Paraguay – Patrimonio cultural, natural y religioso

PARAGUAY

Un país para disfrutarlo. Una geografía única y una historia compartida a ambos lados del Atlántico

 

Paraguay

 

 

La presidenta de ACPI,Corresponsales de Prensa Iberoamericana, Sully Fuentes ha presentado, hoy, a la Ministra de Turismo de PARAGUAY,  Marcela Bacigalupo en la embajada de este paÍs en Madrid.

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La Ministra de Turismo ha dado a conocer los últimos datos de turismo de visitantes internacionales a Paraguay que han aumentado en el último cuatrienio (2014-2017) en un 68% respecto al periodo anterior (2010-2013). La cifra alcanza ya los 3.665.708 visitantes internacionales, con un aumento de casi 1,5 millones de turistas.

La clave del éxito radica en un rico patrimonio cultural del que destacan las Misiones Jesuíticas Guaraníes, declaradas patrimonio de la Humanidad por la UNESCO. Estos recursos turísticos han sabido adaptarse a las nuevas tecnologías y los nuevos segmentos turísticos. Así, por ejemplo, las recientes innovaciones inclusivas y tecnológicas introducidas en las Misiones Jesuíticas Guaraníes se acaban de presentar como Caso de éxito en el Segundo Congreso Mundial de Destinos Turísticos Inteligentes o Smart Destination, que acaba de tener lugar en Oviedo (Principado de Asturias, España), por parte de la ministra de Turismo de Paraguay, Marcela Bacigalupo.

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El 95% de las Posadas Rurales en manos de las mujeres.

 

La Ministra ha destacado también el empoderamiento local, la accesibilidad, la integración y el mejoramiento de la calidad de vida de los residentes y el video mapping 3D inaugurado en la Misión de Jesús de Tavarangue.  De hecho, “el 95% de las más de 200 posadas turísticas existentes en el país está liderada por mujeres a través del programa de Empoderamiento de las mujeres en el turismo del Ministerio de Turismo de Paraguay, al transformar viviendas familiares en establecimientos de alojamiento turístico”, declaró la Ministra de Turismo del Paraguay.

 

Aumento del 47,3 % en los ingresos por turismo

A lo largo de este cuatrienio (2014-2017), el flujo total de turistas internacionales más los visitantes que no pernoctan, reportó un aumento del 47,3 % de los ingresos. Un total de 1.900 millones de dolares, frente a los aproximadamente 1.000 millones de dolares ingresados entre los años 2010 y 2013.

Durante la gestión de la ministra de Turismo Marcela Bacigalupo, se han dado los siguientes hitos que también han contribuido al aumento de estas cifras del turismo en Paraguay:

  • Inserción de Paraguay en el mapa de la OMT, integrando por primera vez el Consejo Ejecutivo del organismo especializado de las Naciones Unidas.
  • Impulso de la Ruta Jesuítica del Mercosur, en alianza con el resto de países.
  • Generación de nuevos circuitos temáticos en torno a la producción tradicional del Paraguay, la artesanía y la cultura, además del fortalecimiento de los circuitos tradicionales como la Ruta Jesuítica
  • Posicionamiento como destino de eventos, congresos y reuniones, con la implicación del sector privado. Actualmente, Paraguay se sitúa entre los diez destinos preferidos de turismo de reuniones en América Latina.
  • Posicionamiento de Paraguay como destino turístico inteligente mediante el uso de la tecnología en la puesta en valor de los patrimonios, como el mapping 3D en la Misión de Jesús de Tavarangue.
  • Tras 20 años de ausencia de conexión directa, Paraguay recuperó, en el año 2015, la conectividad aérea directa con Europa, mediante vuelos entre Asunción y Madrid, facilitando la inserción en mercados turísticos europeos.
  • El 95% de las más de 200 posadas turísticas existentes en el país está liderada por mujeres a través del programa de Empoderamiento de las mujeres en el turismo del Ministerio de Turismo de Paraguay, al transformar viviendas familiares en establecimientos de alojamiento turístico

Rueda de Prensa en la Embajada de Paraguay en Madrid. En el centro la Ministra de Turismo, Marcela BACIGALUPO acompañada por prensa nacional y extranjera.Países presentes: Argentina, Brasil, Colombia, Uruguay y España

Rueda de prensa con la Ministra de turismo de PARAGUAY

Presentación a la prensa española y a los corresponsales iberoamericanos en Madrid.

Periodistas de ACPI, ACPE, CIP, UIPT

¿Por qué hay que ver la exposición Monet/ Boudin en el Museo Tyssen Bonermisza?

 

Norma Sturniolo

 

Este texto intenta dar una respuesta a la pregunta que encabeza el título del mismo.

Antes de nada, hay que recordar que el Museo Tyssen -Bornemisza, desde 26 de junio hasta el 30 de setiembre, ofrece la posibilidad de contemplar de forma conjunta, por una parte, la obra de uno de los creadores fundamentales del movimiento impresionista, Claude Monet (París, 1840 – Giverny, 1926) y por otra, la de su maestro Eugène Boudin (Honfleur, 1824 – Deauville, 1898), que fue un reconocido precursor de la pintura al aire libre francesa de mediados del siglo XIX.

El comisario de la exposición es Juan Ángel López Manzanares, conservador del Museo Thyssen y, cuenta con el mecenazgo de Japan Tobacco International (JTI).

Boudin fue el maestro de Monet, sin embargo, aparece primero el nombre del discípulo porque con su genialidad superó al maestro.Cabe recordar que el nombre mismo de la corriente impresionista surge a partir del título de un cuadro de Monet: Impresión, sol naciente expuesto en 1874 en el Salon des Refusés . El crítico que utilizó por primera vez el adjetivo lo empleó de forma insultante.

La exposición pone de relieve el interés de estos artistas por la iconografía de la vida moderna, por ejemplo, la atracción de ambos por las escenas de veraneantes en la playa de Trouville, o también, por la naturaleza semisalvaje de los acantilados de las costas de Bretaña y Normandía

Monet. El deshielo.
Monet. El deshielo.
Boudin. Le Havre
Boudin. Le Havre

Esta exposición nos permitirá conocer la época de aprendizaje de Monet y, a la vez, seguir el desarrollo de su obra y la de su profesor. Es evidente que el impresionismo fue un movimiento revolucionario a partir del cual se originaron otras corrientes de vanguardia. Al dar protagonismo a la luz se difuminan los contornos de los objetos, personas, paisajes y todo queda sumido en la atmósfera creada por la luz. Eso se intensificará en las famosas series de los cuadros de Monet. Tanto en los pasteles y óleos del profesor y del alumno, destaca esa pasión por los efectos cambiantes de la luz. Confrontando la obra de Monet y Boudin, podremos asistir a los orígenes del movimiento y también a las relaciones e influencias que se establecen entre profesor y discípulo. Es este uno de los grandes aportes de la exposición. Por primera vez, se exponen de forma conjunta la obra de ambos y, por tanto,  también por primera vez podemos apreciar el diálogo enriquecedor que se establece entre ambos.

Hay que recordar que Monet en carta a Gustave Gefroy dice que considera a Eugène Boudin como su maestro. Ahí, afirma: Ya lo he dicho y lo repito: debo todo a Boudin y le estoy agradecido por mí éxito.

Boudin tenía 31 años cuando conoció personalmente a un joven Monet de 15 años al que ya admiraba por ser un excelente caricaturista. Fue Boudin quien convenció a Monet para que realizara algo más que caricaturas y que se dedicara a pintar con él al aire libre.

Este es otro gran valor de esta exposición: nos permite conocer los orígenes del impresionismo. El propio Monet declaró que en la obra de Boudin junto con la de Corot está el origen del impresionismo

¿Qué influencias se descubren entre maestro y discípulo? Los cuadros son elocuentes, Nos hablan de convergencias y divergencias. De admiración mutua. De acercamientos y alejamientos. Un receptor atento puede imaginar como se construyó esa relación.

Hay que destacar también que de las 103 obras que se exhiben entre un 75 y un 80 por ciento no se habían visto nunca en España tal como especificó el comisario. Estas obras incluyen préstamos del Musée dÓrsay de París,la National Gallery de Londres, el Metropolitan de Nueva York, el Museo de Israel en Jerusalén, el Museu Nacional de Belas Artes de Río de Janeiro , el Marunuma Art Park de Japón y de colecciones privadas como la de Pérez Simón.

Monet. Hotel des Roches Noires
Monet. Hotel des Roches Noires

La exposición está dividida en ocho secciones con un criterio cronológico y temático. En la primera, denominada Paisaje pintoresco sorprende descubrir la maestría de un jovencísimo Monet que muy pronto aprende de su maestro y en 1858 expone Vista de los alrededores de Rouelles .Este cuadro representa un paisaje en los alrededores de El Havre y lo podemos comparan con el de Eugène Boudin Paisaje normando, donde ya se puede apreciar que, a pesar de las semejanzas, el joven discípulo innova.

La segunda parte lleva el nombre de Marinas . Ambos  pintaron una y otra vez la costa normanda. Hay una obra de  Monet de 1867 La playa de Sainte- Adresse donde se aprecian diferencias con respecto a la obra de Boudin no solo técnicas sino también de contenido porque ,a diferencia de su maestro, integran pescadores y veraneantes en la misma escena.

Monet. Camille en la playa de Trouville
Monet. Camille en la playa de Trouville

En la siguientes sección, Escenas en la playa, se acentúan las diferencias entre ambos. Esto es evidente, si se compara, por ejemplo, Escena de playa con marea baja (Boudin, 1867) y Hotel de Roches Noires (Monet, 1870).

En el apartado denominado Pasteles porque es la técnica que empleada en los cuadros que allí se expone, destacan los cielos de Boudin que hizo que Corot lo llamara el rey de los cielos.

La siguiente sección, Variaciones, tiene que ver con el trabajo en serie donde se pinta concentrado un solo motivo y se lo representa bajo distintas condiciones ambientales y lumínicas . Ahí vemos la influencia del discípulo sobre el maestro. En obras como Honfleur, el campanario de Sainte Catherine (1897), La plaza de la Iglesia de Saint-Vulfran en Abbeville (1884) o La colegiata de Abbeville por la noche , Boudin utiliza una pincelada más suelta que refleja más contundentemente la luz sobre lo pintado. Esa influencia la seguiremos constatando en la sección llamada Litoral Agreste donde hay magníficas pinturas de Monet y Boudin sobre el acantilado de Aval en Étretat.

En la séptima sección, Luz, reflejos y efectos atmosféricos, se observa la influencia de Corot en ambos. Aquí se expone el cuadro que pertenece a la colección Thyssen Bornemiza, El puente de Charing Cross donde todo queda difuminado y la niebla es la gran protagonista, así como un lienzo con el motivo de sus célebres nenúfares.

Boudin. Venecia.
Boudin. Venecia.

El último apartado, Viajes al Sur, presenta los cuadros de los dos artistas a partir del encuentro que ambos tuvieron con la luz del Mediterráneo. Monet llegó a pintar más de setenta óleos en Venecia. Hay un cuadro de Boudin: Venecia, tarde. La Riva degli Schiavoni y la Salute (1895) en el que se puede apreciar la influencia del dieciochesco pintor italiano de vedute, Francesco Guardi.

En definitiva, esta exposición nos permite realizar un viaje apasionante hacia los orígenes del impresionismo, conocer la importancia que tuvo un maestro para el desarrollo de un genio de la pintura y poder imaginar la relación entre ambos.

 

Aranjuez ¡el capricho real!

 

Por Vicente López

 

El pasado domingo 10 de Junio se clausuró con gran éxito, la XXV edición de Música Antigua Aranjuez que como todas las primaveras convoca a melómanos y curiosos a disfrutar durante casi un mes de una amplísima recreación de las grandezas musicales y artísticas del pasado interpretadas por los mejores artistas del momento.

Para esta ocasión el programa comenzó con un paseo en barco por el Río Tajo, siguiendo el recorrido que en el siglo XVIII fuera el preferido de los monarcas Felipe V y Fernando VI y cómo no, siguiendo las huellas del gran Farinelli alma indiscutible de aquellas jornadas fluviales. Al término de la navegación, se ofreció en la Capilla Real un concierto de la Accademia del Piacere, dirigida por el gran músico español de origen sirio-palestino Fahmi Alqhai y la inmejorable interpretación de la soprano también española Nuria Rial; con un merecido homenaje a los compositores Sebastian Durón (1660-1716) y José de Nebra (1702-1768) cuyas partituras evocaron y trajeron nuevamente al presente parte de la grandeza musical del pasado.

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Si repasamos un poco la historia nos encontramos que el rey Felipe V estaba aquejado de pena, y fue su médico quien le recomendó la música como terapia; preocupada por el estado de su esposo y el consecuente abandono de sus funciones de Retrato Farinelli - Corrado Ciaquinto hacia 1753gobierno además de un estado de dejadez personal importante, Isabel de Farnesio esposa del monarca y conocedora del tremendo éxito que tenía Farinelli en Inglaterra, decide contratarlo para intentar sacar a su esposo de tan lamentable situación. El contrato que se le ofreció fue más que tentador y así el gran divo vino a España para alegrarle la vida al rey y tal fue el impacto que le causaron las interpretaciones del castrati que hasta tenía que cantarle por las noches para que pudiera conciliar el sueño. Felipe V estaba tan contento que ofreció a su salvador que le pidiese cualquier regalo que le apeteciera a lo que Farinelli respondió “Solo deseo que Vuestra Majestad se deje vestir y afeitar adecuadamente”.

Sin duda Carlo Broschi artísticamente apodado como Farinelli fue el más famoso de los castrados tan de moda por aquellos tiempos. La Iglesia había prohibido que las mujeres cantaran dentro de las iglesias “Mulier taceat in ecclesia” es decir mujer en silencio en la iglesia. Para la suplantación de las voces femeninas se comenzaron a utilizar “Los Falsetti” niños educados para cantar en tonos muy agudos pero que frecuentemente se les estropeaba la voz con el cambio de la adolescencia. Así fue como el mundo lírico encontró en la castración de los jóvenes la solución para que los varones conservaran su voz de soprano en la edad adulta. Esta práctica fue prohibida por la ley aunque la picaresca y la gran oportunidad para salir de la pobreza que representaba para una familia tener un hijo castrati, consiguieron saltarse la legalidad y bajo cualquier excusa médica se realizaban las mutilaciones con total impunidad; solo en Nápoles por esas fechas se contaban alrededor de 4000 niños castratis. Carlo que había sufrido una tremenda caída del caballo al recuperarse del accidente se encontró con que ya había sido castrado bajo prescripción médica y con el consentimiento de su hermano mayor.

Los castrati normalmente eran hombres obesos y de caderas redondeadas, en cambio Carlo tenía un porte elegante y aristocrático además de ser un hombre  alto de gran belleza, magnético y totalmente alejado de la imagen del resto de los castrados. Debutó con 15 años y desde los inicios el éxito lo acompañó arrasando por toda Europa y consiguiendo gran fortuna por ello. Muchas señoras caían rendidas ante él y su fama de amante seguro, lo precedía ya que Carlo no era impotente sino solamente estéril. Fué en Londres donde una enloquecida seguidora pronunciara por primera vez “One God, one Farinelli!!!”, frase que se repetiría  constantemente al finalizar sus actuaciones.

Fernando VI y Bárbara de Braganza en los jardines de Aranjuez

Farinelli llega a la corte española como criado personal solo para el rey y la reina, posición que le otorgaba muchos privilegios y casi una posición de intocable y gran poder sobre las decisiones del monarca. Bajo esta premisas en aquel Aranjuez que ya era un ecosistema lúdico para la realeza se desata toda la imaginación del mundo y deciden transformar aquel cauce tan tranquilo del Tajo  en una de las más grandes atracciones reales, se draga el cauce, se construyen embarcaderos se trajeron marinos especialistas y así nació lo que se conoció como La Flota del Tajo. Una flota cuya única misión era transportar a toda la realeza acompañada por los músicos en tiempos estivales; se embarcaba al atardecer y se regresaba al embarcadero de Palacio después de unas tres horas ya de noche, el cauce se iluminaba con miles de antorchas que se iban encendiendo al paso de las naves. El diseño de estas Aranjuez2Faluas fue responsabilidad de Farinelli  y en ello volcó toda su imaginación, en total eran quince, cinco grandes, ocho botes de remo y dos más, una con forma de venado y otro de pavo real. La Real, en ella solo iban los reyes y un reducidísimo séquito, la tripulación y ocho músicos y, cómo no, Carlos Farinelli, considerado familiar de Sus Majestades. En los momentos cumbres de la música y para no turbarlo, los remeros dejaban de remar y las naves eran remolcadas por otras barcas y así se aseguraba el silencio que el momento requería. Corría el año de 1.752 y estos paseos fluviales fueron muy admirados y vitoreados por los espectadores que se acercaban a los embarcaderos para verlos embarcar no solo a lo más granado de la época, sino también para contemplar toda la parafernalia que implicaba aquellas navegaciones, impresionantes viandas, armas por si se realizaba alguna parada y echar unos tiros en fin toda la pompa real en acción y el momento de la salida se sellaba con una salva de artillería que asustaba a los pavos reales y camellos que por aquel entonces eran parte de la fauna palaciega. Los camellos (dromedarios) de Aranjuez eran famosos y los únicos en toda la península. Se habían traído de Orán para la conservación de los jardines de Palacio ya que sus pisadas apenas dañaban suelos y césped y mantenían a raya el verde de los jardines, otra de las curiosidades que formaban parte del paisaje de aquel Aranjuez tan lúdico como grandioso.

 

Falua Real
Falua Real

Tras la muerte del rey, Farinelli continuó al servicio de Fernando VI, nuevo rey y que sufría de la misma melancolía crónica que su padre y de su esposa Bárbara de Braganza nueva reina y gran melómana, tanto es así de el monarca concedió al divo el título de Caballero de la Orden de Calatrava solo reservado para los más grandes, cuestión que gestó ciertos recelos. Al fallecimiento de Fernando VI, sube al trono Carlos III hermanastro del anterior rey y con su famosa frase “ no me gustan los capones más que en la mesa” despidió a Farinelli después de 25 años de servicio a la corte quien regresa a Italia donde aún seguía siendo muy recordado.

En el Aranjuez del presente ya no quedan dromedarios rumiando bucólicos con sus cadenciosos andares por los jardines de Palacio, ni exuberantes Faluas atracadas en el embarcadero, pero con estos Festivales el Aranjuez  moderno rinde pleitesía a su pasado y abre sus jardines, Palacios, cauces, Museos, Iglesias, plazas y todo este impresionante patrimonio artístico cultural a disposición del visitante, invitando a los más grandes artistas del hoy a remover ecos, desempolvar partituras é intentar recrear parte de la esencia de ese pasado de grandiosidad y como no excesos que forman parte del ADN de esta espléndida ciudad llena de rincones, recuerdos y secretos por descubrir. Aranjuez invita a vivir esta experiencia que se repite cada primavera a todos los viajeros que se animen a pisarla y disfrutarla.Aranjuez

 

Cubierta o portada… ¿qué sabes del diseño de un libro?

Entrevista a la diseñadora Cristina Campos

…«hay ocasiones en las que necesitas defender tu diseño, porque una creación no funciona mejor por ser más bonita. Todo lo que se elige en un diseño tiene una razón de ser».

Por Ana Lucía Ortega

En la sociedad del siglo veintiuno imperan los ruidos. No es una novedad que un desconocido se puede convertir en un personaje de rabiosa actualidad, gracias a la magia –que nadie sabe bien cómo se logra– de pulsar ese misterioso interruptor que le catapulta a la popularidad con el favor del público. O, todo lo contrario, a tornarse en objeto del maltrato y la mala educación de los memes de turno en las redes sociales. Todo es posible gracias a unos pocos caracteres, a unas escenas de un vídeo brevísimo o a unas imágenes. Da igual si son buenos o malos, lo imprescindible es que opriman esa clavija del éxito. Esa infinita y desconocida vara mágica, que algunas veces roza la insensatez.

Ante la imperante saturación de imágenes, surge la duda de cómo puede destacar una de ellas entre tantas otras. La industria editorial es uno de los sectores abocado –y quizás ya con el agua al cuello– a una atroz competencia. El debate entre el papel y el formato digital, ha sido superado por la avalancha de autores indies que parece incontrolable, con la consiguiente democratización del proceso de edición tradicional. Surge otra duda: la de cómo podrá sobrevivir en la era del ruido el profesional del diseño gráfico, de la imagen, ése que estudió bajo unos cánones aprendidos en el siglo pasado… y que cuenta con la destreza básica para hacer un trabajo de calidad.

Para intentar descifrar estos «enigmas» entrevisto a la diseñadora Cristina Campos:

     ¿Qué significa para ti el trabajo que desempeñas?

Es una forma de expresarme, es lo que más me gusta, sentarme a solas con mis ideas e intentar interpretar lo que el cliente quiere mostrar al público.

     ¿Qué te motivó a cursar estudios de diseño gráfico?

Me gusta poder representar una idea sobre un papel o un soporte digital. Enfrentarte a un “lienzo en blanco” es un reto que a veces asusta, pero que me encanta.

      Teniendo en cuenta cómo avanza en la actualidad el escenario de las nuevas tecnologías, ¿estimas que el diseño es una de esas profesiones que exige un reciclaje continuo o lo estimas irrelevante?

Si, considero que en diseño necesitas actualizarte constantemente, desde los programas que se utilizan, que van variando ,e incluso algunos quedan obsoletos, hasta la forma en que muestras tu trabajo al público objetivo.

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       ¿Podrías referirte al papel que juega el diseñador de cubiertas de un libro y en general de cualquier material gráfico?

Creo que el diseñador es el que muestra al comprador potencial delante de qué tipo de libro está. Debemos tener la capacidad de transmitir a través de las imágenes, del color, de la tipografía… de qué trata ese libro. Es importante hablar con el autor, leer la sinopsis del libro, saber qué tipo de relato es, en que época se desarrolla, sobre qué trata, e intentar acercarnos lo más posible a esa persona a la que el escritor se dirige. Será un éxito si entre todos los que hay expuestos, el nuestro es el que llama la atención de esa persona que quiere ese tipo de publicación.

      ¿Un diseñador gráfico debe tener cualidades especiales? En caso afirmativo, ¿cuáles deberían ser? 

Yo pienso que ante todo debe ser creativo, poder expresarse por medio de la imagen, y por supuesto, tener formación en los programas de diseño y estudio sobre tipografía, teoría del color etc.

      ¿Cómo es el proceso creativo de un diseñador y el tuyo en particular?

En general, la editorial me da el título del libro (que es importante), y una sinopsis del mismo. A partir de ese momento, yo pienso cuáles serían las imágenes que cuadrarían con lo que quiero transmitir, y qué color o colores debo elegir. Luego hago varias pruebas y estudio cuál se adapta mejor a la idea que quiero. Entonces elijo una y la desarrollo de manera más exhaustiva. En general suelo presentar varias propuestas.

      ¿Tienes preferencia por trabajar en un sector concreto, diseño editorial, multimedia, diseño gráfico…etc.?

Me gusta el diseño en general, pero mis estudios los he enfocado más al diseño gráfico. Dentro de éste, el diseño editorial es en el que he trabajado más a gusto. Me encantan los libros, me encanta leer y me encanta diseñar. Si juntamos todo el diseño editorial, es la respuesta más acertada.

     ¿Se diferencia una portada de una cubierta? ¿Puedes abundar sobre esta diferencia para que lo entendamos los profanos en la materia?

Si, son diferentes. Básicamente, la cubierta de un libro es lo que lo cubre, lo que está en el exterior del libro. Y la portada está dentro del mismo. El diseñador realiza cubiertas. El interior del libro, si es un libro de lectura, suele realizarlo el maquetador.

      ¿Cuánto tiempo de media se debe dedicar a la creación de un producto de diseño, tanto editorial como multimedia?

El tiempo es muy relativo. La creación de un diseño puede variar desde unas horas hasta días. Hay veces que te pones a trabajar y la idea llega enseguida, y además eres capaz de desarrollarla con rapidez; otras, en cambio, vas desechando trabajos porque no te terminan de convencer.

      ¿Qué consideras más importante en un diseño: las imágenes, la composición o la tipografía?Cristina Campos_arte-y-enigma

Para mí, en el diseño, todo, absolutamente todo, es importante. Las imágenes, la composición, la tipografía, el color. Todo forma un conjunto que es lo que da sentido al diseño.

       ¿Has tenido algún trabajo que haya sido rechazado varias veces por un cliente? ¿Cómo lo has afrontado?

Sí. Hay veces que un cliente tiene una idea predefinida de lo que quiere en su mente y no sabe expresarla, o ni siquiera sabe que la tiene, y lo que presentas no acaba de encajarle. Yo muestro varios diseños diferentes, así el cliente podrá guiarte por lo que más le gusta. De todas formas hay ocasiones en las que necesitas defender tu diseño, porque una creación no funciona mejor por ser más bonita. Todo lo que se elige en un diseño tiene una razón de ser.  Voy a ponerte un ejemplo: una vez me encargaron un diseño para un público objetivo entre 15 y 19 años. La persona que lo solicitaba rondaba los 50. A él no le convencía, y yo le contesté: «Entonces está bien, porque no va dirigido a hombres de 50 si no a chicas de entre 15 y 19». Él no se sentía identificado con el diseño del producto, pero él no iba a comprarlo.

      ¿Qué porcentaje atribuyes a la cubierta para el éxito de un libro?

Para mí, el éxito del libro depende del escritor. Porque un libro funciona si lo lees. No lo vas a leer porque la cubierta te guste. Ahora, si la cubierta es mala, seguramente ni lo comprarás y no tendrás la oportunidad de empezar a leerlo.

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       En estos momentos, qué líneas, diseños o tendencias son los más populares a nivel mundial en el diseño editorial?   

Creo que podemos hablar de tendencia en el diseño gráfico, en el diseño web o multimedia, que siempre varía y es bueno conocerlos para saber si usarlos o no. Pero en diseño editorial, para mi claro, siempre dependerá del libro. El escritor marca la tendencia de su diseño. Un libro vive en el “tiempo” en que el escritor decide.

      ¿Qué impacto supones que puede tener la aparición de obras autopublicadas en el comportamiento actual de la industria editorial?

El diseño de una cubierta, según mi parecer, debería dejarse siempre en manos de un profesional. Pero no sé si afecta mucho la autopublicación. En el campo del diseño siempre ha habido intrusismo. Hay autores que llevan su libro a las editoriales, y ellos mismos o algún amigo que sabe usar Photoshop, “diseña” la cubierta. La ven “bonita” y ya está, pero no debe ser “bonita”, debe funcionar y para eso existen todos los fundamentos del diseño, para aplicarlos en una estructura que funcione.

Cristina Campos estudió Diseño Gráfico y Multimedia en el Centro Universitario de Artes TAI , y amplió sus estudios en la Escuela de Artes Gráficas de Tajamar. Hizo un curso de Fotografía en el Centro Buenavista.

Fue socia de la Empresa Grupo Diseño que le permitió trabajar con editoriales como ANAYA, PEARSON EDUCACIÓN, ALGAIDA, ESPEJO DE TINTA… y realizar trabajos de imagen corporativa y páginas web para diversas empresas. Trabajó para Mítica Comunicación en el departamento de desarrollo web. Su portfolio está disponible en el enlace que verás debajo:

Diseño

Las imágenes de este artículo proceden de la página de la diseñadora Cristina Campos (todos los derechos reservados)

Mujeres danzándole a la vida

Mujeres danzándole a la vida

La Fundación Telefónica exhibe en la cuarta planta de su sede de la calle Fuencarral número 3, la exposición “La bailarina del  futuro. De Isadora Duncan a Joséphine Baker” hasta el día 24 de junio de 2018. Este formato pretende sumergir al visitante en las figuras revolucionarias de la danza moderna a través de la vida personal y profesional de siete pioneras bailarinas y coreógrafas de diferentes nacionalidades. Las estadounidenses Isadora Duncan, Loïe Fuller, Martha Graham y Doris Humphrey, la francesa Joséphine Baker, la alemana Mary Wigman y la española Tórtola Valencia son las elegidas para este proyecto. Siete mujeres que vieron la necesidad de reivindicar, a través de la liberación del cuerpo y del alma, el rígido canon del ballet romántico y que han contribuido a convertir la danza moderna en una nueva forma de arte.

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En ACPI hemos tenido el privilegio de contar el pasado 5 de marzo con el escritor y dramaturgo Don Francisco de la Torre y Díaz-Palacios, que dio una conferencia centrada en la vida de la bailarina Isadora Duncan y de cómo esta hizo de su pasión su vida. Desde la Asociación invitamos a todos nuestros lectores y socios a acercarse a la Fundación Telefónica a visitar esta exposición para poder seguir descubriendo el importante legado que han dejado, no solo Isadora, si no estas siete bailarinas, en la sociedad un siglo después.

Redacción: María Valbueno y Carmen Amado, Universidad Pontificia Comillas, Relaciones Internacionales

Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan

Con ocasión de la reciente celebración del Día Internacional de la Mujer ofrecí una conferencia titulada «Amor, pasión y tragedia en la vida de Isadora Duncan», pareciéndome oportuno ahora dedicar unas líneas sobre la personalidad de mujer tan extraordinaria que acaso no supe destacar lo suficiente, convencido de que la palabra oral no permite a veces ahondar en matices interesantes.

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Por ello, quiero centrarme ahora en el mérito de esta gran bailarina, con independencia de su vida amorosa y sus veleidades amorosas, porque me parece más interesante resaltar su condición femenina, que desde niña supe encauzar hasta niveles sobresalientes sin que tuviera la oportunidad de formarse en estudios superiores, ni siquiera en los básicos. De inteligencia despierta y atrevida, desde su más tierna infancia, a proyectos superiores supo alzarse hasta costas insospechadas. Ciertamente, su madre era profesora particular de piano y una tía aficionada a la poesía, pero ni una ni otra parecieron preocuparse por la preparación usual de una niña, que en este caso apuntaba cualidades destacadas.

Sí acudió en los primeros años a una escuela pública, pero se rebeló enseguida por considerar que allí no entendía nada y lo que vislumbraba no figuraba en los planes escolares. Ella tuvo muy claro, desde el principio, la belleza del mar y el esplendor de la Naturaleza y sintió muy pronto la fascinación por lo uno y lo otro, que su cuerpo le pedía movimiento y su intelecto le exigía imitación.

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Advirtió que las limitaciones hogareñas y el ámbito en que se movía eran topes que se alzaban ante sus sueños antes de alzarse en proyectos, y convencida de su capacidad para emular el esplendor la Diosa Tierra se propuso dedicar progresivamente su mejor tiempo a dar forma bailando a la contemplación de un amanecer como a la grandeza del océano. Y junto a este sentir le atrajo la manifestación de los sublime en su más amplía expresión: la atracción por las grandes obras de artífices inolvidables, el estudio de la filosofía alemana, la percepción de piezas poéticas magistrales, el seguimiento de notables textos místicos, etc.

Aspectos todos ellos que llenaron innumerables jornadas de su existencia, relativamente breve pues murió a los cincuenta años de edad. Así, aún careciendo de actuaciones escénicas llenaba su tiempo con visitas exhaustivas a los grandes museos (el Louvre o la National Gallery) o se deleitaba en noche sin sueño con la lectura minuciosa de la Divina Comedia o se conmovía hasta el éxtasis al contemplar los grandiosos restos de la arquitectura griega, recitando espontáneamente en su primera visita: ¡Henos aquí, después de tantos trabajos, en la sagrada patria de la Hélade! ¡Salud, olímpico Zeus! ¡Y Apolo! ¡Preparaos, oh Musas, a bailar de nuevo! ¡Nuestros cantos despertarán a Dionysos y a las bacantes dormidas…!

Asimismo, no puede extrañarnos su deleite ante la contemplación de «La Primavera» de Botticelli, confesando: «Bailaré este cuadro y transmitiré a los demás el mensaje de amor, de primavera, de creación de vida que yo he recibido con tanta emoción. A través de la danza transmitiré mi éxtasis». Y sensacional fue su danza, acompañada de un joven compositor, de unos «Nocturnos» de Chopin y los «Sonidos sin palabras» de Mendelssohn en el Threatre Sara Berndardt de París, presentándose «envuelta en unas telas flotantes y con los pies desnudos».

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¡Qué huella nos dejó esta mujer! Supo soñar despierta con grandes sueños; adquirió, sin los medios habituales, un formidable bagaje cultural; rompió la tradicional disciplina de los grandes ballets con originales y bellísimos planteamientos, demostró a las mujeres que no existe frustración en su sexo si ponen de relieve talento y dedicación, generando en definitiva admiración y recuerdo.

Francisco Torres y Díaz Palacios

La plenitud, en Isadora Duncan

La plenitud, en Isadora Duncandunc.lrg

Juan José Echevarría

La vida de Isadora Duncan centró la conferencia del escritor Francisco de la Torre, en la que analizó la vida de una artista que hizo de lo desmedido su seña de identidad, adecuada a los tiempos que le tocó vivir, una época finisecular marcada por un Romanticismo que liberó al yo subjetivo y lo hizo creador. Una bailarina y coreógrafa que asombró al mundo en busca del conocimiento y del arte completo, donde la música se ensamblaba a las demás artes, en una sincronía armónica que presagió las vanguardias.

Desmedida en el arte y en el amor, donde, al modo de una tragedia clásica sufrió el ahogamiento de sus hijos y  el desdén de amantes que nunca comprendieron la pasión ilimitada de una mujer que hizo del arte su vida. El poeta y dramaturgo Francisco de la Torre nos la glosó en un evento, tras el cual los socios de la Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana participaron en un vivo debate que rememoró a un ser humano que quiso alcanzar la plenitud.

Imagen 1Reseña del conferencista: Francisco de la Torre y Díaz-Palacios es un poeta, narrador, dramaturgo, licenciado en Derecho en la Universidad Complutense de Madrid y Colegiado en 1965 en el I.C deAbogados de Madrid. Ha publicado diversos libros de relatos y poemas, como Con otro final o Francisquerías, ha estrenado dos  comedias dramáticas y es autor de varias comedias breves. 
Ha colaborado como columnista en varios periódicos y revistas como Espiral de las Artes, Luces y sombras o el La Voz del Tajo composiciones musicadas, por Francisco Barba Giménez. Es un lector infatigable, un hombre abierto a problemas actuales y asistente a numerosos encuentros y tertulias.

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Atraer a los jóvenes a la Zarzuela: El proyecto Zarza y El dúo de la Africana

 

Por Norma Sturniolo

 

¿Cómo hacer para que el público juvenil se acerque a la Zarzuela?

¿Cómo darla a conocer? ¿Qué cambios son necesarios para captar la atención de los jóvenes?

Estas preguntas están encontrando acertadas respuestas en el Proyecto Zarza que se inició el año pasado y que ofrece zarzuela interpretada por jóvenes, para jóvenes, aunque como se ha visto por el entusiasmo despertado también en los adultos, podríamos decir que tiene edad de partida, pero no de llegada. Eso sí, el objetivo prioritario es seducir a los jóvenes que, en su mayoría desconocen y desconfían del atractivo de este género que es patrimonio cultural español.

Daniel Blanco, el director del Teatro de la Zarzuela está totalmente comprometido con este proyecto. Desde el primer momento

Daniel Blanco director del teatro y Susana Gómez, directora de escena
Daniel Blanco director del teatro y Susana Gómez, directora de escena

dejó claro que tenía una vocación de contemporaneidad y que quería seducir a todo tipo de público. Cuando fue elegido como director del Teatro de la Zarzuela hizo una afirmación que creo apropiado recordar: «Prefiero la curiosidad del descubrimiento a la dinámica del recuerdo».

Podemos asegurar que esta versión de El Dúo de la africana, la obra elegida en esta ocasión, ha sido un descubrimiento sorprendente para quienes hemos asistido a su representación.

Hay que destacar el acierto en la elección del título. La obra del compositor Manuel Fernández Caballero y del libretista Miguel Echegaray, estrenada en el Teatro de Apolo en 1893 con un éxito rotundo, tiene todos los ingredientes para hacer disfrutar al público, tanto por su música como por el chispeante humor que destila el texto y su interesante uso del teatro dentro del teatro. Con todo, para conseguir el objetivo de atraer a un público joven del siglo XXI hay que realizar algunas intervenciones que transformen el lenguaje del siglo XIX en un lenguaje de hoy.

 

Y eso lo consigue la versión libre de Susana Gómez, quien también es la directora de escena. Además, las modificaciones y cortes realizados en el texto no alteran el significado y sentido de la obra original sino que la vuelven más accesible para los jóvenes de hoy. Los colores vivos y el estilo desenfadado de los trajes diseñados por Gabriela Salaverri subrayan el carácter alegre y actual de esta versión. Y cuando en el texto original se nos muestra los entresijos del trabajo teatral con las audiciones para seleccionar cantantes, se introduce una estética actual que se asemeja a los concursos televisivos.

 Y por supuesto, la energía que transmiten los jóvenes intérpretes nos devuelve un espectáculo actual, lleno de vitalidad.

Otro acierto ha sido emplear un pequeño grupo de cámara bajo la dirección musical de Miguel Huertas y asimismo, dar un gran protagonismo al coro que, por otra parte, también lo tenía en la versión original.

Hay que destacar el compromiso de los jóvenes intérpretes que ponen su entusiasmo y su buen hacer.

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En cuanto a Alberto Fría y Talía del Val salen totalmente airosos del famosísimo dúo.

El público disfrutó mucho, fue participativo y salió con una sonrisa en los labios.

Hay que dar la enhorabuena a esta inteligente iniciativa que establece un puente enriquecedor entre el hoy y el ayer. Más de un Muy bonitaespectador desconocedor del género querrá ir a la fuente original y saber más de esos creadores que enriquecieron nuestro patrimonio musical.

 

Dibujo y arte contemporáneo

Madrid, 26 de febrero.-  La tercera edición de Drawing Room Madrid, feria de dibujo contemporáneo – celebrada del 21 al 25 de febrero – clausuró el domingo pasado su tercera edición tras recibir los elogios de público, coleccionistas y crítica. «Gracias a su crecimiento y a su nueva ubicación, donde conviven la arquitectura clásica con la creación contemporánea, Drawing Room se ha convertido en un lugar de encuentro obligado para todo amante de la práctica dibujística», señala Mónica Álvarez Careaga, directora de la feria.

Desde el pasado miércoles y hasta el domingo más de 11.000 personas visitaron el salón de baile del Círculo de Bellas Artes. Coleccionistas, artistas, galeristas, comisarios, directores de centros de arte y profesionales del arte han acudido durante estos cinco días a la feria para constatar su crecimiento y confirmar su reafirmación como un lugar de referencia en el mundo del dibujo y del arte contemporáneo.

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Alto nivel de satisfacción entre galeristas y artistas
El alto nivel expositivo de las 30 galerías seleccionadas para participar en esta tercera edición de Drawing Room, así como el nivel de ventas que obtuvieron las mismas, han sido los dos elementos sobre los que se articula la satisfacción vivida al cierre de la feria. «Quiero repetir en la próxima edición, ciertamente estar en Drawing Room es un indicativo de que tienes un nivel muy bueno porque hay mucha calidad aquí» señala el galerista lisboeta Carlos Carvalho.

La diferenciación del proyecto, frente a la gran oferta cultural que trae a Madrid la semana del arte, ha sido otro de los puntos fuertes para Ramón García, de la galería madrileña My Name´s Lolita Art: «La feria ha tenido un nivel muy alto. El público asistente ha sido también muy apropiado para este tipo de encuentros, es una feria muy escogida, mucho más definida». Por su parte desde la galería mallorquina Fran Reushan señalado que «el público valora que esta sea una feria especializada, porque tiene entidad propia. En este espacio la obra luce muy bien y la buena selección de galerías acompaña».

Por el lado de los artistas Ángeles Agrela, uno de los grandes nombres de esta tercera edición, ha resaltado «la riqueza de propuestas, calidad y maravillosa ubicación».

Premios para los mejores proyectos

 

Proyecto de Miquel Mont en la Galería Trinta | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room
Proyecto de Miquel Mont en la Galería Trinta | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room

Un año más DRAWING ROOM Madrid ha sido también un lugar de reconocimiento al trabajo creativo de los artistas y a la labor esencial de los coleccionistas, materializado en la entrega de diversos premios.El premio colección Kells fue otorgado a Philip Patkowitsch representado por el espacio austriaco Bechter Katowsky Galerie. El comité curatorial de la feria concedió el premio IMEM a Berta Cáccamo, de galería Trinta de Santiago de Compostela. Sin duda una de las grandes premiadas fue la Galería Art Nueve (Murcia) ya que obra de dos de sus artistas, Pablo Capitán del Río y Sergio Porlán, pasó a formar parte de las colecciones Campocerrado y DKV Arteria, respectivamente.Además de estas adquisiciones obra de Nieves Torralba (a cargo de la galería Shiras, de Valencia) fue adquirida por la colección Navacerrada y la galería parisina Jean-Louis Ramand ganó el Premio SetUp Contemporary Connection, otorgado por la feria de arte italiana SetUp Fair, que les garantiza su participación en la próxima edición de esta feria.II Encuentro Internacional Coleccionar dibujo contemporáneo en museos y centros de arte

Durante el pasado jueves día 22 Drawing Room celebró el II Encuentro Internacional Coleccionar Dibujo Contemporáneo en el Museo ABC de Dibujo e Ilustración. En esta ocasión se sumó a la iniciativa el apoyo de AC/E (Acción Cultural Española).En el encuentro participaron Katharine Stout, directora adjunta de ICA, Londres; Brett Littman, director de The Drawing Center, Nueva York y Tobías Burg, conservador de dibujo y grabado del Museum Folkwang, Essen, Alemania. Todos ellos abordaron cómo el dibujo contemporáneo ocupa un lugar valioso en sus museos y centros de arte, especializados en esta práctica artística.Por tercer año consecutivo la variedad y calidad de las propuestas seleccionadas para Drawing Room demuestran una vez más la riqueza de la práctica dibujística y auguran una fantástica cuarta edición.Texto Enrique LLamas.

 

Foto de portada:

Proyectos de Ángeles Agrela y Javier Calleja en la galería Yusto//Giner | © Jesús Varillas, cortesía Drawing Room

El impacto de las 90 meninas gigantes en Madrid

 

 

El impacto de las 90 Meninas que invaden Madrid

Por María Valbueno

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Madrid es una de las capitales más turísticas y emblemáticas de Europa que ofrece una calidad de vida muy por encima de los demás países. El turismo y la cultura están en constante fusión dentro de su metrópolis y es inevitable que se quiera mantener estas ráfagas de pasión por la tradición, pero también por aquello que nos queda por descubrir.

Desde abril hasta julio de este año, 90 Meninas gigantes de dos metros de altura, conquistarán las calles de Madrid, aunque las primeras ya se pueden ver en algunos rincones clave de la capital. La idea de poner estatuas de Meninas por todo Madrid refleja la importancia de mantener la ciudad latente, mejorar el turismo, reforzar la imagen de la ciudad y agradar a todos aquellos que pasean por sus calles. Estas estatuas potenciarán la sed de conocimientos de los habitantes y de los turistas, y llamarán la atención de miles de personas, poniendo el arte y la cultura al alcance de todo el mundo.

Imagen Cortesía de Europa Press

Cada menina estará pintada de manera distinta, con diseños y letras que representarán en conjunto, la esencia madrileña. Este proyecto gratuito para aquellos curiosos que quieran ver la exhibición callejera, les acercará a un icono de Madrid. Con solo recorrer los bulevares tendrán la oportunidad de disfrutar del arte contemporáneo al aire libre. La diversidad y la libertad de expresión se juntan y convertirán a esta ciudad en un lugar acogedor y respetuoso, dónde las personas podrán ver la capital de manera distinta y dónde aprenderán que la expresión de los sentimientos puede aparecer en cualquier rincón.

En el 2009 ya hubo una tendencia similar con el Cow Parade, vacas hechas de fibra de vidrio, pintadas por artistas anónimos que invadieron las calles de Madrid de enero a marzo. Cualquiera podía pintar una y fue un triunfo mundial que comenzó en Zúrich. Las vacas que sufrieran desperfectos las llevaban al Hospital Universitario Niño Jesús para cuidarlas y que así, los niños que estaban en el hospital olvidasen durante unas horas su situación personal. Se recaudaron millones de euros para proyectos solidarios y muchas ciudades del mundo amanecieron con vacas pastando en sus calles. Estos proyectos artísticos son mucho más que una forma de adornar una ciudad, son una mezcla de cultura y solidaridad que se fusionan para dejar a todos perplejos y al mismo tiempo ayudar a aquellos que más lo necesitan. Nos hace ser conscientes de aquello que nos rodea y llena nuestras calles de color y fantasía. Por esta razón, el impacto de las meninas será incalculable, algo que no podremos contar ni medir con las manos, pero sí con la imaginación. Este arte urbano llegará a su fin en julio, cuando el creador desvelará el secreto oculto detrás de las meninas, y solo entonces éstas se subastarán y aquello que se recaude, irá destinado a ayudar a niños y adolescentes con cáncer, una iniciativa que le cambiará la vida a muchos.

Colaboración especial de María Valbueno

Relaciones Internacionales de la Universidad Pontificia 
de Comillas

 

 

Mirta Narosky expone en Barcelona

 

 

 

Mirta Narosky expone en Barcelona

Esta próxima semana se inaugurará en la Ciudad Condal “Encuentros – Diálogos de Arte”, una exposición colectiva de artistas de prestigio internacional, entre los que se encuentra Mirta Narosky, pintora argentina, profeta en su tierra, mujer comprometida con la honestidad de sus creaciones y con un dominio de la técnica incuestionable.

Profesora y Licenciada en Artes Plásticas, comparte desde hace más de una treintena de años tiempo y conocimiento con sus alumnos. A cambio el feed-back que recibe de ellos es un poderoso cable a tierra y fuente de inspiración permanente; como ella misma manifestara en alguna entrevista “no tengo manos ni tiempo suficientes para todo lo que tengo que pintar”.

 

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Trabajadora incansable considera que ser artista es mucho más que un oficio o una impecable realización, sino que tiene que ver con una forma de ver el mundo, una capacidad de objetivar la realidad, tomar distancia, sostener una ética y defender una estética, en definitiva una forma diferente de vivir la vida.

 

 

Narosky propone en su obra una nueva realidad diferente a la natural, aunque en gran medida esos remolinos impetuosos tan característicos de su más reciente obra, crean una especie de lenguaje que nos traslada y transmite la creación de una energía compulsa, sin fin y a su vez creadora de una gran tensión. Este lenguaje visual propio realizado a través de formas abstractas, va haciendo foco en los detalles estructurales, formales y cromáticos que se ven agudizados a través de su valor y poder expresivo.

 

 

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Giros, círculos y estructuras que sugieren conductos, sistemas de comunicación con el universo o tal vez canales arteriales que a través de la expresividad del color, crean una emoción en el observador similar a un intercambio de oxígeno y sensaciones entre autor y espectador o quizás una aproximación al lenguaje divino de la creación.

Mirta Narosky, una gran artista que nos llega de “el sur del sur” premiada por el mundo , nos presenta en la gran capital del norte mediterráneo una muestra de su obra que sin duda no dejará indiferente a nadie.

 

Vicente López Pérez

 

 

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