Bomarzo en el Teatro Real y la sugerente estética de la ensoñación

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Por Norma Sturniolo

Fotos Javier del Real

 

 

Del 24 de abril al 7 de mayo en el Teatro Real se representa Bomarzo, ópera del músico Alberto Ginastera (1916-1983) basada en la novela homónima del escritor Manuel Mujica Láinez (1910-1984) que es, asimismo, el autor del libreto. Ambos, músico y escritor, son argentinos.

 

Bomarzo, estrenada en el Lisner Auditorium, en Washington, D.C en 1967, está considerada una obra fundamental del reportorio operístico contemporáneo. Esta nueva producción del Teatro Real es una coproducción con De Nationale Opera de Ámsterdam. La orquesta titular del Teatro Real está dirigida por David Afkham, actual director de la ONE, la dirección de escena corre a cargo de Pierre Audi, la escenografía e iluminación,de Urs Schönebaum, la coreografía de Amir Hosseinpour y Jonathan Lunn,  los figurines, de Wojciech Dziedzic, la dramaturgia, de Klaus Bertisch y el video de Jon Rafman, el coro titular del Teatro Real, dirigido por Andrés Máspero y la escolanía de los Pequeños Cantores de la Orcam dirigidos por Ana González. Todos realizan una labor encomiable.

 

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En el exigente papel protagónico de Pier Francesco Orsini, hay que destacar al tenor británico John Daszak que da muestras de su solidez como cantante y como actor. Está siempre presente en el escenario y debe memorizar un texto extenso y complejo.

 

Cabe recordar el argumento de la ópera para entender la opción de Pierre Audi.

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Mujica Láinez cambió el orden cronológico de la novela. Decidió emplear la técnica de la analepsis, es decir, eligió alterar la secuencia cronológica de la historia. El libreto comienza con el momento próximo a la muerte de Pier Francesco Orsini. En su agonía, el duque rememora distintas escenas de su pasado donde hay una asfixiante omnipresencia del horror que le produce su cuerpo debido a su joroba a la que nombra repetidamente. Ese rechazo, esa repulsión a esa parte de su cuerpo la aprendió de su propia familia. Todos lo desprecian menos su abuela que lo adora y termina siendo nociva para él, inculcándole la ambición por el poder y la idea de inmortalidad.

 

La ópera comienza con el duque bebiendo una pócima que le da un astrólogo asegurándole que la misma le dará la inmortalidad pero sobre esa pócima su sobrino ha vertido veneno, vengando así el asesinato de su padre. Y el duque moribundo recuerda escenas de su vida pasada desde la niñez donde hay sufrimiento, violencia, fantasías eróticas, sexo, bisexualidad, impotencia e incitado por su abuela, sed de poder e inmortalidad. Hay perversión y crueldad.

 

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Rememora cuando es travestido y violado por los hermanos, encerrado por su padre en una habitación con un esqueleto, multiplicado en los espejos el reflejo de sí mismo con su monstruosa joroba cuando va a ver a la prostituta Pantasilea, las muertes de sus hermanos, el casamiento con la bella Julia Farnese que prefiere a uno de sus hermanos. Todo es angustioso y  desasosegante en esta ópera que consta de dos actos y 15 escenas, todas con la misma estructura interna y articuladas por interludios, a la manera de la ópera Wozzeck de Alban Berg. Hay un predominio de los instrumentos de percusión y algunos instrumentos exóticos como la mandolina y la viola d’amore, entre otros. La música mezcla atonalidad con una escritura que se acerca al modal y hay formas arcaicas tradicionales como el madrigal, la musetta, o la villanella. La dirección musical de David Afkham como la del coro por parte de Máspero y la escolanía a cargo de Ana González son excelentes.

Las partes corales van desde el canto a base sólo de consonantes hasta la utilización fonética de la palabra ‘amor’ en cuarenta y cuatro idiomas.

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Habiendo leído la novela y conociendo el libreto de la ópera que reduce la acción a casi una acción interior porque todo se desarrolla en la rememoración del protagonista, considero que la opción de Pier Audi es una lúcida exploración del mundo desasosegante, opresivo, lleno de angustia y obsesiones del duque, un mundo que refleja lo deforme y la desazón de una mente encerrada en sí misma, donde la tortura primera del rechazo familiar se convierte en autotortura. Tanto el decorado, como las luces y las proyecciones del videoartista Rafman traducen ese mundo mental, un mundo que nos acerca al drama de ese personaje dice de sí mismo  poco antes de morir que es un pobre monstruo de Bomarzo, pobre monstruo pequeño, ansioso de amor y de gloria, pobre hombre triste.

El Teatro de La Zarzuela y La Fundación Juan March

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El Teatro de La Zarzuela  y  La Fundación Juan March

 

El Teatro de La Zarzuela y La Fundación Juan March, presentan en coproducción, un nuevo título dentro de la serie Teatro Musical de Cámara, que alcanza su sexta edición y que programa obras que no suelen tener cabida en los teatros habituales. Se pondrá en escena en la Fundación Juan March la obra “La Cinesi “. Esta producción sitúa la acción en la China del siglo XVIII, inspirándose en la estética oriental: mobiliario, vestuario, caracterización y gestualidad transmitiendo  la fascinación y el misterio que Oriente suscita en la mirada occidental.

Resulta una ópera de salón en un solo  acto. Fue  compuesta originariamente para piano y cuatro voces.  Su autor  ha sido Manuel del Pópulo Vicente (1775-1832). Así mismo en las mañanas de los días 10-12 y 16 de enero, se ofrecerá, en la propia sede de la Fundación, tres funciones didácticas para alumnos de secundaria, como parte del proyecto educativo  del Teatro de la Zarzuela. La dirección musical y la interpretación al piano, estará a cargo de Rubén Fernández Aguirre, quien ya ha dirigido tres óperas de Salón de Manuel García, y la dirección de escena está firmada por Bárbara Lluch, que debuta con esta producción tras una larga carrera como colaboradora de escena en España y Reino Unido.  La representación del día 11 de enero, se trasmitirá en directo por Radio Clásica de RNE y en vídeo (streaming) a través de www.march.es/directo.

 Esta será la sexta edición del formato Teatro Musical de Cámara, iniciado en 2014 por la Fundación, una línea de programación centrada en un vasto corpus teatral que por sus características -obras de pequeño formato, destinadas a un número reducido de intérpretes – que no suelen tener cabida en los teatros de ópera convencional. El teatro Musical de Cámara tiene, por lo tanto, la vocación de recuperar para el público del siglo XXI géneros de excepcional importancia para la historia del teatro musical y de la cultura española que, sin embargo, quedan marginados por el modo en el que los repertorios teatrales han quedado institucionalizados.

La Fundación Juan March, fue fundada en 1955 por el financiero Juan March Ordinas, quién creó la Fundación que lleva su nombre, le imprimió una forma muy precisa y a la vez, muy innovadora para su tiempo.   En sus primeros 20 años la Fundación se dedicó a financiar becas y ayudas.   Desde que en 1975 se inauguró el edificio de la calle Castelló de Madrid, se imparten desde entonces, ciclo de conferencias, conciertos, exposiciones de arte, seminarios, hay un muy interesante archivo de fotografías  y la Biblioteca con más de 40 años de existencia ,ha ido incorporando temáticas enmarcadas en las Humanidades y las Artes.

El Teatro de la Zarzuela de Madrid, inaugurado la noche del 10 de octubre de 1856, cumpleaños de la reina Isabel II, hoy es  dirigido por el argentino Daniel Bianco. Son más de mil las obras estrenadas sobre sus tablas, lo que obliga a considerar este hermoso teatro, como un icono de la cultura de Madrid. Debemos destacar continúa enseñando a las nuevas generaciones, este género  llamado chico,  de la zarzuela,  que sorprende tanto  al que viene del exterior.

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                                        Profesionales argentinos

                                 Corresponsal María Rosa Jordán y Director Teatro de la Zarzuela Daniel Blanco

Entre el deseo y la leyenda: El holandés errante en el Teatro Real

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Por Norma Sturniolo

 

El Holandés errante, (Der fliegende Holländer) es una ópera romántica en tres actos con libreto y música de Richard Wagner (1813-1883). Se estrenó en la Real Ópera de Dresde el 2 de enero de 1843 y  se representa en el Teatro Real desde el 17 de diciembre de 2016 al 3 de enero de 2017. Es una producción  con el sello de La Fura del Baus de la Ópera National de Lyon, en coproducción con la Bergen Nasjonale Opera, Ópera Australia y la Opéra de Lille.

 

 

La dirección musical corre a cargo de Pablo Heras Casado, el director de escena es Àlex Ollé, el escenógrafo, Alfons Flores, el  figurinista Josep Abril, el iluminador, Urs Schönebaum, el video pertenece a  Franc Andreu y Andrés Máspero dirige el coro.

 Barítono Evgeny Nikitin  El Holandés.
Barítono Evgeny Nikitin
El Holandés.

 

En el primer reparto intervienen Daland Kwangchul Youn, barítono, Ingela Brimberg, soprano, Nikolai Schukoff, tenor, Kai Rúútel, mezzosoprano, Benajmis Bruns, tenor y Eugeny Nikitin, bajo barítono, todos acompañados porn el Coro y la Orquesta titulares del Teatro Real.

 

 

Tan apasionante es la ópera como las circunstancias que propiciaron su gestación y que Richard Wagner contó en su libro autobiográfico Mi vida. Ahí  explica, detenidamente, los extraordinarios y difíciles hechos que favorecieron la ideación de la obra.

 

 

 En 1839 el compositor y su primera esposa, la actriz Minna Planner, sufrían graves problemas económicos. Se vieron obligados a huir de sus acreedores y a embarcarse rumbo a Londres en un velero llamado Tetis. El capitán del barco los ayudó a  esconderse junto a su perro Robber en el pañol de proa que servía para guardar los cables de amarras. A los pocos días de navegación, se desató una terrible tormenta. El barco fue zarandeado con tanta violencia que perdió el mascarón de proa. El silbido del viento entre las jarcias del Tetis y la visión de un barco fantasmal  que apareció y desapareció en la oscuridad impresionaron vivamente la imaginación de Wagner. El capitán del Tetis tuvo que atracar en un fiordo noruego para salvarse él y su tripulación de la feroz tempestad. También ese  lugar y el canto de los marineros se grabaron en la memoria del compositor.

 

Barítono Evgeny Nikitin El Holandés Soprano Ingela Brimberg Senta
Barítono Evgeny Nikitin El Holandés Soprano Ingela Brimberg Senta

Wagner, además de conocer la leyenda del holandés errante que hablaba de un barco fantasma cuyo capitán estaba condenado a vagar eternamente por los océanos,  leyó el libro del escritor Heinrich Heine, De las memorias del señor Schnabelewopski, publicadas en 1834. En él ya están fijadas la idea de la salvación del condenado por el amor de una mujer que le es  fiel,  la de, Daland, el padre de la joven que accede a casar a su hija con el holandés por el poder económico que demuestra tener el holadés y la de Senta, la hija de Daland que está dispuesta a sacrificar su vida para redimir al holandés errante. Wagner añade un personaje que no está en la obra que es Erik, un amigo de la infancia y pretendiente de Senta. Asimismo, realiza un cambio: en lugar de que el barco fantasma se hunda, como aparece en el libro, en el libreto de  Wagner, Senta y el holandés ascienden a los cielos.

Esta ópera es la primera obra maestra del autor de la tetralogía de El anilllo del Nibelungo. La obertura donde ya aparecen los principales leitmotivs, la balada de Senta, el dúo con el holandés, todo anuncia el Wagner futuro.

 

 

Estamos ante una obra profundamente romántica con un mar embravecido que nos recuerda los mares del pintor inglés Turner como su célebre Naufragio.

 

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La representación que vemos en el Teatro Real  acerca la obra a nuestros días y el lugar que se elige nada tiene que ver con los fiordos noruegos. Se trata  del puerto de Chittagong  en Bangladesh, donde grandes barcos mercantes son desguazados. Un lugar tan contaminado que es conocido como el infierno en la tierra.

 

 

Apenas comenzada la obertura, aparece una gigantesca embarcación en medio de una tempestad que agita intensamente las aguas del mar. Aparecen la arena del contaminado lugar con sus gentes  pero  nunca vemos un segundo barco, el que pertenecería al holandés. Solo el primer barco de Daland el padre de Senta, ¿Porqué? Porque en esta interpretación de la ópera wagneriana, los fantasmas son los que están en el interior de las gentes del lugar, de los mismos operarios que desguazan el barco. En expresión de Álex Ollé “los fantasmas del holandés errante rezuman de sus sentinas y lo impregnan todo, Son el alma de la sociedad capitalista (…) un lugar donde mientras el materialismo lo desguaza todo, aún queda alguien dispuesto a alcanzar un mundo mejor. El último vestigio de un idealismo salvador. Es el sueño en el que Senta y el holandés errante aún pueden seguir elevándose indefinidamente hacia lo alto”.

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El espectador descifra sobrecogido el deseo de liberación de ese mundo asfixiante que es Chittagong. Es el deseo que Senta  compartirá con el holadés errante.

 

 

Al final  de esta puesta en escena , se nos ofrece una poderosa imagen del mar que puede hacernos evocar el simbolismo del mismo como fuente y final de la vida.

 

 

Ah, el mar embravecido… ¿Cómo no pensar también en el mar del inconsciente y sus irrefrenables pasiones, en el deseo de regreso, de  retornar al origen, que es al mismo tiempo el  final?

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Acercar la leyenda al deseo de liberación de un materialismo destructivo  resulta una propuesta interesante no solo por su importancia ética  sino también por el simple hecho de  alejarnos de lo acostumbrado y por tanto,  favorecer la reflexión.

 

 

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Fotos: Javier del Real

Teatro Real

 

 

El valor de la compasión en Iphigenia en Tracia, zarzuela barroca de José de Nebra

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Por Norma Sturniolo

Fotos: Javier del Real

 

La zarzuela barroca Iphigenia en Tracia  de José Nebra se representa estos días (15, 19, 23 ,25 y 27 de noviembre de 2016) en el Teatro de la Zarzuela  con dirección musical de Francesc Prat, dirección escénica de Pablo Viar, escenografía de Frederic Amat, vestuario de Gabriela Salaverri e iluminación de Albert Faura.

 

 

El reparto está integrado por María Bayo, que interpreta el papel de Iphigenia, Auxiliadora Toledano, en el de Orestes, Ruth González como la princesa Dircea de Tracia, Erika Escribá- Astaburuaga como Polidoro, Lidia Vinyes- Curtis, en el papel de la criada Cofieta y Mireia Pintó, en el de Mochila. Es una nueva producción alrededor de la cual se han programado otras actividades  y una exposición que se mantendrá hasta el 27 de noviembre en el Museo Tyssen-Bornemisza titulada Frederic Amat, la escena pintada en la que  hay una retrospectiva de la obra teatral de F. Amat.

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De la obra escénica de José Nebra (Calatayud, 1702- Mardrid, 1768), el coliseo madrileño programó hace a unos años, concretamente en 2013, la zarzuela Viento es la dicha de amor donde el protagonismo lo tenía el deseo amoroso.

 

 

 

 

 

 

El libretista de Iphigenia en Tracia es Nicolás González Martínez, autor dramático, censor de comedias y poeta español de la  segunda mitad del s. XVIII. La obra se estrenó en el Teatro de la Cruz de Madrid en 1747 y se basa en la leyenda griega de los Átridas, la trágica familia maldecida por los dioses.

El mito de Ifigenia, la hija de Agamenón y Clitemnestra, hermana de Orestes y de Electra, dio lugar a una larga y rica tradición artística que llega hasta nuestros días. Referentes indiscutibles son las dos tragedias de Eurípides, Ifigenia en Áulide e Ifigenia en Táuride. En esta última, se inspira la zarzuela que nos ocupa.

 

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Recordemos algunos aspectos de la tragedia para señalar, por una parte, la fidelidad y por otra, la originalidad del libreto de esta zarzuela con respecto a su fuente de inspiración.  Ifigenia se encuentra en Táuride, (Tracia en el libreto de N.G. Martínez), porque la llevó allí la diosa Artemisa. Con anterioridad, se encontraba en su patria, en Áulide. La flota aquea contra Troya que dirigía su padre estaba inmovilizada en el mar porque, según un oráculo, lo impedía Artemisa, la Diana romana. El oráculo decía que la diosa permitiría navegar a las naves si, Agamenón sacrificaba a su hija Ifigenia. Él acepta y cuando ella está a punto de ser sacrificada -esta es una de las versiones, ya se sabe que de un mito hay más de una versión, la misma diosa Artemisa la rescata y la lleva a Táuride. Allí, Ifigenia se convierte en sacerdotisa principal del templo de Artemisa. Entre los tauros gobierna Toante e impera una ley cruel según la cual todo extranjero que llegan al lugar debe ser sacrificados. El  hermano de Ifigenia, Orestes había matado a su madre Clitemnestra, en castigo porque ella, a su vez, había matado a Agamenón y a raíz de ese acto es perseguido por las Erinnias, vengadoras de crímenes. Un oráculo explica que para liberarse de esa persecución debe dirigirse a Táuride y llevar a Grecia la estatua de Artemisa.

En esta nueva producción se nos aclara los antecedentes incorporando fragmentos muy bellos de la tragedia de Eurípides y de una obra de finales del XVIII, Ifigenia en Taurida de Goethe (1779).

Un aspecto novedoso de la zarzuela es la inclusión de unos personajes que nada tienen que ver con la tragedia: Mochila y Cofieta, dos criados, equivalentes a los graciosos de nuestro teatro áureo, que tienen dos dúos y dos recitativos en los que se alejan del mundo mítico y hay alusiones a usos de la época que rompen con el tiempo en que transcurre el mito.

 

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La música de Nebra es magnífica desde la obertura inicial y destaca en los dúos y concertantes. Además, Nebra demuestra su originalidad con respecto a las típicas arias barrocas donde se representaba un solo afecto. En un misma aria podemos encontrar dulzura, melancolía e ira como podemos comprobar en la primera aria de la princesa Dircea. En ella, se compara los tiempos felices en los que gozaba del amor de su prometido con los actuales en los que él ha dejado de amarla porque se ha enamorado de Ifigenia. A través de la música y el texto, vamos conociendo el mundo rico, complejo y lleno de inseguridades propio de la psicología humana.

La catarsis, el alivio de la angustia que atenaza a Orestes y a los demás personajes se produce a partir de la anagnórisis, del descubrimiento de la verdadera identidad del forastero. La comprensión y el apelar  al sentimiento de la compasión producen la purificación de los afectos. Ifigenia reconoce en Orestes a su hermano y pide que se le perdone la vida ya que: tirana ley severa, que con holocaustos fieros, obsequiar la deidad quiere, comete crueldad, no obsequio.

Ese mensaje aleccionador de la obra está implícito desde el principio ya que el título completo de la zarzuela es: Para obsequio a la deidad, nunca es culto la crueldad y Iphigenia en Tracia.

 

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Frances Amat, en su labor escenográfica , demuestra una exquisita sensibilidad realizando una coreografía escultórica en movimiento que puede sugerir un bosque, los mástiles de las embarcaciones y todo aquello que despierte en el espectador, apelando  así, a una participación del espectador que se convierte en cocreador del espacio escénico. Una vez más se demuestra que las grandes obras establecen comunicación con todos los tiempos y lugares.

XXIII Edición de “El Alcalde de Zalamea”

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Por Juan Antonio Narro

 

Del 18 al 21 de agosto, la localidad extremeña de Zalamea de la Serena vuelve al Siglo de Oro para celebrar una nueva edición de la representación teatral de “El Alcalde de Zalamea”. Obra maestra de la literatura universal escrita por Pedro Calderón de la Barca en el siglo XVI  que narra los hechos acaecidos en esta villa en el año 1580 con su insigne alcalde como personaje central.

Todo el pueblo de Zalamea se vuelca con el teatro, siendo por unos días personajes del siglo de Oro como villanos, artesanos, pastores o soldados. Una reconversión completa que se prolonga durante todas las jornadas de la representación y casi las 24 horas del día. En definitiva, un magnífico proyecto cultural que consigue sumergir al visitante y al espectador en la atmósfera calderoniana de finales del siglo XVI.

Padrinos de excepción

En esta edición, la actriz Verónica Forqué, será una de las protagonistas al ser la madrina de estos días tan señalados en la localidad ilipense. Tras protagonizar la obra “Los hilos de Vulcano” en el Festival de Mérida, toma el relevo de actrices que desde la cita emeritense han amadrinado la obra como Concha Velasco, Anabel Alonso o María Galiana.

Por otra parte, la figura del padrino corresponde en este 2016 al actor Juanma Navas, conocido actualmente por su papel en la popular serie “Acacias 38” de TVE. Será el sábado día 20 de agosto cuando llegue a Zalamea de la Serena para apadrinar la obra.

Programación cultural

A la representación teatral, que se desarrolla durante 4 días, se añade una amplia y variada programación de actividades culturales y de ocio que, girando en torno a la obra teatral, aprovecha y pone en valor los importantes recursos patrimoniales de la localidad, una de las más activas y significativas de la comarca, que ha llevado a ser denominada Capital Cultural de la Serena.

Porque, ciertamente, Zalamea de la Serena no es solamente teatro. El visitante va a encontrar  una riqueza histórica y artística de las más significativas y singulares del contexto extremeño e, incluso, nacional, que, en este caso, sirven de atrezo y escenario tanto para la representación de la obra como para el desarrollo del resto de la programación.

 

Por tanto, Zalamea de la Serena se convierte en un importante marco cultural en el cual se circunscribe la obra de Pedro Calderón de la Barca, que gracias a sus vecinos sigue viva 436 años después de su nacimiento.

 

Web: www.zalamea.com/teatro.htm

Reina Juana: una mujer que nació fuera de lugar y de su tiempo

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Por María Rosa Jordán

Se representa en el Teatro Abadía de Madrid, una gran obra escrita por Ernesto Caballero, quién le ha dado una vida única al monólogo que la genial actriz Concha Velasco, quien encarna de una manera asombrosa a la reina llamada Juana la Loca.

No en vano Concha atesora el Premio Nacional de Teatro, Medalla de Oro a las Bellas Artes y al Mérito en el trabajo, Goya de Honor.  No caben los premios, de la que es una de nuestras actrices más queridas y respetadas.

La dirección artística, escenografía y dirección de escena, corre a cargo de Gerardo Vera.

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Breve historia de la Reina Juana de Castilla:  La Reina Juana, fue la tercera de los hijos de Fernando II de Aragón y de Isabel I de Castilla, nació en Toledo un 6 de noviembre de 1479, ostentaba los títulos de Reina de Castilla, de León, de Granada, de Toledo, de Galicia, de Sevilla, de Córdoba, de Murcia, de Jaén, de los Algavares, de Algeciras, de Gibraltar, de las Islas Canarias, de las Indias ( desde 1505 ) de las Islas y Tierra Firme del Mar Océano y Sra. de Vizcaya y de Molina.

En 1496 contrajo matrimonio con Felipe el Hermoso, archiduque de Austria, duque de Borgoña y Brabante y Conde de Flandes, tuvo Juana seis hijos de su esposo.

Por la muerte de sus hermanos Juan e Isabel y de su sobrino Miguel de la Paz, se convirtió en heredera de la Corona de Castilla y de Aragón, a la muerte de su madre Isabel la Católica, en 1504 fue proclamada Reina de Castilla junto a su esposo y a la de su padre Fernando el Católico.

Por lo tanto el 25 de enero de 1516, se convirtió en la primera reina de las coronas de la actual España, pero debido a la aún no probada demencia que decían que padecía…su poder fue solo nominal, siendo su hijo Carlos I de España y V de Alemania el rey efectivo de Castilla y de Aragón.

Los terribles 46 años de reclusión forzosa que su padre Fernando le impuso en el palacio de Tordesillas, junto a su hija pequeña Catalina, hasta que se quedó absolutamente sola, cuando Catalina se casó.

Cualquier persona hubiera terminado sus días con demencia absoluta y así ocurrió, el 12 de abril de 1555

La historia se hace realidad en la incomparable interpretación de Concha Velasco.icono teatro abadia

Nuevo teatro clásico de la comedia

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Por María Rosa Jordán

En Madrid tenemos nuevamente un magnífico Teatro Clásico que abrió sus puertas en 2015, fue inaugurado por primera vez el 18 de septiembre de 1875 por el Rey Alfonso XII

Después de estar en obras de restauración durante muchos años, se inauguró recientemente con una preciosa ornamentación interior. Es de estilo neo árabe, con profusión de elementos del antiguo arte hispanomusulmán, se encuentra situado en un barrio de gran tradición teatral, en el que ya existían corrales de comedias, el de la Cruz y el del Príncipe ( hoy Teatro Español )

La puesta en escena de la obra de un Lope de Vega muy moderno  “La Villana de Getafe” dirigida por Roberto Cerda interpretada por la Joven Compañía Nacional del Teatro Clásico 2016. Este es el primer año de la cuarta promoción da la Joven CNTC, iniciativa y gestación a través de la que Adolfo Marsillach bautizó como Cursos y Escuela de Teatro Clásico en 1989, en 2007 creó “La Joven” el entonces director de la CNTC Eduardo Vasco.     En 2012 Helena Pimenta retoma el proyecto y en el mes de mayo de 2013, tras un proceso de selección de más de 5000 candidatos, sale a escena la tercera promoción de la llamada “La Joven “.

La Villana de Getafe, aborda la diferencia de clases sociales, entre ricos y pobres ( cortesanos y campesinos ) es la base de la historia que Lope de Vega nos enseña y la nueva promoción de la Joven Compañía nos ofrece, texto dinámico, actualizado para que afloren los profundos sentimientos ( no exentos de humor ) dibujados con maestría por Lope.

 

www.teatrodelacomedia.com

Rigoletto y Traviata

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Por María Rosa Jordán

El Teatro de la Luz Philips Gran Vía 66, acoge desde el 1 de marzo, dos grandes clásicos; RIGOLETTO y La TRAVIATA del compositor italiano Giuseppe Verdi.

La Compañía Festival Lirico vuelve a ofrecer ópera de calidad a todos los públicos y llena el espacio dejado por las grandes producciones extranjeras, únicamente accesible para grandes espacios.

Desde sus comienzos, la Compañía Festival Lirico ha desarrollado una intensa labor musical y escénica con un gran éxito de crítica y público.

Su elenco artístico está compuesto por solistas especialistas de cada uno de los géneros. Todos ellos figuras del canto que ya demostraron y viven constantemente una intensa actividad profesional, conocida por el público amante de la lírica.

La orquesta Filarmónica Mediterránea está compuesta por 35 profesores de escuelas de música y conservatorios de Madrid, algunos de sus miembros son invitados de otras Orquestas Sinfónicas de los países del Este, especialistas en música romántica y religiosa, actualmente como orquesta estable de la Compañía Festival Lírico, ha interpretado numerosas zarzuelas y óperas en los que se incluyen títulos como Carmen, La Traviata, El Barbero de Sevilla, Madame Butterfly, entre otros.

Dos semanas y dos grandes títulos que sirven para continuar acercando la ópera a la calle, a la gente.

RIGOLETTO. Del 1 al 16 de marzo, una de las más emblemáticas óperas italianas por su riqueza melódica y de fuerza dramática, compuesta en tres actos con música de Giuseppe Verdi, está basada en la obra teatral de Víctor Hugo, estrenada en Venecia en 1851. Intenso drama de pasión, engaño, amor filial y venganza.

LA TRAVIATA: Del 8 al 13 de marzo. Basada en La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas, se convirtió tras su inicial rechazo, en una de las obras más aplaudidas del compositor, Giuseppe Verdi, por los valores universales que laten tras la tragedia de una cortesana, que renuncia incluso a la vida por salvar el honor de su amante.

Una historia que Verdi consagra como mito a través de una música de una profunda humanidad.

 

 

www.gruposmedia.com