esposa del monarca y conocedora del tremendo éxito que tenía Farinelli en Inglaterra, decide contratarlo para intentar sacar a su esposo de tan lamentable situación. El contrato que se le ofreció fue más que tentador y así el gran divo vino a España para alegrarle la vida al rey y tal fue el impacto que le causaron las interpretaciones del castrati que hasta tenía que cantarle por las noches para que pudiera conciliar el sueño. Felipe V estaba tan contento que ofreció a su salvador que le pidiese cualquier regalo que le apeteciera a lo que Farinelli respondió “Solo deseo que Vuestra Majestad se deje vestir y afeitar adecuadamente”.

Sin duda Carlo Broschi artísticamente apodado como Farinelli fue el más famoso de los castrados tan de moda por aquellos tiempos. La Iglesia había prohibido que las mujeres cantaran dentro de las iglesias “Mulier taceat in ecclesia” es decir mujer en silencio en la iglesia. Para la suplantación de las voces femeninas se comenzaron a utilizar “Los Falsetti” niños educados para cantar en tonos muy agudos pero que frecuentemente se les estropeaba la voz con el cambio de la adolescencia. Así fue como el mundo lírico encontró en la castración de los jóvenes la solución para que los varones conservaran su voz de soprano en la edad adulta. Esta práctica fue prohibida por la ley aunque la picaresca y la gran oportunidad para salir de la pobreza que representaba para una familia tener un hijo castrati, consiguieron saltarse la legalidad y bajo cualquier excusa médica se realizaban las mutilaciones con total impunidad; solo en Nápoles por esas fechas se contaban alrededor de 4000 niños castratis. Carlo que había sufrido una tremenda caída del caballo al recuperarse del accidente se encontró con que ya había sido castrado bajo prescripción médica y con el consentimiento de su hermano mayor.

Los castrati normalmente eran hombres obesos y de caderas redondeadas, en cambio Carlo tenía un porte elegante y aristocrático además de ser un hombre  alto de gran belleza, magnético y totalmente alejado de la imagen del resto de los castrados. Debutó con 15 años y desde los inicios el éxito lo acompañó arrasando por toda Europa y consiguiendo gran fortuna por ello. Muchas señoras caían rendidas ante él y su fama de amante seguro, lo precedía ya que Carlo no era impotente sino solamente estéril. Fué en Londres donde una enloquecida seguidora pronunciara por primera vez “One God, one Farinelli!!!”, frase que se repetiría  constantemente al finalizar sus actuaciones.

Fernando VI y Bárbara de Braganza en los jardines de Aranjuez

Farinelli llega a la corte española como criado personal solo para el rey y la reina, posición que le otorgaba muchos privilegios y casi una posición de intocable y gran poder sobre las decisiones del monarca. Bajo esta premisas en aquel Aranjuez que ya era un ecosistema lúdico para la realeza se desata toda la imaginación del mundo y deciden transformar aquel cauce tan tranquilo del Tajo  en una de las más grandes atracciones reales, se draga el cauce, se construyen embarcaderos se trajeron marinos especialistas y así nació lo que se conoció como La Flota del Tajo. Una flota cuya única misión era transportar a toda la realeza acompañada por los músicos en tiempos estivales; se embarcaba al atardecer y se regresaba al embarcadero de Palacio después de unas tres horas ya de noche, el cauce se iluminaba con miles de antorchas que se iban encendiendo al paso de las naves. El diseño de estas Aranjuez2Faluas fue responsabilidad de Farinelli  y en ello volcó toda su imaginación, en total eran quince, cinco grandes, ocho botes de remo y dos más, una con forma de venado y otro de pavo real. La Real, en ella solo iban los reyes y un reducidísimo séquito, la tripulación y ocho músicos y, cómo no, Carlos Farinelli, considerado familiar de Sus Majestades. En los momentos cumbres de la música y para no turbarlo, los remeros dejaban de remar y las naves eran remolcadas por otras barcas y así se aseguraba el silencio que el momento requería. Corría el año de 1.752 y estos paseos fluviales fueron muy admirados y vitoreados por los espectadores que se acercaban a los embarcaderos para verlos embarcar no solo a lo más granado de la época, sino también para contemplar toda la parafernalia que implicaba aquellas navegaciones, impresionantes viandas, armas por si se realizaba alguna parada y echar unos tiros en fin toda la pompa real en acción y el momento de la salida se sellaba con una salva de artillería que asustaba a los pavos reales y camellos que por aquel entonces eran parte de la fauna palaciega. Los camellos (dromedarios) de Aranjuez eran famosos y los únicos en toda la península. Se habían traído de Orán para la conservación de los jardines de Palacio ya que sus pisadas apenas dañaban suelos y césped y mantenían a raya el verde de los jardines, otra de las curiosidades que formaban parte del paisaje de aquel Aranjuez tan lúdico como grandioso.

 

Falua Real
Falua Real

Tras la muerte del rey, Farinelli continuó al servicio de Fernando VI, nuevo rey y que sufría de la misma melancolía crónica que su padre y de su esposa Bárbara de Braganza nueva reina y gran melómana, tanto es así de el monarca concedió al divo el título de Caballero de la Orden de Calatrava solo reservado para los más grandes, cuestión que gestó ciertos recelos. Al fallecimiento de Fernando VI, sube al trono Carlos III hermanastro del anterior rey y con su famosa frase “ no me gustan los capones más que en la mesa” despidió a Farinelli después de 25 años de servicio a la corte quien regresa a Italia donde aún seguía siendo muy recordado.

En el Aranjuez del presente ya no quedan dromedarios rumiando bucólicos con sus cadenciosos andares por los jardines de Palacio, ni exuberantes Faluas atracadas en el embarcadero, pero con estos Festivales el Aranjuez  moderno rinde pleitesía a su pasado y abre sus jardines, Palacios, cauces, Museos, Iglesias, plazas y todo este impresionante patrimonio artístico cultural a disposición del visitante, invitando a los más grandes artistas del hoy a remover ecos, desempolvar partituras é intentar recrear parte de la esencia de ese pasado de grandiosidad y como no excesos que forman parte del ADN de esta espléndida ciudad llena de rincones, recuerdos y secretos por descubrir. Aranjuez invita a vivir esta experiencia que se repite cada primavera a todos los viajeros que se animen a pisarla y disfrutarla.Aranjuez

 

Pablo Anadón: La niebla de los años

 

Por Jorge de Arco

 

El Vasar Poético

 

Crítico, traductor, editor y poeta, Pablo Anadón (1963), ha publicado hasta la fecha siete poemarios. Ahora, ve la luz un nuevo volumen de versos bajo el título de “Hotel Hispania. Poesía 2009 – 2014” (Pre-Textos. Valencia, 2017).

 

En estos seis años, el vate argentino ha ido puliendo su decir y desde una óptica de emotiva contemplación ha articulado un cuadro íntimo y sugeridor. Sus textos vienen envueltos bajo el manto de un acontecer confesional, que lleva al lector hasta una atmósfera de complicidad. El pasado ya es imborrable en la memoria del yo, pero a su vez responde a la actual existencia. El tiempo no se alza como antagonista de cuánto resta por venir, sino que se presenta como aprendizaje para afrontar las dichas y las sombras del vivir:

 

La noche en vela, se consume

Silenciosa en el lento

Goteo de las horas.

 

Hay quien, en la penumbra,

Busca un cuerpo o una copa

Para saciar una insondable sed.

 

Y hay quien, al resplandor

Difuso de una lámpara,

Acodado en la mesa,

 

Espera una palabra,

La palabra precisa

Que le dé, finalmente, la ilusión

 

De una vida cumplida.

 

Pablo Anadón establece un diálogo liberador con el cual pretende ahuyentar una soledad creciente y, en ocasiones, involuntaria. Su temor nace del tránsito de la edad, de la batalla signada por el humo fugitivo de los días, que acaba hiriendo, inevitablemente, su existencia.

La esposa y los hijos ocupan un lugar prominente en el segundo apartado del libro y en él se encuentran poemas de altísima temperatura lírica, plenos de emotividad. Así sucede con “Escuchando música con Mariana”, un bellísimo himno paterno-filial:

 

Y pensar que en un tiempo

(Mítico para vos y para mí

Tan próximo y no obstante tan borroso

En la memoria, una fotografía

De un instante feliz, fuera de foco)

Cabías toda entera entre mis brazos

 

(…)

 

Y del pasado vuelo hacia el futuro.

Allí te veo, sola, ya sin mí.

Oyendo nuevamente estas canciones,

Y me pregunto si estará el recuerdo,

Entonces de este instante con tu padre.

 

Aunque sea brumoso como una mala foto,

Si a pesar de la niebla de los años,

La muerte y la distancia,

Este abrazo de hoy podrá ampararte.

 

 

El poeta cordobés se alimenta de la palabra y de esa misma palabra nace todo aquello que lo rehabilita y lo convierte en perdurable. Lo fijo, lo que sabe presente y presencia se torna, pues,  privilegio. Desde su interior, se hace aún más consciente de que cuanto hay en derredor es imprescindible para que el alma siga reconociéndose en su esencia vívida.

 

 Un libro, a fin de cuentas, que diagrama de forma cálida y emocionante las huellas de un inventario personal. Y también común:

 

Pero miro el paisaje

Que, incluso en este día

Gris y lluvioso, muestra una infinita

Gama de azules, verdes y ocres,

 

Y lo comparo con el de mis versos

Que se diría todo escrito en sepia:

Así también los días y los años

Hoy me parecen una música

 

Que amamos en un tiempo,

Y nos hizo tan larga compañía,

Y cuya melodía

Apenas si podemos recordar.

Entrevista a Jon Urdapilleta

 

El talentoso músico se encuentra en España para programar sus próximos conciertos

Por Luis María Villanueva

Jon Urdapilleta (Bidania-Goiatz, 1996) estudió piano en la Escuela Municipal de Música de Donostia con su profesora y madre Mª Isabel Martín. Paralelamente, realizó estudios de violín con Catalin y Anton Bucataru, y de órgano con Loreto Fdz. Imaz. Como violinista obtuvo el título de Grado Profesional en el Conservatorio Francisco Escudero de Donostia y fue miembro titular de la EGO. En su trayectoria pianística ha obtenido Primeros Premios y numerosos galardones. Asimismo, ha ofrecido recitales en la Quincena Musical de Donostia, en TIHMS de Holanda y en el Festival International Piano Classique de Biarritz entre otros.

Ha recibido Masterclasses de músicos como Galina Eguiazarova, Jacques Rouvier, Tatiana Sarkissova, Pascal Nemirovski, Christopher Elton, Evgueny Sudbin, Pascal Devoyon y Maxim Vengerov. Actualmente cursa sus estudios superiores de piano en la prestigiosa Royal Academy of Music de Londres con Rustem Hayroudinoff, gracias al apoyo de Fundación Kutxa y Royal Academy of Music.

¿Cómo son tus comienzos, dónde empiezas, el motivo por la música y qué instrumentos?

Mi madre es música de profesión. Es profesora de piano en la Escuela Municipal de Música de Donostia-San Sebastián. Además de pianista es miembro activo del Orfeón Donostiarra desde 1983, de manera que la música siempre ha estado muy presente en nuestra casa. Comencé a estudiar el piano a los 7 años en la Escuela Municipal de Música de Donostia-San Sebastián con mi madre, con ella estudié hasta venir a Londres con 17 años. De 10 a 16 años estudié violín con Catalin y Anton Bucataru en el aula de violín del Orfeón Donostiarra. Con 15 años obtuve el Título de Grado Profesional de Violín en el Conservatorio “Francisco Escudero” de Donostia-San Sebastián e ingresé en la Joven Orquesta de Euskadi (EGO)como violinista donde participé durante tres años. Paralelamente de los 14 a los 17 estudié órgano en el mismo Conservatorio con la profesora Loreto Fernández Imaz.

¿Por qué te defines por el piano y abandonas el violín, cuando con quince años tenías bien encaminada tu carrera de violín?

Siempre he disfrutado mucho con ambos instrumentos y también con el órgano, pero desde pequeño quería ser pianista. Solía escuchar mucho repertorio pianístico y me encantaba salsear entre las partituras de mi madre, fue así como me enamoré del instrumento, pero les guardo un gran cariño al violín, al órgano y a todas las experiencias vividas en orquesta o música de cámara.

¿Cómo apareces en Londres y como fue esa historia?

Al plantearme dónde quería realizar los estudios superiores pensé en la Royal Academy of Music de Londres, de la que tenía muy buenas referencias. Hice las pruebas de acceso y tras mi admisión obtuve una beca de entrada de la propia Academy, fue una gran alegría; en ese momento descarté otras opciones posibles. Es muy importante señalar que he podido realizar mi sueño además, gracias al gran apoyo recibido desde la Fundación Kutxa. Estudiar en el extranjero es una decisión que te cambia la vida y la forma de ver de muchas cosas, te enriquece, en este caso la actividad cultural es enorme, puede llegar a ser complicado en algún momento, pero soy muy feliz con la decisión y la volvería a tomar.

¿Qué han supuesto los concursos para tí? Has recibido numerosos premios, por favor indícanos alguno de ellos.

Siempre me ha gustado tocar en distintos escenarios, escuchar y conocer a otros pianistas y para eso los concursos son una plataforma que reúne muchos aspectos, además de los que ya he dicho, el reto y la motivación para seguir trabajando con el instrumento. Con 9 años empecé a concursar hasta los 17, y obtuve primeros premios y numerosos galardones en concursos como “Concurso Internacional de Piano Ciudad de San Sebastián”, “Concurso Jóvenes Músicos de Euskadi”, “Premio Infantil de Piano Santa Cecilia de Segovia” y “Certamen Nacional de Piano Veguellina de Órbigo-León”, esa fue una etapa muy importante, en la que disfruté mucho y guardo de ella un gran recuerdo, donde aprendes a llevar un buen ritmo de trabajo y a valorar que el esfuerzo siempre merece la pena. Conciertos ofrecidos. Festivales en los que has actuado. Las actuaciones públicas siempre han sido una constante, es un entrenamiento necesario para mejorar y superarse. En este aspecto estoy muy agradecido a las entidades y personas que nos apoyan ofreciéndonos escenarios donde poder interpretar, y realmente han sido muy diversos. Entre ellos están, el concierto ofrecido en Holanda dentro de “The International Holland Music Sessions”, “Donostia Kultura”, “La II Semana Bach” en Donostia… Recuerdo con mucho cariño mi primer recital con 14 años en la Quincena Musical de Donostia, en el ciclo de Jóvenes Intérpretes, fue una gran alegría, pero también mucha responsabilidad por la importancia del Festival, siendo el intérprete más joven en la historia de la Quincena. También fue muy importante el recital ofrecido en el Festival International ‘Piano Classique’ en Biarritz (Francia)en 2016. Es un festival de piano de mucho prestigio donde también apuestan por los jóvenes intérpretes.

Futuro próximo respecto a conciertos o festivales ya apalabrados.

El 28 de mayo ofreceré un recital en el “IV Ciclo Donostia Musika” en la Sala Club del Teatro Victoria Eugenia en Donostia, donde interpretaré sonatas de Beethoven y Schubert. Del 21 al 24 de julio interpretaré el Segundo Concierto para Piano y Orquesta de Rachmaninoff con la EGO (Joven Orquesta de Euskadi) el 21 en Auditorio Itsas Etxea de Hondarrabia, el 22 en Teatro Principal de Vitoria-Gasteiz, el 23 en Auditorio Kursaal de Donostia-San Sebastián y el 24 en Palacio Euskalduna de Bilbao. También tengo previsto un recital en Londres en el mes de octubre.

Ayudas con las que cuentas tú. ¿Tienes alguien detrás para contar con su apoyo?

Me siento muy afortunado y estoy enormemente agradecido a Fundación Kutxa que se ha hecho cargo económicamente de mis estudios y residencia en Londres; además a nivel personal ha supuesto una relación muy especial, ha habido un seguimiento e interés por mi carrera que para mí ha sido de gran motivación y me ha dado fuerza para ir superando los diferentes retos. También tengo una beca de la propia Royal Academy of Music que otorgan en base a los méritos obtenidos en las audiciones de ingreso.

¿Qué sacrificios has tenido y tienes que hacer para estar y llegar donde quieres llegar?

Llegar a ser un músico de élite en la música clásica es algo complicado, es un camino interminable de constante exigencia, de mejora artística y personal; requiere un nivel de excelencia muy alto. Dicho esto, no lo considero un sacrificio porque tengo la fortuna de hacer lo que más me gusta; pero sin duda requiere una gran dedicación y concentración.

¿Cómo es un día normal tuyo?

Normalmente intento estudiar 3-4 horas por la mañana y otras 2-3 horas por la noche. Durante el día la Academy está prácticamente llena con clases, con lo cual lo mejor es estudiar por la mañana y por la noche. Durante el día aprovecho el tiempo para estudiar partituras de Dirección de orquesta, partituras de piano, leer, ir al gimnasio o estar con amigos.

¿Qué se siente antes y al comienzo de los conciertos?

Antes de un concierto hay una cierta tensión que incluso disfruto, son las ganas de expresar todo lo que esa música que voy a interpretar lleva dentro, después de un largo proceso de estudio y asimilación. Las obras que tocas se convierten en parte de uno mismo y nunca te abandonan; te hacen mejor artista y hacen que descubras cosas de ti que quizá desconocías. Al finalizar el concierto normalmente hay una satisfacción por haberte vaciado emocionalmente, aunque nunca está uno del todo satisfecho, es imposible; siempre habrá cosas que mejorar.

¿Cómo preparas un concierto, cuánto tiempo te lleva la preparación?

La programación de un concierto unas veces viene determinada por la propia organización y otras veces soy yo quien piensa en un programa concreto. Normalmente se planifica con varios meses de antelación para poder ir trabajando y madurando la interpretación de las obras.

El Pajaro de fuego, Suit (1945)
El Pajaro de fuego, Suit (1945)

¿Dónde se escuchan más conciertos de música clásica, dónde se actúa con más asiduidad, en una palabra, dónde está la gente más preparada para acudir a los mismos?

La sociedad siempre está en continua evolución, y según el nivel cultural heredado, en cada país vamos avanzando en este terreno de forma diferente. Por otra parte, también es cierto que en los auditorios normalmente nos encontramos con un público mayoritariamente de cierta edad y creemos que el gusto por la música clásica quizás no haya llegado suficientemente a los jóvenes. Pero creo que hoy en día son muchas las instituciones que están haciendo una gran labor educativa y de acercamiento de la música clásica a la sociedad. Las Escuelas de Música con alumnos de todas las edades formándose en instrumento, coro, danza clásica o contemporánea, las Agrupaciones Corales que educan vocalmente a coro de niños, coro de jóvenes y coro de adultos, los Conservatorios, las Orquestas con conciertos pedagógicos para colegios, las tradicionales bandas etc. Mi percepción es que la educación en música clásica en el público general marca a menudo las diferencias, la cuestión reside en el valor que se le otorga a la educación y cultura musicales en los diferentes países. En consecuencia, la música y sus profesionales tienen mayores reconocimiento, relevancia y consideración social. Muchísimos niños tocan un instrumento aunque luego no se vayan a dedicar a la música, esto hace que cuando sean adultos tengan una mayor sensibilidad y apreciación por la música clásica. Esto promueve una mayor demanda en el mercado de la cultura y el entretenimiento, y como consecuencia se organizan conciertos y festivales que con el paso del tiempo adquieren un enorme prestigio. Se convierte en una actividad rentable con precios más asequibles que en España, lo cual vuelve a favorecer de una manera sostenible la demanda de nuevos eventos musicales.

¿Qué opinión te merecen los concursos musicales de TV, donde en menos de un año, con grandes profesores, lanzan al escenario profesionales, se pueden crear en este tiempo, cuando las carreras musicales cuestan los años que cuestan?

Como concepto general me parecen una comercialización exprés de lo que es ser músico, en la que ni siquiera la música es el principal actor sino las vidas personales de los participantes y cómo interactúan entre ellos. Es triste ver que mucha gente sigue estos programas por el cotilleo barato más que por lo que los participantes hacen en sí con la música. Es básicamente como funciona la sociedad hoy en día, nos enseñan que por el hecho de querer algo lo podemos conseguir de forma inmediata y con poco esfuerzo. La música no es eso. En Reino Unido hay un concurso de televisión llamado BBC Young Musicians; es una competición de música clásica de alto nivel entre músicos británicos de menos de 19 o 20 años. Muchísima gente sigue el concurso por televisión, donde se muestra la realidad de cada participante desde un prisma educativo: el esfuerzo que supone estar en esa competición, sus rutinas de estudio… Es una manera mucho más íntegra de presentar referentes a la sociedad. Si se quiere conseguir algo y ser muy bueno en ello, hay que saber que en cualquier disciplina es un camino largo y en ocasiones duro, que requiere de mucha dedicación y esfuerzo, así se consiguen las cosas importantes en la vida como una carrera profesional de éxito.

Homenaje al poeta Leopoldo de Luis en el centenario de su nacimiento

 

Por María José López de Arenosa

El pasado 9 de mayo, la Asociación de Escritores y Artistas Españoles AEAE rindió un emocionado homenaje a Leopoldo de Luis con ocasión del centenario de  su nacimiento.

El acto, en el que se recordó al poeta en toda su dimensión humana y literaria, estuvo presidido por Juan Van-Halen, presidente de la Asociación, y contó con la participación de Emilio Porta, Juan Manuel de Prada y el hijo de Leopoldo de Luis, el catedrático de literatura y escritor, Jorge Urrutia.

Juan Van-Halen se refirió a él como uno de los poetas más importantes del siglo XX.  Colaborador de las revistas Garcilaso y Espadaña en la posguerra, fue también buen conocedor de la filosofía existencialista, especialmente de Sartre y Camus, cuya influencia se reflejó en su poesía. Pertenecer al bando de los vencidos en la Guerra Civil y estar señalado como republicano le llevó a renunciar a su primer apellido –Urrutia―  para su producción literaria, pero jamás hubo en él un ápice de resentimiento.  Destacó Van-Halen su gran categoría humana y su generosidad, así como los muchos años en los que Leopoldo de Luis formó parte de la Junta Directiva de la Asociación impartiendo consejos y sabidurías.  Manifestó, además, su agradecimiento personal por el apoyo que le brindó en sus comienzos literarios y por el prólogo que escribió para su poemario Púrpura y ceniza.

Juan Van-Halen recordó que tuvo el honor de formar parte del jurado que otorgaría el Premio Nacional de las Letras Españolas a Leopoldo de Luis en el año 2003 y de comunicárselo personalmente. Terminó su intervención leyendo el soneto elegíaco En la muerte de Leopoldo de Luis, que le dedicó a su fallecimiento y que reproduzco ―con su permiso y mi agradecimiento por ello―  a continuación de esta reseña.

Emilio Porta recordó su relación personal y literaria con el poeta, quien lo apoyó y aconsejó en los inicios de su carrera literaria. «No es un poeta social, sino un poeta profundo, profundo ante la vida, con una poesía, sobre todo, humanista,» dijo. Para Emilio Porta, cuya intervención concluyó también con un poema dedicado a Leopoldo de Luis, se trata de uno de los máximos representantes de la poesía española del siglo XX, pero también de la dignidad, con una gran sencillez como escritor y como persona que hablaba también a través de sus silencios.

«Tenía la música de los clásicos y la fibra moral del 98 y del 27, pero también una verdad doliente, pero sin resentimiento,» dijo Juan Manuel de Prada, a quien el destino le tenía reservado ser testigo de su fallecimiento, en el año 2005. «Fue una muerte apacible, desvaneciéndose sin sufrimiento.  Estoy seguro de que al morir tenía en mente a su mujer,» dijo.  Destacó cómo Leopoldo de Luis, pese a su estigma republicano, hizo bandera de la reconciliación y del perdón y terminó su intervención con la lectura de la necrológica que publicó en ABC.

La intervención del hijo de Leopoldo de Luis, Jorge Urrutia, estuvo llena de recuerdos personales y familiares e hizo un repaso a su trayectoria literaria, desde sus primeros poemas publicados en la revista Pregón Literario.   Recordó también a los amigos de su padre: Miguel Hernández, Luis Rosales, Dámaso Alonso, León Felipe y José García Nieto, entre otros.  Destacó que para su padre la Asociación de Escritores y Artistas Españoles fue un segundo hogar, especialmente después de enviudar, lo que le ayudó a sobrellevar su soledad, sintiéndose acompañado y en familia.

El acto terminó con la lectura de poemas de Leopoldo de Luis por parte de todos los ponentes, además de Milagros Salvador y Consuelo Triviño.

 

EN LA MUERTE DE LEOPOLDO DE LUIS

 

Se fue Leopoldo por donde solía:

calle de la verdad a media tarde.

Se fue por donde el verso en fuego arde:

plaza mayor de la melancolía.

 

Y le estoy esperando todavía.

El corazón me grita que le aguarde,

que le veré otra vez, que le resguarde

en esta noche eterna de tan fría.

 

La muerte es una sombra silenciosa

que no podrá apagar la voz que truena

en sus particulares universos.

 

Vencerá su palabra luminosa

sobre la nada, sobre la condena,

en la vida sin diques de sus versos.

 

Juan Van-Halen  (2005)

 

(Publicado en “Quien conmigo va”. Col. Los Cuadernos de Sandua, Córdoba 2008.

Con alguna variación en “Escribo tu nombre”. Col. Gotas del Alma, Madrid,  2013)

 

 

Foto de portada: De izquierda a derecha Jorge Urrutia, Juan Van-Halen, Emilio Porta y Juan Manuel de Prada