Unas horas en la Universidad de Navarra

Museo Daniel Canogar
Obra Sikka Ingentium

 

Por Luis Villanueva de San Sebastián

Contactar con el autor: luism.villanueva@yahoo.es

Conocía muy poco de la Universidad de Navarra en Pamplona. Para ser precisos, yendo en coche, había contemplado el bonito Campus de más de cien hectáreas, ocupado por los edificios, el arbolado y un cuidado césped. Sabía que se trataba de una Universidad de prestigio, que estaba bien clasificada en los ránquines nacionales e internacionales, pero poco más.

Juan Flaquer, amigo y profesor de Tecnun —la Escuela de Ingenieros de la universidad de Navarra en San Sebastián— me propuso visitar el Museo de la Universidad de Navarra en Pamplona. Me pareció muy buena idea. Así, no solo vería el edificio —obra de Rafael Moneo— sino, en su interior, disfrutaría de la colección de arte donada por María Josefa Huarte; también de la obra de Daniel Canogar —una pieza con más de dos mil cuatrocientos DVD, distribuidos en una pared de dieciocho metros de base por tres metros de alto— e incluso del legado fotográfico de Ortiz de Echagüe, junto con todo lo que diera tiempo a ver. Finalizada la visita intentaría conocer de cerca el Campus.

Dicho y hecho. Salimos a media mañana en dirección Pamplona. Dejando el coche aparcado en el parking del Museo, nos adentramos en su interior, no sin antes contemplar la bella factura del conjunto. Verdaderamente Moneo hace honor al premio Priztker que lo consagra como uno de los grandes de la arquitectura mundial. Tuve que pagar una ínfima cantidad por superar una determinada edad. No quiero describir en las líneas que siguen todo lo que contemplé a lo largo del día, más bien aportar algunas impresiones.

Fue común denominador de toda la visita descubrir la limpieza, el orden, el buen gusto, así como palpar un trato delicado (por no decir exquisito) en quienes nos atendieron. Tuvimos la ocasión de saludar a Jaime García del Barrio, actual Director del Museo, quien gastó parte de su precioso tiempo en guiarnos por el edificio e incluso nos enseñó el Auditorio del que quedamos muy impresionados. Setecientas plazas, según nos dijo, con posibilidades de una gran variedad de eventos. Constatamos que la sonoridad era magnífica.

Un impacto especial me lo produjo la obra de Canogar ya citada. Sobre las caras de los DVD se proyectan de modo sincronizado, mediante cinco proyectores, trozos de películas presentadas en diferentes festivales de cine de todo el mundo. La obra se llama “Sikka Ingentium”.

Es un auténtico espectáculo de imagen, luz, movimiento y sonido. Las imágenes dinámicas se reflejan en la pared paralela y en el suelo. La música es de Alexander MacSween, con participación de Canogar. La producción es del propio Museo, con la colaboración de la Fundación Aquae, según me informé posteriormente.

Museo Daniel Canogar Obra Sikka Ingentium
Museo Daniel Canogar
Obra Sikka Ingentium

Seguidamente pasamos a la visita guiada del Campus. En primer lugar nos dirigimos al edificio central, el más representativo, cuyo arquitecto fue Fernando de la Puente, a comienzos de los sesenta. Impacta el hall de entrada, el patio central y la escalera noble que conduce a la zona de Rectorado. Por esta escalera desfilan los profesores con sus vestes académicas hacia el Aula Magna con ocasión de los actos importantes, como por ejemplo, en la investidura de los Doctores Honoris Causa.

Ya en el primer piso, destaca el Salón de Grados, con los cuadros al óleo de los dos primeros Grandes Cancilleres, San Josemaría Escrivá y el Beato Álvaro del Portillo, así como los de los antiguos Rectores.

Se nota que todo ha sido pensado para durar siglos. Ni una mota de polvo, ni un papel por los suelos, ni un roto, ni una bombilla fundida. Se percibe el cuidado de las cosas pequeñas, como me explicaba el profesor, mientras una de las secretarias del Rectorado, María Barcaíztegui, nos acompañaba yendo por delante y aportando cantidad de datos.

Bajamos al bar estudiantil, el Faustino, verdadero contrapunto de todo el lugar. Allí se percibe la camaradería entre los alumnos y las buenas relaciones de alumnos y profesores, conversando amigablemente en la barra o sentados en las mesas tomando unos refrescos.

Todo me parecía muy familiar. Resulta que ya conocía a María, por ser hija de unos amigos míos y también a Juan, el responsable del Faustino.

Una vez en el exterior nos dirigimos al Edificio Amigos de Juan Miguel Otxotorena, arquitecto, construido poco antes que el Museo. El nombre del edificio se debe a la Asociación de Amigos de la Universidad de Navarra, responsable de la financiación del mismo con la ayuda de muchas personas que comprenden lo que supone la Universidad para la sociedad.

 

Museo en la Universidad de Navarra Vistas al campus
Museo en la Universidad de Navarra
Vistas al campus

Dentro del mismo se halla principalmente la Facultad de Económicas. El hall es muy amplio. Intentamos entrar en el Oratorio, pero desistimos porque estaba teniendo lugar en ese momento una misa.

Luego visitamos la Facultad de Comunicación, del arquitecto Ignacio Vicens. Las aulas me parecieron auditorios. Vimos un plató y los estudios de grabación. Llama la atención un gran mural del pintor Fernando Pagola.

Delante de la fachada se extiende una gran plaza flanqueada por la nueva Biblioteca, que también visitamos, y el Edificio Amigos ya citado.  Me sorprendió la carencia de ventanas exteriores y sin embargo la buena luminosidad interior. Todo el conjunto me agradó sobremanera. ¡Dan ganas de matricularse!

Se echaba el tiempo encima y se nos ocurrió comer en los comedores universitarios, como unos estudiantes más. Hicimos cola, nos servimos con bandejas y nos sentamos en una mesa corrida. El ambiente era universitario “a tope”. Se añadió José Ignacio Nava para estar con nosotros, ingeniero de Tecnun, que es responsable del programa Campus Inclusivo, para la continuación de la formación universitaria que reciben las personas con capacidades diversas. Fue casualidad, pues con el nuevo comensal me unían, sin saberlo, cantidad de amigos comunes. Está claro que universidad y universalidad son términos entrelazados.

Después del almuerzo nos tomamos un café en el Faustino y seguidamente nos dirigimos a la Ermita de la Universidad, dedicada a la Madre del Amor Hermoso. El año pasado se cumplía el cincuentenario de la llegada de la imagen al Campus.

Se trata de una escultura en mármol, en tamaño natural, de la Virgen sentada con el Niño bendiciendo este, de pie, sobre un montón de libros académicos. La obra es del escultor italiano Emilio Sciancalepore, donación de San Josemaría en el año 1965. La bendijo el Papa Paulo VI en Roma al año siguiente, y ese mismo año 1966 fue trasladada a la Ermita donde se encuentra actualmente.

Delante de la imagen estuvimos largo rato. Como la Ermita está en un lugar de paso abierto a la ciudad, era frecuente que pasaran cerca muchas personas. Me gustó  verlas mirar o saludar a la Virgen, e incluso acercarse y rezar brevemente.

Mi amigo, el profesor, me contó que en determinadas fechas alumnos y alumnas de los Colegios Mayores van a rondar a la Virgen cantándole canciones, acompañadas por las guitarras.

Estas líneas son como flashes, recuerdos que se quedan en la retina y en la memoria, de unas horas inolvidables, en las que uno vuelve a ser joven (aunque nunca haya dejado de serlo).

Tengo una segunda oportunidad para completar la visita, ya que estoy invitado, como miembro de la ACPI (Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana), al espectáculo de flamenco de la Compañía de María Pagés que inicia la temporada de eventos del Museo y, al día siguiente, participo en tres sesiones que organiza la ACPE (Asociación de Corresponsales de Prensa Extranjera) con la Universidad de Navarra.

 

 

La venezolana Yolanda Pantin, ganadora del XVII Premio Casa de América de Poesía Americana

Nota de prensa

 

El jurado del  XVII Premio Casa de América de Poesía Americana, reunido en Casa de América y compuesto por Luis García Montero, Jesús García Sánchez, Juan Malpartida, Jorge Galán, Santiago Miralles y Anna María Rodríguez Arias como secretaria, decidió por unanimidad otorgar el galardón a la poeta venezolana Yolanda Pantin por su obra “ Lo que hace el tiempo”, de la que el jurado destaca que “se trata de un poemario íntimo que activa al mismo tiempo las regiones de la meditación y el pensamiento. Con gran fuerza narrativa y simbólica, el libro avanza desde un sujeto ficticio cargado de expresividad e imaginación. El tono es contenido. Y elegante en su brevedad formal y su pureza estilística. El paso del tiempo y la memoria son un tenue hilo conductor en el que se van engarzando los poemas, con un brillo a la vez común y distintivo”.

El premio, convocado por Casa de América con la aspiración de estimular la escritura poética en el ámbito americano, está dotado con cinco mil euros e incluye la publicación de la obra por la Editorial Visor Libros.

Yolanda Pantin nació en Caracas en 1954. Estudió Letras en la Universidad Católica Andrés Bello. Poeta, ensayista, editora, autora de libros para niños.

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Ha publicado Casa o lobo (1981), Correo del corazón (1985), La canción fría (1989), Poemas del escritor(1989), El cielo de París (1989), Los bajos sentimientos (1993), La quietud (1998), El hueso pélvico (2002),Poemas huérfanos (2002), La épica del padre (2002), País (2007), 21 caballos (2011).

En 2014 la editorial Pre-textos publicó País, poesía reunida 1981-2011. Ha sido invitada a participar en festivales, simposios, lecturas de poesía en España, Francia, Italia, Argentina, Perú, Uruguay, USA, México, Colombia, Portugal, El Salvador, Guatemala, Holanda, Portugal, entre otros países. Ha sido traducida parcialmente al inglés, francés, alemán, holandés, portugués.

En 1989 recibió en Caracas el Premio Fundarte de Poesía. Fue becaria de la Fundación Rockefeller en Bellagio Study Center. En 2004 recibió la Beca Guggenheim.

Fundó y fue miembro del consejo del Fondo Editorial Pequeña Venecia; fundó y codirigió la revista El puente, pensar en Venezuela junto con Igor Barreto y Michelle Ascensio, en Caracas; fue directora adjunta de la Fundación Casa de la Poesía Juan Antonio Pérez Bonalde, en Caracas. Fue directora de museología del museo de arte contemporáneo Alejandro Otero (MAO) también en Caracas.

La VI Muestra de Cine Dominicano en Madrid se inició con Falling, protagonizada por Emma Suárez

cinedominicano

 

Reproducimos el artículo sobre la muestra de cine dominicano publicado en La Voz Dominicana en Europa

 

Por Luis Daniel Núñez N.

Madrid (España).- Con el objetivo de seguir presentando lo mejor del séptimo arte de la República Dominicana (RD), la “VI Muestra Todo Cine. Todo Dominicana” abrió sus puertas formalmente este lunes con la cinta Falling.

Dirigida por la española Ana Rodríguez Rosell y protagonizada por su compatriota Emma Suárez y el turco-alemán Birol Ünel, el drama de 89 minutos utiliza los paradisiacos escenarios de Las Terrenas (Samaná, RD) para sumergir al espectador en el punto más intenso de una relación que se resiste a morir sin aclarar el pasado.

Al final de la proyección, la directora, protagonista y productor (Gabriel Tineo) compartieron con el público parte de las experiencias que les dejó filmar en las playas del noreste dominicano.

“Fue una película que rodamos en tres semanas, lo que demuestra que hacer cine es un acto de fe. Éramos dos actores hablando dos lenguas diferentes, como habéis podido observar; el cine dominicano es internacional (risas)”, indicó la ganadora de dos Goya el año pasado previó a destacar la generosidad que caracteriza a los nacionales.

De igual forma, Rodríguez precisó que la cinta, cuyo equipo técnico es mayormente dominicano, “es una película simple de la vida, del amor”.

“Necesitábamos los mejores actores que podíamos imaginar, y lo teníamos muy claro: Emma Suárez y Birol Ünel”, confesó.

Tineo, a su vez, agradeció tanto a la directora como protagonista por el proyecto y destacó que Falling fue una de las primeras, sino la primera, coproducciones internacionales realizadas en el país bajo la Ley de Cine 108-10 para el Fomento de la Actividad Cinematográfica”

Inauguración

Previo a la proyección de la cinta, el destacado músico dominicano radicado en España Anthony Ocaña y su banda interpretaron uno de los temas del filme.

El embajador criollo en el Reino de España, Olivo Rodríguez Huertas, y la titular de la Dirección General de Cine (DGCINE), Yvette Marichal, agradecieron a los asistentes a la gala inaugural de la Muestra.

Asimismo, los invitaron a seguir disfrutando el evento hasta este miércoles 20 (cierre formal).

Productores y espectadores

Durante los dos días que restan del evento se podrá asistir a diferentes conversatorios dirigidos a productores y realizadores interesados en rodar en República Dominicana.

Mientras que, para los que quieren seguir disfrutando los cortos y largometrajes traídos a la capital española, la oferta es diversa.

Para este martes se proyectarán en Casa de América los documentales “Caribbean Fantasy” (Johanné Gómez) y Noelí en los países (Laura Guzmán).

A su vez, en la mañana del miércoles 20 se desarrollarán en la Universidad Carlos III dos encuentros: “Marco normativa para las coproducciones e incentivos fiscales” y “Logística, recursos y técnicas para rodajes”; ambos orientados a proyectos en República Dominicana.

Mientras que para la noche de cierre, la Cineteca Madrid acogerá los dramas “A orillas del mar” (Bladimir Abud) y “Rainbou” (David Maler).

Bono

En “Todo Cine. Todo Dominicana” tal parece que no son nada tacaños, pues para el jueves 21 brindarán un postre llamado “Post-Muestra”. Allí estarán el cortometraje “Tiznao”, coproducción domínico-cubana del director Andrés Farias, y “Muerte por mil cortes”, documental producido entre República Dominicana y Estados Unidos, de Jake Kheel.

Preestreno

El viernes 15 y domingo 17 de los corrientes se organizó un preestreno con el cortometraje “La Pasión Original” (Iván Herrera); el documental “Jeffrey” (Yanillys Pérez) y el drama de ficción “Misión Estrella” (Fernando Báez) respectivamente.

Para más información sobre los conversatorios y proyecciones acceda a www.todocine-todominicana.com.

El aperitivo de Hay Segovia 17

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La inauguración de la duodécima edición del Festival Internacional Hay, en su sede habitual en España, la ciudad de Segovia, tuvo lugar el 16 de septiembre en el Aula Magna de IE University, en el Campus de Santa Cruz La Real, con la asistencia de relevantes figuras de la política y expertos en los campos del arte, la ciencia y la docencia, y tuvo como epílogo el Coloquio «Voces Libres: liderando ciudades».

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La Mesa Redonda se inició con el reclamo de exponer apuntes de diferente signo, sobre el futuro al que están abocadas las metrópolis en el siglo que vivimos. La principal inquietud que abrió el debate, indagó sobre cuáles serán las realidades que viviremos, en un mundo regido bajo el signo de la imparable tecnología. La respuesta fue tan abierta e imprecisa, como lo es el tema en sí mismo. Como conclusión, esta máxima: nos queda la opción de adaptarnos y tomar conciencia de la necesidad de una gobernanza eficaz para este cambio que se avecina.

 

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Esta tarde, cada uno de los participantes ofreció su opinión, en un debate bajo el auspicio del diario El País y moderado por el periodista Jesús Ruíz Mantilla, quien tras algunas intervenciones de los invitados, resumió que afrontamos una etapa donde reina el «…desconcierto, la incertidumbre y el miedo, ante esa nueva clase social precaria que ha surgido y que no solo se refiere a los desempleados, sino al colectivo que los rodea… al aumento de respuestas que se acogen al populismo y en extremos importantes, a opciones xenófobas y de rechazo»…lo que nos lleva a plantearnos si existe un miedo a la libertad.

 

Simon Manley, Embajador del Reino Unido en España; Cristina Manzano, periodista, directora de ES GLOBAL y experta en relaciones internacionales; Amador Menéndez, científico y autor de “Historia del futuro. Tecnologías que cambiarán nuestras vidas” y Manuel Muñiz, Decano de IE School of International Relations y profesor en Harvard University, concluyeron que estamos asustados ante la rapidez y el desafío de estos cambios, y destacaron que la principal dificultad de hoy, es que no miramos los grandes problemas de forma multidisciplinar, y expusieron el caso, por ejemplo, del calentamiento global, que exige una acción colectiva.20170916_190054

 

El profesor Manuel Muñiz enfatizó en el efecto de la tecnología, la robótica y cómo se ha traducido en el empleo, en la sociedad, y en el campo político. «El futuro promete grandes cosas —dijo— pero tenemos serios retos a la hora de gobernar esta transformación tecnológica y la gestión de esa prosperidad. Hemos encontrado una serie de fórmulas tecnológicas para avanzar, la pregunta es, si seremos capaces de gobernar esos procesos y controlar las externalidades».

 

 

 

 

Esta sesión inaugural estuvo a cargo del Presidente de IE University Santiago Iñiguez, quien cedió la palabra a la regidora de la ciudad de Segovia.

Clara Luquero, Alcaldesa de Segovia: …«Cada día tenemos la responsabilidad —felizmente aceptada— de seguir imaginando un mundo sin exclusiones interesadas ni violencia, donde las palabras sean un hilo fino para tejer solidaridad y no para lanzar rencores. Sí, ya lo saben ustedes, pueden pensar que somos soñadores, pero no somos los únicos, así que, todos juntos imaginemos el mundo de la mano del Festival».

En representación de Ramón Azuara, Director General de Renfe Viajeros, uno de sus directivos ha agradecido a la compañía —que celebra este año el 25º aniversario del tren de alta velocidad española (AVE) — facilitar el traslado de los asistentes a la inauguración del Festival.

A continuación, hizo uso de la palabra el secretario de estado de Cultura, Fernando Benzo, quien ha destacado el espíritu de un Festival que garantiza la cercanía entre el autor o creador con el receptor de la creación, haciendo posible una retroalimentación entre ambos, sin dejar de lado al espectador que podrá disfrutar a lo largo de estos días de las actividades del Hay.

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La sesión inaugural concluyó con la visita a la exposición “Escuchar audiolibros también es leer” en el Espacio de Arte de La Alhóndiga, abierta a los visitantes del Hay Festival en Segovia los días 21, 22 y 23 de septiembre. El comercio del audiolibro ha experimentado en el último año un crecimiento vertiginoso, gracias, entre otras razones, a la expansión de los smartphones en la sociedad. El pasado año, la facturación rebasó los 2 millones de dólares, cifra que supera la obtenida en 2015 en un 18 por ciento.

 

ACPI estuvo presente en la exposición "Escuchar audiolibros también es leer" Izquierda: Ana Lucía Ortega webmaster y la derecha: Sully Fuentes, presidenta de ACPI.
ACPI estuvo presente en la exposición “Escuchar audiolibros también es leer”
A la izquierda: Ana Lucía Ortega webmaster de la revista digital y a la derecha: Sully Fuentes, presidenta de ACPI.

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El Festival debe su nombre a la ciudad donde tuvo su origen: Hay-On-Wye en la región de Gales, fronteriza con el condado inglés de Herefordshire, donde tuvo lugar en 1988 el primer encuentro entre literatos, músicos y representantes de otras manifestaciones artísticas. Diez años después, el evento se universalizó y desde 2006 España lo acoge en Segovia, convertida ya en lugar de culto para las artes gracias a este encuentro multisectorial de las artes y las ciencias.

 

Consulte aquí la programación del Festival:

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Cuando duele el recuerdo

depoesiaIberoamericana

 

Por Jorge de Arco

Contactar con el autor: jorgedearco@telefonica.net

 

Bajo el título de “La fábrica” (Devenir. Madrid, 2017), ve la luz el primer poemario de Borja Campo Alange. Este madrileño del 79, ya tiene en su haber dos novelas, “La vida epifita” (2012) y “Séale la tierra ligera” (2014)

En este su bautismo lírico, expone un tejido de homogéneas reflexiones, de vívidas experiencias, de sólidas creencias, que devienen en un mapa íntimo y trascendido. Su viaje interior se rodea de un expreso deseo por reconocerse al par de su conciencia y anudar el tamaño de su espacio y de su tiempo a la mudanza del alma:

 

Y acepto mi presencia más allá del sistema,

de la memoria.

Mi mundo supera mi lenguaje.vasar poetico jdArco

`¿Cómo probarlo?´, dirán.

 Y yo contesto con la ventaja

de la poesía

(…)

`La materia prima no es la palabra,

ni la partícula.

La materia prima soy yo´.

 

Dividido en tres apartados, “Materias primas”, “Productos terminados” y “La fábrica”, el volumen mantiene una anímica eficacia, una sugerente tensión, que contribuye a  que el lector se aproxime con mayor fluidez a su ulterior mensaje. Los ecos de una palabra transformadora e inquietante, sobrevuela buena parte de estos poemas en donde anidan una luz vulnerable y un universo solidario.

Con una voz sostenida en una significativa narratividad, el sujeto lírico se va inquiriendo sobre la existencia, sobre la verdadera libertad que rodea su ser. Preguntas, al cabo, que encuentran -o no- respuesta, pero que le sirven como desahogo humano y necesario:

 

¿Puede ser, dime, puede ser un eco

 este grito

 este llanto

esta cura

esta herida

este sin nombre

consentido?.

 

En su “Poética”, Julio Cortázar dejó cincelado este personal pensamiento: “La poesía prolonga y ejercita la oscura e imperiosa angustia de posesión de realidad, esa licantropía ínsita en el corazón del hombre que no se conformará jamás –si es poeta- con ser solamente un hombre”. Campo Alange parece sentirse deudor de la máxima cortazariana, pues su discurso crece unido a una verdad que no cede y que profundiza en una materia candente, muy próxima a su palpable cotidianeidad. Su verbo se expande y se derrama de forma valiente, y se torna dador de una certidumbre reveladora:

 

Que no es un fracaso darnos cuenta

[de que no podemos cambiar el mundo.

 Que es vida no conseguir casi  nunca

[lo que queremos.

 Que duele el recuerdo

[a causa de la eternidad del presente.

 

La espiritualidad del amor y el peso de la memoria se alinean, a su vez, en estas páginas y se hacen temática recurrente. La detenida observación de cuanto gira en derredor de Dios y de la naturaleza sostienen, también, un ámbito que desvela la quimera de cuanto el poeta madrileño reescribe en su corazón.

 

En suma, un poemario  intenso y atractivo, ajeno a oropeles y que signa en su interior los acentos de un escritor de hondo aliento:

 

Tan sólo en esta fábrica de versos

 en la que espero, y tú me esperas, y nos

cierne el sentido último, estar quiero,

solos, tú y yo.

El inolvidable Elvis Presley

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16 de Agosto de 1977. Elvis: A 40 años de su muerte

Elvis

“Antes de Elvis no había nada…” John Lennon

 Artículo del periódico EMG

Por Juan Ignacio Vera *

16AGO17 – MADRID. Soy un fan irredento de Elvis desde que tenía 13 años. Nunca olvidaré la primera vez que oí “Don’t Be Cruel” (No Seas Cruel). Fue en 1956 estando en el patio del Liceo (Instituto) de mi ciudad natal (Melipilla, Chile) donde cursaba el segundo año de enseñanza media y mi compañero de clase y hoy viejo amigo José (Pepe) Ricardo Carrasco, tenía en aquellos años el único transistor que conocía a la fecha y durante un recreo, escuchando un programa de música popular emitieron aquella canción y ambos quedamos paralizados al oírla. En aquel momento supe que nunca más podría dejar de oir y admirar aquella música y que algo –auque no sabía exactamente que- estaba cambiando en el mundo que conocíamos.

 
Elvis cantando
 

Han pasado más de 60 años (61 para seexactos) y mi afición y admiración por Elvis no ha decaído ni un ápice y por el contrario, se ha ido acrecentando tanto mi gusto por su música como por el conocimiento de ese irrepetible fenómeno que significó la irrupción de Elvis en el ámbito de la música popular de aquellos años y que desbarató de un plumazo, todos los “gustos musicales” de una generación que por aquello años en Chile, tenía como únicos referentes el tango argentino que inundaba las radios, las canciones mexicanas de Jorge Negrete y Miguel Aceves Mejía, así como los boleros de un joven Lucho Gatica que se abría paso aceleradamente desde México hacia todo el continente americano y resto del mundo. La música tropical –también muy popular en la época- corría a cargo de La Sonora Matancera y así, se completaba el abanico musical al cual los jóvenes de aquel entonces, estábamos “acostumbrados” hasta que llegó Elvis y puso todo patas arriba.

Desde 1994, año en que comencé a dirigir mi periódico “E M G” (EuroMundoGlobal) he escrito cada mes de agosto un artículo como tributo a la memoria de Elvis situación que de una manera u otra, me ha llevado a escribir con ligeras variaciones, sobre los aspectos más conocidos del origen, trayectoria y final tanto de la vida como la carrera artística de Elvis motivo por el cual en esta ocasión, al cumplirse el 40 aniversario de la desaparición de este icono de la música popular de la segunda mitad del siglo XX y lo que va de este presente siglo XXI, quiero hacer un repaso a otros aspectos menos conocidos por el gran público de lo que fue la vida de este ídolo de multitudes, considerado el más grande cantante popular de todos los tiempos y que hoy a 40 años de su muerte, sigue tan vivo como entonces y al cual millones de personas que ni siquiera habían nacido cuando murió, admiran y siguen con casi el mismo fervor de quienes crecimos y nos hicimos mayores escuchando su música y sucumbiendo al mágico influjo de sus canciones que grabó a centenares (registró más de mil) y que tienen sin embargo, un detalle poco común en la producción musical de otros cantantes y es que ninguna de las canciones de Elvis, se parece a otra y cada una tiene características que las hacen únicas. Un repaso superficial de sus grabaciones haría imperceptible esta cualidad pero un buen conocedor de su música comprenderá de inmediato de que estoy hablando.

Sin duda hoy mismo es difícil ser original al contar o escribir algo referido a Elvis. Hay más de 2.500 “biografías auténticas” publicadas en el mundo entero y sin duda cada una de ellas, tiene algo de auténtico si bien estos datos “veraces” son los mismos en todas esas biografías. Separar la leyenda del personaje real es tan difícil como imposible ya que el mito de Elvis, comenzó a tejerse al mismo tiempo en que decidió acudir un día del verano de 1953 a la Sun Records, para -según una costumbre bastante común en la época-, hacer una grabación para obsequiar a su madre. Contrariamente a lo que se ha dicho, con aquella grabación “casera” no pasó absolutamente nada ya que era una grabación casi de broma similar a lo que sería hoy mismo, hacerse una foto en un fotomatón, es decir tenía un propósito único y concreto.

Elvis no era consciente en aquel momento (y posiblemente no lo fuera durante mucho tiempo) de lo que estaba próximo a sucederle, como tampoco lo fue de aquella fortuita y afortunada cadena de hechos ocurridos desde que aquella grabación casual quedara archivada en la Sun Records para que su propietario, el también “famoso” (al rebufo de Elvis) Sam Phillips al revisar meses después, los trabajos realizados en su estudio de grabación pensara (aunque no muy convencido en un primer momento), que aquel muchacho podía tener algún futuro como cantante. Según la leyenda, Phillips llevaba años diciendo: ‘Si pudiese encontrar un blanco que tuviese el sonido y el sentimiento de los negros podría ganar un millón de dólares’. Siguiendo con la repetición de hechos que han llegado a conformar la “leyenda” de los comienzos de Elvis, meses después la secretaria de Sam Phillips decidió un día volver a escuchar la grabación de aquel muchacho tímido que quería grabar un disco para su madre: “Decidí escucharlo —recordaría Keisher—, y al oírlo cantar me pareció poco común. Parecía reunir todos los estilos musicales en uno solo. Es curioso, En ese momento me di cuenta de que Elvis los tenía”. De estos datos deduce que contrariamente a lo que se ha afirmado, desde el primer acercamiento de Elvis a la Sun Records y su posterior y fulminante salto a la popularidad, transcurrieron muchos meses y no fue algo inmediato como se ha repetido tantas veces. Sam Phillips se tomó su tiempo y examinó con calma darle una oportunidad.

En enero del año siguiente, Presley fue a buscar a Phillips, pero no lo encontró. Lo buscó en una y otra ocasión, hasta que por fin logró verlo. Cantó dos canciones, pero Phillips no vio nada extraordinario. Lo volvió a citar unos meses después para que cantara un tema ya cantado por artistas negros: Without You, y algunas canciones de Dean Martin. Aunque no lo había seducido, creía que podría encontrar en aquel muchacho algo diferente.

Phillips creía y no creía. Oía a su secretaria, dudaba, se convencía y volvía a dudar. “Ninguno de nosotros podía sospechar que él iba a ser tan grande”, diría muchos años más tarde. Por fin llamó a su viejo amigo Scotty Moore y le comentó sobre aquel muchacho que era “algo diferente”. Moore lo oyó. Dijo que era nervioso, tímido y educado. “Él sabe que tiene talento y lo único que necesita es un poco de confianza”. La confianza fue llegando, primero por las reiteradas reuniones con Scotty Moore y Bill Black, un amigo del amigo, y luego, porque el tocar y ensayar y darle y buscar, lo liberaron de los yesos y una tarde, la del 5 de julio de 1954, durante otra de aquellas sesiones, tomó la guitarra y empezó a jugar a ser Elvis con una canción que luego cantaría millones de vecesThat’s All Right (Mama), de Arthur Crudup.

Catorce día más tarde, aquella canción estaba prensada y comenzaba a venderse en las tiendas de discos de Memphis, y en general, de todos los pueblos y ciudades de Tennessee. El lado B del disco tenía Blue Moon of Kentucky, de Bill Monroe.

Una quinceañera de nombre Eldene Beard fue la primera persona que compró ese disco, y pasó a la historia por ser la primera que compró una grabación de Elvis Presley. Pagó 50 centavos de dólar por el en Charles Records. Entonces llegaron los periodistas a entrevistarlo, y los agentes a buscarlo, y los músicos a darles sus canciones, y Elvis Presley pasó a ser sólo Elvis. Cantó en algunos festivales, y en el Overton Park Shell empezó a bailar sobre el escenario y a mover la pelvis. “Empecé a hacerlo durante una actuación en Memphis. Lo añadí al show un poco como reacción al miedo que sentí al salir ante el público”.

Esa noche vislumbró el futuro que había imaginado en su habitación, ocho o nueve años atrás. Los aplausos frenéticos del público y los gritos histéricos de las mujeres, las felicitaciones de quienes estaban tras la tarima, las palmadas en la espalda de los músicos que lo habían acompañado, algunos empresarios que lo adulaban, algunos periodistas que lo buscaban, eran el presagio de lo que vendría. “Aquella noche no pude dormir y tuve la sensación, por primera vez en mi vida, de estar al principio de algo grande y sensacional. Aquellos gritos podían significar el final de la miseria que mis padres habían vivido”. El miedo empezaba a evaporarse. La miseria, a diluirse. Elvis comenzaba a ser él, libremente él, y a marcar la historia con su manera de cantar, con sus movimientos, con su fuerza y aquel complejo y profundo no importarle nada en la vida más allá de él.

Pese al fulgurante éxito inicial, Elvis todavía estaba –por decirlo así- en los circuitos locales de algunos Estados del sur de USA. Las grandes ligas se jugaban en Nueva York y la Sun Records era una compañía local sin posibilidades de acceso a ese gran mercado neoyorkino que garantizaría la cobertura nacional. Fue así como la RCA Víctor se hace con los derechos después de pagar una generosa suma (para la época) a Sam Phillips por los derechos de reproducción de las cinco canciones que Elvis grabó para la Sun Records (That´s All Right (mama) – Blue Moon of Kentucky- Good Rockin´tonight – I Don´t care if the sun don´t shine – Milkcow Blues boggie – You´re a heartbreaker – Baby lt´s play house – I´m left, you´re right, she´s gone – I forgot to remember to forget – Mistery train) y el contrato de Elvis y pronto en 1956, Elvis graba el que sería –posiblemente- su canción más representativa y emblemática: Don’t Be Cruel” (No Seas Cruel) una canción escrita por Otis Blackwell que entregó la canción a Elvis y a la RCA a cambio de compartir los derechos de autor al 50% con Elvis. De ahí que en los créditos del disco figuren como autores de la canción Otis Blackewell y Elvis Presley. Lo cierto es que la canción fue escrita sólo por Blackwell mucho antes que Elvis apareciera en escena y había sido ofrecida incluso, a Frankie Valli (que en ese tiempo era vocalista de un grupo llamado “The Four Lovers”) que la rechazó. El disco “Don’t Be Cruel”(que al reverso –cara B- traía otra célebre canción, “Hound Dog” (Perro de caza)) ha pasado a la historia como el disco más vendido con 6 millones de copias sólo en EEUU. Hoy está considerada en el puesto nº 92 de las 500 mejores canciones de toda la historia, seleccionadas por la revista Rolling Stone.

Elvis nunca escribió ninguna canción pese a que también se ha dicho que co-escribió “Love Me Tender” (Ámame tiernamente) otra de sus canciones insignia y que también es el nombre de su primera película. Otis Blackwell, uno de los pioneros del rock, escribió otras canciones para Elvis tales como “All Shook up”, “Return To Sender”, y para Jerry Lee Lewis su célebre“Great Balls of Fire”.

No hay duda que lo ocurrido con Elvis fue el producto de una enorme sucesión de “afortunados hechos casuales” que se confabularon para sacarle del anonimato de un pueblo perdido del sur de EEUU para lanzarlo a la fama y al rutilante mundo del espectáculo. Su nombre, Elvis Aron Presley quizás se habría perdido para siempre en las interminables y polvorientas carreteras, que debía recorrer con su empleo de camionero repartidor de material eléctrico de una ferretería del pueblo donde residía, viviendo casi de manera miserable. La vida para los Presley no era fácil, el “jefe de familia” Vernon Presley, era como siempre se ha dicho, un “tiro al aire”, sempiternamente desempleado, buscando un trabajo que nunca llegaba y con un historial de problemas con la justicia local que en más de una par de ocasiones le mantuvieron entre rejas por largos periodos.

Algunas de las edulcoradas biografías atribuyen al deseo de “pagarse los estudios” (como buen y prototípico joven americano) el hecho que Elvis con apenas 17 años tuviera que ganarse la vida con diferentes oficios. Lo cierto es que la irresponsabilidad de su padre obligó al joven Elvis a trabajar para ayudar al sustento de la familia, especialmente de su madre quien –por si todavía fuera poco- debía soportar el maltrato físico que Vernon Presley le daba cada vez que llegaba borracho a casa y que eran, la mayoría de los días de la semana. Según uno de los biógrafos de Elvis esta situación de maltrato a su madre acabó cuando Elvis –que ya tenía cierta fama y mucho dinero- encaró en una ocasión a su padre y le dijo que además de quitarle la generosa asignación que le pasaba mensualmente para sus borracheras, “le mataría la próxima vez que le viera maltratar a su madre”. El padre de Elvis, fiel a su naturaleza de caradura congénito, nunca se entendió muy bien con Elvis y hay quienes han afirmado que Elvis no soportaba a su padre precisamente por su afición a las mujeres y al alcohol y para corroborar esto, afirman que cuando Gladys Presley murió mientras Elvis cumplía su servicio militar en Alemania, Elvis recriminó a su padre el hecho que a menos de un mes de haber fallecido su madre, Vernon ya había vuelto a las andadas con mujeres y sus borracheras. Según se dice, aquella fue la última oportunidad en que padre e hijo tuvieron un contacto directo y cercano. En adelante y hasta la muerte de Elvis en 1977, se vieron en muy pocas ocasiones si bien Elvis nunca dejó de pasarle la millonaria asignación que Vernon Presley se ocupaba de “reventar” en todos los prostíbulos y burdeles de Las Vegas.

No hay duda que Elvis nació con una estrella que le eligió para llevarlo a la gloria aunque ese camino al dorado Olimpo de los dioses estuviese plagado de desencantos como los que cosechó a lo largo de toda su vida desde que en 1945, se subió por vez primera a una tarima para cantar con algo de público, en un concurso de jóvenes talentos auspiciado por una casa de almacenes, la Black and White. Cantó Old Shep subido a una silla. Esa tarde noche obtuvo cinco dólares por su segundo lugar en el certamen y un pequeño trofeo que miraba y admiraba todos los días. Su nombre, Elvis Presley, había quedado grabado con letras indelebles.

Elvis era y fue siempre en el fondo, un sencillo muchacho de pueblo al cual le aterraban (entre otras cosas) la fama, el gentío y la corte de aduladores que siempre le acompañó. Se dice que Elvis nunca tuvo amigos de verdad. Todos los que tuvo los “compró” en el mejor (o peor) sentido de la palabra. La famosa “Mafia de Memphis”, un grupo de tipos duros que le rodearon desde sus inicios fueron los únicos “amigos” que tuvo. Desde su infancia Elvis fue un niño que a pesar del estrecho medio en que vivía resultaba “diferente”. Fuertemente apegado a su madre, una mujer de cierta sensibilidad y que tenía otras aspiraciones que se vieron truncadas al casarse con el tarambana de Vernon Presley, dedicó todos sus esfuerzos a cuidar de Elvis a quien cada domingo llevaba al oficio religioso de la iglesia de la cual era fiel devota. En el barrio de pobres donde residían, Elvis trabó amistad con chicos duros, acostumbrados a la calle y a resolver sus problemas de la manera más expedita y que sin embargo, respetaban a Elvis por sus modales educados y su innato amable carácter. No obstante el ambiente casi mísero en que desarrolló su infancia, Elvis siempre bien peinado y aseado, nunca fue un muchacho resentido o rebelde. La “rebeldía” de Elvis se manifestaba en su idea de las vestimentas, el peinado y en su forma de cantar en el coro dominical de su iglesia ya que gustaba de pasar largas horas oyendo las canciones que la gran mayoría de hombres y mujeres negras que integraban el coro, cantaban y ensayaban una y otra vez.

Allí, en aquel coro, Elvis Aron Presley comenzó a cantar. Luego diría que “Éramos una familia religiosa. Desde pequeño, lo único que conocí fue música gospel. Me encantaba escuchar el coro. Aquella música se convirtió en parte de mi vida. Era tan natural como bailar. Una forma de escapar de los problemas y una especie de liberación para mí. La iglesia me enseñó lo único que he aprendido sobre canto, todo lo demás ha venido de forma natural”.

Sus largas noches a solas, con la radio encendida y el dial en la emisora de la WDIA, una estación dirigida por negros, lo llevaron a aprehender el gospel de los Ink Spots, de los Blackwoods y de Roy Brown; el country de Jimmie Rodgers, Jim Reeves y Bill Monroe; el rhythm and blues de Rufus Thomas, Roy Brown y los Preachers, y la música sin género de Dean Martin y Roy Hamilton.

Así como su país se había construido sobre el trabajo esclavo de los negros, Elvis fue el beneficiario de una tradición musical afroamericana de décadas y llegó justo a tiempo para resolver (a favor de los blancos) el conflicto racial que empezaba a significar el rock and roll. A mediados de los años cincuenta las fuentes de la música popular más frenética del país estaban en las manos y bocas de jóvenes de color, pero el gran público era blanco y no recibiría con respeto a un Chuck Berry o a un Little Richard, por más electrizantes que fueran. Por eso Sam Phillips no pudo creer su buena suerte cuando descubrió a Elvis (“por fin encontré a un blanco que puede cantar como negro”). Y no sólo eso. El joven de Tupelo le enseñó a la industria de la música el camino más rápido y seguro para vender sus discos: convertir al intérprete en un fetiche sexual.

Pero así como Elvis recibió riquezas y adulación hasta un punto que sólo las figuras mitológicas pueden soñar, también tuvo que pagar el precio de verse sometido a una máquina de producción que nunca se pudo detener. Una vez que el inmoral, infame y falso coronel de pacotilla Tom Parker (su inescrupuloso manager) se dio cuenta de que tenía entre manos el negocio más grande de su tiempo, lo convirtió en una línea de producción imparable. En los años cincuenta Elvis produjo grabaciones exitosas y de calidad a una velocidad asombrosa (52 sencillos y cinco álbumes en cinco años); en los años sesenta fue estrella de cine, con 33 películas que reventaron la taquilla repitiendo casi siempre el mismo argumento (chico humilde se enfrenta a tipos malos, les gana, se queda con la chica y termina celebrando con una canción), y en los setenta trabajó en interminables conciertos, enfundado en su buzo enterizo con capa y volantes con un dudoso tinte kitsch actuando para maduros y ebrios matrimonios de dinero en hoteles y casinos de Las Vegas.

En cada una de estas producciones siempre estuvieron la voz y el carisma de Elvis sosteniéndolo todo como los poderes de un mago. Pero también se podía percibir en el fondo la angustia del artista que había quedado atrapado demasiado rápido en un ciclo comercial que no necesitaba grandes innovaciones para seguir facturando millones cada año a nombre del “rey del rock and roll”. En la carrera de Elvis, lo más auténtico e inmortal siempre fueron los inicios, sus primeras grabaciones en los estudios Sun, sus primeras actuaciones esforzadas y meritorias, hechas a sangre y tripas y los primeros conciertos que dio después de su regreso a los escenarios en 1968, cuando cada actuación era un espectáculo de primera creación.

Elvis Presley también fue el soldado más importante de su país cuando prestó su servicio militar durante dos años (entre 1958 y 1960) en el regimiento estadounidense apostado en Alemania occidental, no muy lejos de la temida y odiada Unión Soviética. Estados Unidos aprovechó políticamente este hecho. Elvis fue una punta de lanza importante en la contienda geopolítica librada contra la Unión Soviética. La Guerra Fría no se trató solamente de dos países amenazándose con armas nucleares o compitiendo por ganar el mayor número de medallas en los Juegos Olímpicos. La pelea era por demostrar qué forma de vida era mejor y cuál de los dos sistemas económicos (capitalismo o comunismo) podía darles más felicidad a los seres humanos.

En ese campo, Elvis ganó todas las batallas para Estados Unidos al preconizar con sus apariciones en TV y con su forma de vida la idealización del “sueño americano”. De hecho, la fulgurante e irresistible ascensión de Elvis desde su mísero barrio en un pueblo del sur de EEUU al estrellato fulgurante de Nueva York era la prueba irrefutable de que aquello “Era América”. Por su parte la URSS, advertía a sus jóvenes de la “inconveniencia” de escuchar a la “bestia decadente del imperio” que alentaba el “estilo de vida americano de vida adolescente hedonista, exultante y consumista”. En Alemania oriental, un joven asesino de una anciana confesaba haber cometido el crimen después “de haber oído canciones de Elvis”.

En su vida personal, Elvis heredó todas las contradicciones de los hijos de su país. Fue el amoroso niño de mamá que quedó huérfano a muy temprana edad y terminó rodeado de hombres (su manager, su padre, sus amigos) a los que sólo les importaba ganar dinero y para quienes las mujeres eran piezas reemplazables en la decoración del palacio. Por eso una de sus más grandes decepciones fue cuando su reina, Priscilla, a quien había formado y preparado desde sus catorce años para ser la amorosa y virtuosa mujer de su hogar, lo abandonó por su entrenador de kárate.

Se dice que Elvis nunca volvió a ser el mismo después del abandono de la que fue por un breve tiempo, su esposa. Quizás entonces añoró el cariño verdadero de quien –como dijo en alguna ocasión- fue la única mujer que realmente lo amó de verdad: su madre. Pero quizás tampoco tuvo tiempo para eso, el próximo concierto con todo el ajetreo previo de bulla, luces y sonido ya estaba allí y luego vendrían otros y otros y el espectáculo debía continuar. Es posible que el dueño de los corazones de tantas chicas de su generación no hubiera conocido nunca el amor verdadero. Aunque nunca le faltaron aventuras con coristas y actrices, su vida empezó el irreversible proceso de desmoronamiento justo después que su matrimonio terminara en 1973 y el sueño del hogar tradicional saltara por los aires hecho trizas.

Al final su corazón no pudo soportar el trepidante ritmo de vida y un ataque lo fulminó el 16 de agosto de 1977. Preso de su afán de huir hacia adelante, Elvis trató de sobrellevar la torturante marcha de gloria de sus últimos años con pastillas, comida chatarra y excesos pero en esa batalla contra el mismo, no podía ganar y terminó perdiéndola con apenas 42 años aunque su temprana muerte no hizo más que acrecentar el mito. Elvis de ninguna manera podía morir ya que admitirlo era como reconocer que el “sueño americano” debía terminar. Por eso quizás, miles de sus compatriotas lo siguen evocando y repitiendo en cientos de espectáculos de imitación en hoteles y programas de televisión y muchos afirman que lo continúan viendo vivo en las calles de Tennessee como una manera de autoafirmarse en la creencia que el mito de Elvis sigue vivo y que aquel que murió en 1977 fue el Elvis de carne y hueso. Aquel Elvis, el de las maravillosas canciones sigue tan vivo como entonces, en la memoria de los millones de personas que en el mundo entero amamos su música.

 *Juan Ignacio Vera Periodista. Director del periódico EMG  Euro Mundo Global. Miembro de FEPET

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Madama Butterfly o la seducción de una heroína trágica, frágil y digna.

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Por Norma Sturniolo

Fotos cortesía Javier del Real

Merece destacarse el esfuerzo del Teatro Real por acercar el arte de la ópera a un público amplio. La difusión dada a la representación de Madama Butterfly es admirable. Se barajan cifras importantísimas como las de 120.000 personas en municipios de toda España. La retransmisión en el canal de Facebook del Teatro Real ha sido superior a 800.000.  En Twitter la retransmisión de MadamaButterfly fue trending topic nacional con el hashtag #madamaendirecto, alcanzando una audiencia de 18.000.000 de usuarios con todas las publicaciones. También TVE ha obtenido una excelente cifra de seguimiento en la retransmisión en La 2, con 335.000 espectadores.

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Esta política de divulgación de la ópera está realizada con total acierto porque lo que se ofrece aúna calidad, atractivo y un alto grado de emoción, posibilitando la empatía del público con lo que ve.

Si Madama Buttlerfly es una de las óperas más populares y emocionantes del compositor de Luca, esta Butterfly puede conmover incluso a los más remisos, tanto por los intérpretes como por la reposición de la inteligente y creativa dirección de escena de Mario Gaz, la espléndida escenografía de Ezio Frigerio, los exquisitos figurines de Franca Squarciapino, la dirección musical de Marco Armiliato y dirección del coro de Andrés Máspero. Sobresaliente la interpretación de la soprano Ermonela Jaho en el papel protagonista y de Enkelejda Shkosa en de la fiel Suzuki. Conviene recordar que se representa en el coliseo madrileño desde el 27 de junio al 21 de julio de 2017.

 

El director de escena Mario Gaz opta por el juego de la ficción dentro de la ficción. El juego metaficcional, a veces, produce un distanciamiento, pero, en este caso, el resultado es todo lo contrario, hay un emocionante acercamiento a lo que sucede en escena. Mario Gas sitúa la historia en un plató cinematográfico en los años 30 y los espectadores presenciamos la ópera en sí, la supuesta grabación cinematográfica que se hace de la misma y su reproducción en blanco y negro en una gran pantalla.

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Aparecen un director de cine, los técnicos con su equipo y por encima de los subtítulos, se proyecta la filmación con unos primeros planos que nos permiten apreciar todos los gestos de los personajes. Es como si pudiéramos ver parte de su interioridad, y, sobre todo, nos acerca a esa mujer niña Cio- Cio San o Butterfly, que tiene quince años al comienzo de la historia y al final se suicida con 18. Asistimos a su viaje que es gozoso al principio pero que, muy pronto, se torna doloroso. Pasará desde la inocente, casi pueril felicidad a la posterior esperanza en el regreso del su gran amor y a la necesidad del autoengaño. Todos saben que el oficial de la marina americana de quien se ha enamorado la ha abandonado. Ella, por el contrario, cree que volverá. Pero, ¿su confianza es total o necesita creer para no morir de dolor, servirse del autoengaño para seguir viviendo? Cuando no hay ningún resquicio para la esperanza, la trémula niña se convierte en una mujer capaz de devolverse el honor a sí misma. La música del compositor de Luca, arrebatadora, tiene ecos orientales con los que se subraya la delicadeza del mundo que rodea a Butterfly y, a la vez, su crueldad. ¿Acaso Butterfly tiene una posibilidad de vida mejor acatando a los suyos? A todas luces parece que no. Se insiste en la soberbia del americano, por supuesto que su soberbia queda patente en el primer acto, así como en el conflicto entre dos civilizaciones, una de las cuales se considera superior a la otra, pero no se hace suficiente hincapié en la condición femenina en una sociedad feudal, en la marginación de una mujer pobre como Butterfly en dicha sociedad. ¿Cuál sería su futuro si aceptara las propuestas de quienes la rodean? ¿Casarse con el pretendiente Yamadori que abandonó a sus mujeres, por lo cual podemos prever que haría lo mismo con Butterfly? ¿Volver a ser una geisha obligada a entretener a los demás? Ella sueña con algo diferente, con un amor verdadero. Ama la belleza por eso se encandila con las bellas palabras que no está acostumbrada a oír. Además de la fascinación que le produce el extranjero debido a una extrema juventud más propensa a la ensoñación , la seducen las palabras del yankie Pinkerton que la llama de formas muy bellas, nombres que ellas recuerda con devoción.

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Imposible no conmoverse con ese sueño de amor de Butterfly y más aún cuando la vulnerable japonesa está interpretada por unaButterfly 1826 soprano tan entregada a su papel como la albanesa Ermonela Jaho que transmite todo esa riquísima gama de matices que va desde la fragilidad y los movimientos casi de niña al comienzo de la historia hasta el terrible desgarramiento del final. Jaho hace suyo el personaje y nos transmite su temblor de mariposa herida.

¿Cómo no conmoverse con la obra de Puccini (1858-1924) ese gran conocedor del alma femenina? Recordemos sus propias palabras “ si la obra no me conmueve, si el libreto no me llega al corazón, si no me hace reír y no me hace llorar, si no me exalta y me sacude, no hay nada que hacer . No es cosa para mí. Resultaría una falsedad, una desarmonía”.

 

El emocional maestro, al referirse a Butterfly, afirmó en una de sus cartas “La ópera me conmovía siempre cuando la releía al piano

Sentir, emocionarnos, abrirnos al sufrimiento y los sueños, las grandezas y las debilidades de personajes que son muy humanos y reconocer el poder transformador del arte es algo que hay que agradecer a obras como ésta.

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Eventos veraniegos 2017 – Madrid y más allá de la capital

Madama Butterfly anoche, en el Teatro Real de Madrid

 

Por María Rosa Jordán

En la Capital de España, un verano más, nos ofrecen variados programas, culturales y de ocio, absolutamente atractivos. El Teatro Real ha presentado la ópera Madama Butterfly, obra maestra de Giacomo Puccinni, con una puesta en escena creada en 2002 por Mario Gas, el polifacético director de escena hispano uruguayo. Cuando se cumplen 110 años de su estreno en Madrid, nos dan la oportunidad de poder ver la ópera en retrasmisión directa, en centros culturales, ayuntamientos y museos de toda España, así como en plano internacional, llegará al Instituto Cervantes de Pekín (China) y a distintos puntos de Colombia y México.

Como parte de la celebración de la Semana de la ópera, se inauguró en el Museo Thyssen-Bornemisza, la exposición” Madama Butterfly y la atracción por Japón“ que pondrá de relieve, la fascinación por Japón que recorrió Occidente en el último tercio del siglo XIX.

Otoño en el T.Real  con las siguientes óperas: “La Favorita “ “Lucía di Lammermoor“  “ La Bóheme “ “Aida“   imposible enumerar la programación completa.

El Teatro de la Zarzuela ofreció una ópera en 3 actos, ambientada en las playas de la Costa Brava   “Marina“ de Arrieta.  Para la próxima temporada se ha presentado una gran variedad de géneros, ópera, zarzuelas y operetas “El Gato Montés“  “El cantor de México“  “Maruxa “  “La tabernera del Puerto “. El T. de la Zarzuela ha presentado el Vl Concurso Internacional de  Canto Alfredo Kraus, para impulsar la carrera de los jóvenes cantantes líricos. www.cicakraus.com

Smedia en sus distintos espacios teatrales, estrena en pleno estío “El lago de los cisnes“  ballet de San Petersburgo, “El Príncipe y la Corista“ “Antes y después“  “Nueve y cuarenta y tres“ y presenta sus veranos en el Teatro Galileo, en sus jardines, cena y espectáculo “Cuatro corazones con freno y marcha atrás“  una de las comedias más deliciosas y alocadas de Enrique Jardiel Poncela.

El Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro, en su 40 edición, cita ineludible del verano, convoca 102 representaciones y 50 compañías llegadas de 13 países.

Festival de San Lorenzo de El Escorial, 17 espectáculos de música, lírica y danza clásica.

En Alcalá de Henares, bajo el lema  “Alma del mal“ comienza una nueva edición de este gran festival.

63 Festival Internacional de Teatro Clásico de Mérida “Calígula“  “Séneca” “La bella Helena“ “Viriato“.

El Teatro Clásico en verano recorre España: Olmedo, Almagro, Cáceres y Centro Niemeyer  de Avilés www.teatrosclasicos.mcu.es

El Centro Cultural de la Villa Teatro Fernán Gómez, tuvo una programación magnífica desde el mes de enero, y su final de temporada fue especial, con las zarzuelas  “La Gran Vía“  y  “La Generala“, sus actividades paralelas, conciertos, encuentros con el público y una exposición  “De Vives a Chueca“ dejó muy  satisfechos a sus fieles espectadores.

La Compañía Nacional de Danza de España, se presentó en los Teatros del Canal con “Carmen“ de Georges Bizet, con gran éxito, próximamente se presentará  El Festival de Fados 2017 y un homenaje al gran bailarín Antonio Soler, el mítico  Antonio de los años 50 ·.

El Teatro Español  y Teatro Bellas Artes han mantenido una temporada excepcional, esperamos con verdadera expectación la próxima llegada del otoño.

El Teatro de La Latina, sigue con su ritmo habitual en julio, agosto y septiembre.

El Teatro Lara nos presenta la gran obra “Hay que deshacer la casa“ de Sebastián Junyent una montaña rusa de emociones que a nadie dejará indiferente.

En Teatro Amaya un año más nos sorprende con  “Alta seducción“ compañía de Arturo Fernandez

Veranos de la Villa. Del 30 de junio al 3 de septiembre se despliegan por todos los distritos de Madrid, proponiendo actividades que quieren ser una ventana al mundo y a la que de hecho sucede en la ciudad: Sinfonía de verano, cine participativo, convocatoria abierta.

Conde Duque “Camarón más allá de la leyenda“;  Músicas del mundo en la Quinta del Pardo, Circo Price,  música clásica sonará en Villaverde. Las Naves del Matadero “The Great Tamer”.  La Plaza Mayor  “Carmina Burana”. Retiro “Poetas en territorio Moyano” y “Noche de Títeres”. “Bailar en la Calle“  en la explanada de la Calle Bailén cine, música, magia, zarzuelas y más…. http://www.veranosdelavilla.com

Exposiciones y Museos

En la Embajada de Argentina en Madrid, se exhibieron los cuadros de Magali Tiraboschi, nacida en Concordia  Argentina, se expresa a través de los colores y gestos  “Huellas“.

La pintora argentina Adriana Zapisek, acaba de inaugurar su estudio en Madrid
La pintora argentina Adriana Zapisek, acaba de inaugurar su estudio en Madrid

En la Galería Santana Art Gallery en Madrid, se acaba de inaugurar la primera Exposición Internacional de Pintura y Escultura  “Crónicas de nuestros días“ con la participación de 31 artistas de distintos países de Iberoamérica, USA, Reino Unido y España.   Por Argentina participó la reconocida pintora Adriana Zapisek, quién acaba de inaugurar su estudio en Madrid.

El Museo del Prado presenta el programa extraordinario para la Conmemoración de su Bicentenario, además de tener la gran exposición “Los tesoros de la Hispanic Society Museum”, de excepcional calidad y belleza.

Fundación Mapfre, exhibe la exposición Retratos Colecciones, con motivo de esta muestra, un tema inherente a la fotografía desde su inicio. El retrato de Albert Renger- Patzsch.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía  “Piedad y Terror en Picasso: el camino a Guernica, unos de los cuadros más significativos del siglo XX.

Veronés, del pintor italiano renacentista, Paolo Caliari, en el Museo Thyssen-Bornemisza
Veronés, del pintor italiano renacentista, Paolo Caliari, en el Museo Thyssen-Bornemisza

Museo Thyssen-Bornemisza, presenta la obra  El Renacimiento en Venecia, temas mitológicos y religiosos de los pinceles de Tiziano, Tintoretto, Veronés.

La Fundación Juan March que durante todo el año ha presentado una actividad cultural, asombrosa, exposiciones, conciertos, conferencias, en el verano sobre todo, exhibe en su sede de Palma de Mallorca, Lyonel Feininger, comics, juguetes, dibujos y pinturas y en el Museo de Cuenca: Esteban Lisa, El gabinete abstracto.

Tres Rutas por nuestros Museos en Madrid:  Museo de América: Todos los caminos conducen a América.

Museo Arqueológico: Un paseo por la Historia.

Museo del Romanticismo. Un viaje en el tiempo.

Museo de Artes Decorativas.  Diseñar nuestro entorno.

Museo Cerralbo.  El encanto de un palacio.

Museo Sorolla:  Luz del Mediterráneo en Madrid.

Recordemos que en la primavera del 2018 se abrirá y exhibirá una nueva versión de Casa Decor, con las últimas novedades de la arquitectura y decoración actual.

Bandas al Fresco,Templete del Parque del Retiro, la Banda Sinfónica Municipal de Madrid, cada domingo de mayo a septiembre, interpretan conciertos gratuitos en un entorno ideal.

 

De largo recorrido

Vienen las vacaciones  ¡por qué no organizar un viaje por España!. Recorrer  Arévalo, un encanto detenido en el tiempo medieval. Cuéllar, historia viva, visitando Las Edades del Hombre.  Aranda del Duero. Xátiva en Valencia, un viaje a la cultura y la historia de la mano de dos Papas.

Escapada a Francia en tren, conexiones ferroviarias de alta velocidad, para conocer la agenda cultural y artística de las ciudades francesas.

Dos eventos muy interesantes que ya han pasado, pero que vale la pena reseñar. Festival Internacional del Bolero con la actuación de Armando Manzanero y Alberto Cortéz, musicoterapia para el amor…el recorrido de solo una hora desde Madrid, visitando Brihuega ( Guadalajara ) sorprende por su patrimonio histórico del románico tardío, gótico, mudéjar y sobre todo en los meses de junio y julio florece la lavanda y se inunda el ambiente con su embriagador perfume.

 

Foto destacada: Madama Butterfly anoche, en el Teatro Real de Madrid © Javier del Real

Páginas de interés:

www.grupoesmedia.com        www.guiadelocio.com       www.programate.com      www.teatroaaccesible.com

La revista Periférica en la OEI para la Educación, la Ciencia y la Cultura

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La revista Periférica ha sido presentada hoy en la Organización de Estados Iberoamericanos para la Educación, la Ciencia y la Cultura

Este miércoles 21 de junio tuvo lugar,  en la Secretaría General de la Organización de Estados Iberoamericanos, el acto de presentación de esta publicación para el análisis de la Cultura y el Territorio, editada por el Servicio de Extensión Universitaria del Vicerrectorado de Responsabilidad Social, Extensión Cultural y Servicios de la Universidad de Cádiz.

La revista “Periférica” se enmarca en el ámbito del Observatorio Cultural del Proyecto Atalaya de la consejería de Economía y Conocimiento de la Junta de Andalucía, en el que están implicadas las diez universidades públicas de la Comunidad Autónoma.

El director general de Extensión Cultural, José Marchena, ha tenido a cargo la presentación de esta publicación pionera en Andalucía, de gran trayectoria, con 17 ediciones ya editadas.

La revista pretende aportar una visión internacional sobre el fenómeno socio-cultural y aspira a convertirse en una herramienta útil, tanto para profesionales de la gestión cultural como para los ciudadanos implicados e interesados en la cultura.

Han asistido al acto además, José Luis Ben Andrés, miembro del Consejo Científico de la revista Periférica y técnico de cultura de la Diputación Provincial de Cádiz y Salvador Catalán Romero, miembro del Consejo Científico de la revista Periférica y director del Servicio de Actividades Culturales de la Universidad de Cádiz.

 

 

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En la imagen, en al segunda línea los tres representantes de Periferica y el resto de                                                                       asistentes de la ACPI y los anfitriones: OEI.

 

Más información: Servicio de Extensión Universitaria de la Universidad de Cádiz

Cena Iftar en Casa Turca

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Por Vicente López

 

La palabra árabe Ramadán es una derivación de vocablos referidos a calores intensos y sequedades del terreno como ramdaa = tierra calcinada entre otros. Este período que coincide con el noveno mes en el calendario lunar musulmán, (el mes en el que el profeta Mahoma empezó a recibir la revelación del libro sagrado del Corán) se interpreta como el mes en que el cielo se hace más cercano y permeable permitiendo así que la palabra de Dios llegue de forma más certera y directa a sus discípulos. Nada debe desviar ni distraer esta conexión divina y por eso es necesario el ayuno o abstinencia total. Nada líquido ni solido debe atravesar la boca o nariz de la persona, pero también ha de guardar de abstraerse de tentaciones con otras partes del cuerpo, como prestar oídos a palabras impuras, hablar en exceso de cosas banales o pensar en sexo; oír, ver y pensar también forman parte del ayuno. Este es un período de máximo calor interno como el que moldea metales o transforma los líquidos. Las personas durante el ayuno sufren el calor del hambre y la sed, y así queman sus culpas, remodelan su interior física y espiritualmente para asimilar y entender mejor las palabras y enseñanzas divinas.

El ayuno comienza con la salida del sol y se mantiene hasta la  puesta del mismo o Maghrib, momento en que se levanta la vigilia para celebrar la primera ingesta de alimentos sólidos y líquidos del día; es la llamada cena Iftar. Este momento además de indispensable para proveer al cuerpo del alimento necesario para saciar el hambre de la jornada, lo es también para ir encarando el ayuno del próximo día y además es ocasión para convocar y compartir el encuentro con familiares y amigos.DSCN8133

Bajo este prisma, nuestros amigos de Arco Forum – Casa Turca nos invitaron a celebrar con ellos la cena Iftar del pasado sábado 3 de Junio. Previo al momento del inicio de la cena, uno de nuestros anfitriones Temirjón Naziri explicó en una breve intervención el significado del Ramadán para el mundo islámico,  como lo vivían ellos lejos de su Turquía natal , de amigos y familiares, manifestando que sin duda es también un momento para la nostalgia y el recuerdo que comparten ellos con los casi dos millones de musulmanes de países lejanos que residen en España.

La hora exacta para levantar el ayuno ese día para Madrid fueron las 21.46, momento en que rompimos el ayuno con la ingesta de un dátil con agua seguida de una exquisita sopa ligera. A continuación una increíble variedad de Delicias Gastronómicas Turcas dieron paso a una sabrosa cena típica que nada tenía que envidiar a las que podrían estar sirviendo en ese instante en los mejores Restaurantes de Estambul. Carnes, verduras, arroces, yogures etc. llenaron una veintena de coloridos platos diferentes con una increíble mezcla de sabores y aromas que nos trasladaron por momentos al medio oriente más refinado. Los comensales fuimos estratégicamente entrecruzados para que todos conversáramos con todos, nos conociéramos, comentáramos y acercáramos posturas en este momento actual de dificultad y distanciamiento del mundo musulmán con occidente.

DSCN8128Agradecidos a Casa Turca y Arco Forum, cuyo lema es “El arte de la convivencia” y su función primordial la difusión de la Cultura Turca en España; disfrutamos del encuentro, la conversación y las exquisiteces que degustamos hasta que terminamos con la dulce Baklava con nueces. Atendidos y agasajados por nuestros anfitriones en todo momento, nos sentimos como en casa, sin duda la cordialidad, educación y amabilidad de nuestros compañeros turcos estuvo presente en todo momento.

Gracias Termijón, Süleyman, Mehmet y demás arkadaşları (amigos) por la invitación y la intercomunicación, sin duda a partir de ahora conocemos  un poco más de vuestra cultura, cordialidad y forma de entender la vida desde dentro.

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