«Una de las cosas más puras del ser humano es la sonrisa, es el humor». Arístides Pumariega, caricaturista cubano.

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Voces Iberoamericanas en el 2016

Por Ana Lucía Ortega

 

«La caricatura es un grito de frescura y de rapidez» Entrevista a Aristide.

El 7 de diciembre de 2016 tuvo lugar la presentación del nuevo libro del caricaturista cubano Arístide Pumariega, en las jornadas del V Festival VISTA de arte y literatura independiente celebrado en la ciudad norteamericana de Miami.

Subdesarrollo Pérez en La Tremenda Corte”, es un libro con caricaturas de Arístide y prólogo de Rebeca Ulloa. La presentación estuvo a cargo del escritor, periodista y productor de espectáculos Armando López.

Con permiso de su autor, cogemos prestadas algunas de las frases que utilizó López para presentar al autor de “Subdesarrollo Pérez…” porque quien no conoce a Arístide tiene, en esta crónica, la semblanza perfecta:

Arístide creo a Subdesarrollo Pérez en 1968, en plena Ofensiva Revolucionaria. El Estado nacionalizó hasta los puestos de fritas. En la calle no habia ni donde amarrar la chiva. Subdesarrollo Pérez, cubanazo en camiseta, botas de miliciano, medallón al cuello, lager en la mano, vino a burlarse de la doble moral del cubano, del que aplaudía en la Plaza y despotricaba contra los abusos en su casa.

Arístides Pumariega Montes (que así se llama) nació en Madruga, pueblo musical y politiquero, en el hotel de su abuela, un caserón con un balcón desde donde veía llegar a los circos y a los políticos, y escuchaba los danzones que salían del Liceo. Imágenes de un mismo folklore que conformarían su universo.aristideAcpi

Su madre era una católica que no iba a misa; su padre, masón; su nana, una negra que pedía a sus orishas por el niño blanco. De bombachos dibujaba historietas, aunque soñaba con ser músico, escritor, no sabía qué. Sólo quería que lo aplaudieran.

Cuando terminó el bachillerato, entró en la Escuela de Periodismo. Con Batista Cuba era un polvorín. Pero al joven Pumariega no le interesaba la revolución.

Había visto a Fidel llegar en su Chevrolet café con leche al caserón de Madruga. Lo había visto estrechar manos, politiquear como aspirante a representante por la ortodoxia. Para Arístide, los políticos eran como las rumberas del circo, folklore desde el balcón, y él no se iba a morir por quien no creía.

Apenas dormía, una cerveza para la cruda, Glostora para el pelo lacio, con 21 años se vestía a la medida, disfrutaba cada noche habanera como si fuera la última. Era músico, noctámbulo, farandulero… Oh, La Habana de entonces… ¡Era mucha Habana!

Nunca había recibido clases de dibujo, pero lo nombraron caricaturista de Combate, el diario del Directorio Revolucionario. Era 1959, la revolución parecía “verde como las palmas”. Pero llegaron los CDR, cerraron los casinos, prohibieron la Navidad, recogieron vitrolas, putas y maricones, La Habana se fue apagando y el bongosero tuvo miedo, mientras su otro yo, el caricaturista, dibujaba una manzana de la que salía un gusanito.

Cuando a De la Nuez le dieron la dirección de Palante, y lo nombró su director artístico, se sintió seguro, creó Subdesarrollo Pérez, el personaje más auténtico, satírico, provocador de la revolución cubana.

 

Pincha sobre este enlace para que escuches la entrevista de Aristide:

 

 

La reseña completa de Armando López puede leerse en el siguiente enlace titulado “Subdesarrollo Pérez y la doble moral….”:

Subdesarrollo Pérez y la doble moral de los cubanos

«Cuando llegas a una edad como la mía de ochenta y pico de años, ves la vida de color de rosa…Feliz, feliz…»

 

 

 

Adriana Zapisek – Ikonos y Vertientes

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Por María Rosa jordán

 

Una sugerente exposición de cuadros que se ha inaugurado el día 2 de noviembre hasta el 15 del mismo mes, en la Sala Prado del  Ateneo de Madrid congregó una nutrida audiencia de amigos y admiradores de su arte.

 

Adriana Zapisek, pintora abstracta, nacida en Buenos Aires, Argentina, reside y trabaja en esa ciudad, como también en la ciudad de Madrid, España. La investigación de Adriana ha estado vehiculada por una reflexión acerca de la forma, el color y la composición. Tras una primera etapa de carácter geométrico realizada con aerógrafo, la artista evoluciona hacia un nuevo estadio caracterizado por una abstracción orgánica que es modulada con pinceles.En sus últimos trabajos, el pensamiento razonado, la conciencia analítica y la conceptualización teórica ganan terreno a la carnalidad plástica de sus obras anteriores, las cuales vienen a funcionar ahora como materia prima sobre la que trabajar nuevamente.

 

 

Asistentes a la inauguración de la exposición, arropan a la artista, el pasado 2 de noviembre, día que se abrió al público la nueva muestra de su obra en Madrid.
Asistentes a la inauguración de la exposición, arropan a la artista -la tercera de izquierda a derecha-, el pasado 2 de noviembre, día que se abrió al público la nueva muestra de su obra en Madrid.

Frente a la idea clásica de una imagen clausurada, las últimas producciones de Adriana ponen el acento en una investigación abierta y procesual. De este modo, configura un amplio repertorio iconográfico a partir del cual abre muy distintas vertientes formales.  Así en un primer momento, la depuración a la que sometido el núcleo iconográfico como forma distintiva nos permite comprender con nitidez sus características formales; en un segundo momento, la artista emprende una sucesión de decisiones (aplicación de sombras, de la imagen en negativo, descomposición, alteración de su disposición sobre el plano, recomposición de fragmentos, etc.)  Que se van plasmando en una serie de imágenes que, si bien tienen entidad propia, deben ser analizadas dentro de un desarrollo global.

 

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La transformación que está viviendo la obra actual de Adriana Zapisek no responde a un maquillaje estético o una mera deriva formal. Al contrario, responde a un proceso meditado y consciente que busca profundizar en el marco de su propio lenguaje como estrategia de amplificación y renovación.  El resultado es la manifestación de una obra que vuelve sobre sí misma para trazar un camino de mayor profundidad.

 

Adriana dijo: Sigo en el camino de la búsqueda de lo inalcanzable, las utopías, que son el motor de mi vida.   Desde el 3 al 6 de noviembre participo en la II Feria de Arte Contemporáneo en Sevilla, S.A.C.O 2016.

 

Adriana Zapisek desde 1985 ha realizado más de 30 exposiciones individuales y más de 140 Exposiciones Grupales alrededor del mundo, ha dado conferencias sobre Arte Argentino Contemporáneo. También fue invitada a realizar portadas de diferentes Revistas, Libros y C.D en España y Argentina.

 

Zapisek emplea diferentes técnicas como acrílicos, aerógrafo, acuarelas, lápices de colores y técnicas mixtas.

 

www.adrianazapisek.com

Por qué es única la exposición de “el Bosco”

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Por Ana Lucía Ortega

 

La exposición del V Centenario de el Bosco rebosa de público el Paseo del Prado de Madrid.

 

Desde el 31 de mayo en que abrió sus puertas, el Museo del Prado registra colas bastante nutridas para acceder a una muestra única por dos motivos: es la primera exposición del enigmático artista holandés en España y es primera vez que se reúnen en dos Salas sus obras originales más importantes a nivel mundial.

 

Turistas extranjeros, nacionales y los residentes en la capital, -que no nos cansamos de regresar a este museo -, tenemos la ocasión de admirar la exclusiva reunión de los seis boscos originales de El Prado, con los cuadros expuestos habitualmente en Museos y Galerías de arte de varios países de Europa y América, como Francia, Italia, Países Bajos, Reino Unido, Alemania, Portugal, Belgica y Estados Unidos.

 

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El Museo Nacional del Prado cuenta con la mayor pinacoteca original del artista que se conserva a nivel mundial. Procede de la colección personal del monarca Felipe II, gran admirador del holandés, que las reunió en el Monasterio de El Escorial. Quizás la más conocida es “El Jardín de las Delicias”; además del tríptico de la “Adoración de los Reyes Magos” y “El Carro de Heno”.

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Debo destacar el montaje de los trípticos en la exhibición, que permite al visitante visualizar la parte trasera de las obras de arte. Es común colgarlos de la pared, por lo que solo podemos ver el contenido de las tablas por la zona frontal. Esta disposición hace posible admirar la pieza en toda su dimensión.

 

 


Otra forma de ver la pintura de este artista singular, es la videoinstalación denominada “Jardín Infinito”  que consiste en una multiproyección de vídeo y audio de 75 minutos de duración, que interpreta y recrea en imágenes  “El Jardín de las Delicias”. Estará disponible hasta el 2 de octubre.

 

El Bosco

La Exposición del V Centenario

31 de mayo – 11 septiembre 2016

Jheronimus van Aken (h. 1450-1516) “el Bosco”, nació y vivió en ‘s-Hertogenbosh, ciudad  norteña del ducado de Brabante -actualmente Holanda-. Firmaba sus obras como Jheronimus Bosch y esto influyó en darle notoriedad a esta población. El artista disfrutó en vida de una fama que lo consagró como un pintor audaz, imaginativo, simbólico y enigmático. Se dice que Salvador Dalí fue influenciado por su obra.

Galerías y Museos de procedencia de las obras de la Exposición del V centenario de el Bosco

Hieronymus Bosch by Cornelis Cort (Wikipedia)
Hieronymus Bosch by Cornelis Cort (Wikipedia)

Además de los seis boscos que pertenecen al Museo Nacional de El Prado, se exhiben obras procedentes del Metropolitan Museum of Art de New York; del Museo del Louvre de París; de la Galería de la Academia, de Venecia; del Museo Boijmans van Bruningen, Róterdam; del Museo Voor Schone Kunsten, Gante (Bélgica); Museo Nacional de Arte Antiga, Lisboa; del Museo The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, Misuri; de la Fundación Lázaro Galdiano, Madrid; del Museo alemán Staatliche Museen zu Berlin; del Museo de Brujas (Bélgica);  de la Akademie Der Bildenden Künste, Viena; de Albertina, Viena; del The J. Paul Getty Museum, Los Ángeles; del Rijksmuseum, Amsterdam; del Museo de la Universidad de Oxford; de Lille, Palais Des Beaux-Arts; S-Hertogenbosch (Países Bajos); Museo de Fine Arts de Boston; On Loan from the British Museum, Londres; Staatliche Kunstsammlungen Dresden – Startseite; Philadelphia Museum of Art, Philadelphia; Colecciones Reales Patrimonio Nacional, Real Monasterio de El Escorial; Städel Museum en Fráncfort del Meno; y la National Gallery de Londres.

 

 

 

 

Inicialmente publicado en WEBPERIODISMO

El Seicento italiano y la exposición del Centenario en Madrid

EL BOSCO MESA DE LOS  PECADOS CAPITALES

 

Por María Rosa Jordán

Dos exposiciones se presentan en Madrid: El Bosco en el Museo del Prado y “De Caravaggio a Bernini” en el Palacio Real

 

El Museo del Prado y la Fundación BBVA Conmemoran el V Centenario del fallecimiento del Bosco, con la primera muestra monográfica que se dedica en España y la más completa y de mayor calidad realizada hasta la fecha, colección irrepetible de obras maestras procedentes de museos de Europa y Estados Unidos.    Es un montaje tan sorprendente y excepcional.  El Bosco cuyo nombre de nacimiento fue Jheronimus van Aken (1450-1516) conocido en España como  el Bosco, nació y vivió en Hertogenbosch, una ciudad al norte del ducado de Brabante, en la actual Holanda, a la que el artista vinculó su fama al firmar sus obras como Jheronimus Bosch.

Gracias al interés que mostró por el Bosco el rey Felipe II, España conserva el mayor conjunto de originales suyos y todos ellos figuran en la exposición.    El Museo del Prado, heredero de la colección Real junto con Patrimonio Nacional, custodian seis obras entre las que destacan los trípticos del  Jardín de las Delicias, La Adoración de los magos y el Carro de Heno, a ellos se suman el Camino del Calvario de El Escorial.  Préstamos procedentes de Lisboa, Londres, Berlín, Viena, Venecia, Rotterdam, París, Nueva York, Filadelfia o Washington, entre otras ciudades, hacen de esta muestra un acontecimiento único para sumergirse en el imaginario de uno de los pintores más fascinantes del arte universal.

El cuadro más sorprendente y con una lectura casi esotérica, es la obra donada originariamente por el rey Felipe II en 1574 a El Escorial y que se conserva actualmente en el Museo del Prado “La Mesa de los Siete Pecados Capitales y las “Cuatro Postrimerías “ofrece una explicación detallada de las posibilidades de salvación y de la culpa existencial de la humanidad.  El Museo del Prado ha organizado un extenso y variado programa de actividades para complementar, explicar y difundir ésta exposición única, que incluye, entre otras, la producción de un documental y la edición de un Cómic del dibujante Max.

Como colofón al programa, la V Cátedra del Prado, cuyo titular será Reindert Falkenburg, se dedicará al Bosco y a su discípulo ideal, Pieter Brugel el Viejo.   Actividades, conferencias, cine, concierto, taller de verano y como novedad una Videoinstalación a partir de la excepcional e icónica obra del Bosco “El Jardín de las Delicias”, el Museo del Prado presenta por primera vez una ambiciosa videoinstalación, concebida ex profeso para la sala C del Museo, que permite experimentar y acercarse al célebre tríptico desde un espacio sensorial y perceptual, en el cual, el espectador camina y comparte el lugar del Paraíso, el Jardín o el Infierno con una multitud de seres, criaturas y cuerpos.  En el Jardín Infinito el artista Álvaro Perdices y el cineasta Andrés Sanz, diseccionan los múltiples mundos pictóricos del cuadro haciendo posible  una experiencia completamente inversiva y envuelta por la composición de un paisaje sonoro.   Acceso con la entrada de la exposición.

Se podrá visitar hasta el 11 de septiembre   El horario de visitas a la exposición será de lunes a jueves de 10.00 a 20.00, viernes y sábado de 10.00 a 22.00 y los domingos y festivos de 10.00 a 21.00 h.   La compra anticipada por internet www.museodelprado.es

 

“De Caravaggio a Bernini” Obras Maestras del Seicento italiano en las colecciones reales

 

La exposición “De Caravaggio a Bernini”, en las Salas de Exposiciones Temporadas del Palacio Real de Madrid   (Plaza de Oriente) organizada por Patrimonio Nacional con el patrocinio de Fundación Banco de Santander, ofrece un interesante y completo recorrido por las distintas escuelas italianas del siglo XVII y su influencia: desde Bolonia a Roma, desde Roma a Nápoles y desde Nápoles a España. Las obras maestras de los más importantes artistas del Seicento italiano y del Barroco están en las salas Génova de Palacio.  Gracias a la importante campaña de restauración emprendida, se ha devuelto toda su calidad a muchas de ellas. Destaca especialmente la soberbia recuperación del lienzo de Caravaggio, obra maestra de su etapa final.  Además se ha realizado un profundo estudio catalográfico que, entre otras cosas, ha posibilitado la identificación y nueva atribución de algunas piezas, como se refleja en el catálogo.

 

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La muestra cuenta con setenta y dos obras de pintura y escultura, todas ellas pertenecientes a las Colecciones Reales de Patrimonio Nacional.  Destacan como pieza central el cuadro de Michel Ángelo Merisi da Caravaggio  “Salomé con la cabeza del Bautista “posiblemente el mejor lienzo de este artista conservado en España.  Al mismo tiempo se presentan obras maestras de grandes pintores españoles como Velázquez o Ribera y autores italianos, flamencos y franceses: Guido Reni, Giovan Francesco Romanelli, Simone Cantarini, Charles La Brun, Francesco Albani o Giacinto.

Las dos esculturas más importantes del siglo XVII, Gian Lorenzo Bernini y Alessandro Algardi están presentes en la exposición del Palacio Real de Madrid.  Junto a sus significativas obras también se pueden contemplar las de otros artistas del momento como Fisher von ErlachEl, François Duquesnoy o Foggini.   El Cristo crucificado de Bernini.  excepcional Cristo, única escultura del maestro encargada para fuera de Italia que llegó a su destino, fue realizado a instancias de Felipe IV, para presidir el Panteón de los Reyes en el Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial.

Se podrá visitar hasta el 16 de octubre. Se ruega consultar horarios y precio

www.patrimonionacional.es   o teléfono  914548700

El Buscador de Sueños

“Desembarcando en Salta 500 años después” (2013)”

Inauguramos la Revista Literaria ACPI con este artículo

 

Por: Ana Lucía Ortega

Breve historia de un pintor cubano en Salta

 

Francisco quería ser como Indiana Jones. Su pasión era la egiptología. Pero nació en Cuba y su sueño se transformó en “un imposible”. Sin embargo, no puede decirse que no lo intentara. Hasta un amigo de su pueblo natal intercedió ante el Ministro de Educación, -popularmente conocido como “el gallego Fernández”- para que aquella pasión tomara cuerpo. No sucedió.

En su pueblo y en su propia familia ocurrían hechos extraordinarios. Cada día salía el sol y una imagen onírica se apoderaba de los que compartían el mismo apellido. La imagen transmutaba en un lienzo, en una cartulina o en una hoja de papel. Y se hacía arte. Pocas familias tienen ese don de hacer físico un pensamiento etéreo. Y pocos pueblos de la periferia de La Habana tienen la primera Estación Experimental Agronómica de toda América Latina, la primera sublevación de los vegueros con víctimas mortales que tuvo lugar en la Isla de Cuba, la tumba – en el Cacahual- de uno de los héroes independentistas más venerados de esa tierra… Y ese halo de pueblo histórico en mayúsculas.

Panchito, como lo llaman sus amigos, tuvo que cumplir una misión internacionalista en la guerra de Angola mientras cumplía el servicio militar obligatorio. No pudo negarse. Hacer eso en Cuba, también era un imposible. Fracasado su intento de convertirse  en egiptólogo, cuando regresó de África se lanzó en su tierra a ese derrotero para el que estaba predestinado. En 1992 se matriculó en la Academia de Bellas Artes de “San Alejandro” y un año más tarde vendía sus pinturas en las ferias de arte de La Habana. ¿Fue un conjuro entre la propensión artística familiar y el aire quijotesco que respiraba en el pueblo natal? No puede decirse que sí. Tampoco que no.

“Nunca supe que sería pintor” –me confiesa.- “Fue una fatalidad geográfica el que pudiese dibujar y pintar cuando me encontraba aburrido”.

Se hizo pintor profesional. En los comienzos, cuando vendía sus primeras obras en las ferias de arte habaneras, conocería a unos compatriotas residentes en Méjico y Miami los cuales le facilitarían los materiales para que pudiese pintar. Fueron sus primeros clientes. Después vendrían los contratos en las galerías “Víctor Manuel” y “Acacia” en la capital de la Isla. El camino iba abriéndose paso a paso.

Encontré al artista visitando el Cerro Cuevas Pintadas de Guachipas, a unos escasos cien kilómetros de Salta, la linda, capital de la provincia homónima ubicada en el noroeste argentino. Adivinando siluetas inconfundibles de llamas, objetos de la vida cotidiana, e inverosímiles figuras con atuendos místicos, que nos remontaban a rituales con la presencia del sol. Estábamos ante unas pinturas rupestres que constituyen excepcionales testigos de las expresiones artísticas de los primeros pobladores de las actuales ciudades del Norte Grande de Argentina.

Le pregunté qué hacía en Salta y desde cuándo vivía allí. En el año 2000, una fundación cultural le invitó a exponer sus obras en esta ciudad. De Salta le cautivó su colorido semblante hispánico y colonial, su clima parsimonioso, sus soberbios destinos turísticos y arquitectónicos, las deliciosas empanadas salteñas, la música, la Catedral, el Teleférico, el colosal Tren a las nubes y la esencia de su pueblo que ama el arte y vive orgulloso de su pasado. Pero fue una mujer quien le hizo quedarse para siempre.

“Desembarcando en Salta 500 años después” (2013)”
“Desembarcando en Salta 500 años después” (2013)”
Sus creaciones recrean la cubanía y se funden en perspectivas recordadas y soñadas. Quise saber cómo lo consigue puesto que hace quince años abandonó su tierra. Sin dudarlo un instante, hizo alusión a la respuesta de Wilfredo Lam a una pregunta similar, cuando identificó la lejanía y la nostalgia como los requisitos indispensables para crear: el alma solo se abre cuando tiene las llaves del desarraigo. “Creo que a mí me pasó algo parecido ­­­- afirma Cancio -. El distanciamiento de los problemas y angustias que sufría en Cuba y vivir en otra realidad tan distinta a la cubana hicieron posible las imágenes que creaba. Salta tiene una rutina de orgullo provinciano muy a tono con mi natal Santiago de las Vegas de los años cincuenta.”
Las musas de otoño
Las musas de otoño
Las musas del otoño es un cuadro dedicado a su esposa. También es un símbolo. En el muro de facebook de Cancio descubro publicada la obra junto a una reflexión suya idealizando el ambiente recreado en el lienzo, a través de su visión surrealista. Sostiene que ha descubierto en Salta la perfecta conjunción de un paisaje de palmas reales en medio de una luz otoñal – inconcebible en el Caribe-.  Un marañon (1) ilustrado por el pintor que nos da la espalda en el lienzo, encarna el exilio del artista sugerido por una musa.

El proceso creativo en Francisco Cancio tiene como estímulo el hombre y los mecanismos sociológicos que lo mueven para desarrollar su vida. También la psicología y la antropología. Siempre aparecen reveladas la historia de Cuba y la de su comarca natal. Pero algo que trasciende estos escenarios más o menos tangibles lo impulsa a crear paisajes y escenas surrealistas: los misterios de la alquimia y la adivinación.

Por eso sus cuadros se mecen entre la disparatada conjunción de trozos de existencia, hermosa e idílica, y la simbiosis del color con los claroscuros. En sus obras siempre se descubren pasajes legendarios; escenas del Caribe de la infancia y la adolescencia; lo soñado y sentido; y lo que está por llegar.
Luna llena en el estrecho de la Florida
Luna llena en el estrecho de la Florida

“Mientras estudiaba pintura, – me explica- el encuentro con la metafísica de (Giorgio de) Chirico, el surrealismo belga de Magritte, y el  posmodernismo del islandés Guðmundur Guðmundsson “Erró”, fueron puntales de mi inspiración. Luego  vendría el toque vanguardista de algunos de los grandes del siglo XX como Miró, Picasso, Henry Moore y el mexicano – canadiense Arnold Belkin.”

Sin dudas, el hallazgo de la obra daliniana determinó su ego creativo. “Lo primero, fue el choque tremendo con el surrealismo perfeccionista de Dalí, con el meticuloso dibujo de los sueños.”
El fin justifica los medios o la última bala de Maquiavelo
El fin justifica los medios o la última bala de Maquiavelo
El “efecto Dalí” conmocionó a Cancio siendo muy joven, y fue de tal forma que su hijo, – también pintor -, se llama Alejandro Dalí. Mientras cumplía el servicio militar, se rebelaba escapando de la unidad adonde volvía de madrugada protegido por la oscuridad para evitar el castigo del calabozo. Lo hacía en compañía de un amigo apodado “Manotas” en alusión al personaje de los dibujos animados del pulpo, que emitía la televisión cubana de los años ochenta. En la biblioteca de la casa del amigo, una de aquellas tardes, descubrió un libro donde asomaba el rostro de un hombre de bigotes extravagantes que le atrapó.  Ese fue el encuentro con Salvador Dalí. Las imágenes saltaban del libro provocándole una hipnosis hasta el momento desconocida. Había hallado el manantial de su inspiración primaria.

Cuando Francisco supo que el pintor español aún vivía, intentó conseguir la mayor cantidad de información sobre su vida y obra. La suerte tocó a su puerta en la persona del mismo amigo catalán que le había llevado al Ministro de Educación una carta suya donde expresaba su interés por estudiar egiptología en la antigua URSS. Juan Bundó y Puig se había desenvuelto en los ambientes políticos durante la Segunda República española y sus acciones le llevaron a exiliarse en Francia donde subsistió en un campo de concentración. Cuando el nazismo fue vencido, partió hacia Cuba, estableciéndose en Santiago de las Vegas, a unos veinte kilómetros de la capital. Algunos de sus conciudadanos santiagueros lo recuerdan como el hombre de figura apacible, buen carácter y gran intelecto. Conocido como el Profesor Bundó, durante años impartió clases de francés en la biblioteca “Mas Luz” además de otras asignaturas en el Instituto de La Habana. Su nombre quedó grabado para siempre en la memoria de esta población, – donde falleció -, gracias a su colaboración en la edición del libro Santiago de las Vegas por dentro junto al historiador del municipio Francisco García Fina.

La Anunciación según Marat
La Anunciación según Marat

El profesor puso a Francisco en contacto con su hermano Maurici Bundó y Puig, quien había entrevistado a Dalí en la década del cincuenta. Surgiría entre ellos una relación epistolar que le mostraría a Cancio el semblante de un Dalí desconocido en Cuba. Desde la ciudad de Barcelona donde residía, Maurici le facilitó ese vínculo umbilical que necesitaba su ego con el maestro: libros sobre el genio ampurdanés – uno de ellos no pasó la barrera del Centro Nacional de Correos de Cuba-; el contacto con el entonces director del Teatro-Museo Dalí en Figueres y reseñas sobre las exposiciones que se programaban;  y anécdotas sobre las reacciones del pintor a las críticas a su obra.

Cae la noche en la ciudad de Salta y las lámparas de luces mortecinas iluminan las calles coloniales de fachadas coloridas. El paisaje entre rocoso y marino que dejamos atrás, en el Cerro Cuevas Pintadas de Guachipas, ha sido un espectáculo para la vista y el ánimo. Llega la hora de encontrar la calidez de los restaurantes criollos y la alegría de las peñas folclóricas, para disfrutar del espectáculo de la música y el baile sin dejar de lado la charla, animada por un buen yantar.

La conversación con Francisco Cancio no ha concluido. ¿Qué le hace pintar? ¿Qué le inspira? Debemos ser muchos los que nos hagamos estas preguntas ante el autor de dibujos, retratos y oleos surrealistas. “Debe existir un estado inspiracional especial. – expresa Cancio-. En caso de no darse, basta una imagen, idea o sensación exclusiva que me lleve a dibujar y ordenar en un papel el cúmulo de imágenes que se agolpan en mi cabeza en un instante. Es en este estado que el surrealismo toma la bandera y todo lo que sea oníricamente útil es seleccionado.”

Estamos en un local de espíritu bohemio, a unos diez minutos del barrio donde se encuentran las mejores peñas de Salta, una ciudad que ha sido pábulo de las sugestiones de Cancio. “Es enajenante verse envuelto en esa nube de ideas surrealistas desordenadas que buscan una salida, un orden. – Prosigue el pintor describiendo cómo vive el proceso de sus creaciones –. Así, desfilan una serie de hojas con bocetos más o menos elaborados y comienza el collage, donde se mezcla todo lo que deba ser mezclado, trasmitiendo mi mensaje de surrealismo posmoderno.”

No hace falta explicar más. Seleccionar el dibujo final para comenzar a procesarlo al óleo. En el caballete producir la alquimia de colores,  aceites y emulsiones para cada capa de pintura. Suelen ser tres capas…

Yo acabo de decidir que solo me llevaré como recuerdo de Salta el típico poncho salteño llamado también “güemesiano” de color burdeos y lazo negro. Porque la mejor evocación ya la tengo. Cancio me ha regalado La anunciación según Marat. El dibujo surrealista recrea símbolos de Santiago de las Vegas, el único pueblo que en el siglo diecisiete obtuvo en la provincia, junto a la ciudad de La Habana, el doble título de Villa y Ciudad. Mirando la obra, se me ocurre que la “Anunciación…” es un presagio de lo que le esperaba a este pueblo, ahora en ruinas.

¿Lo es Francisco Cancio? Pero el pintor ya no está conmigo. No puede corroborar si mis intuiciones son acertadas. ¡Cuántas nuevas ideas no le estarán rondando ahora por la cabeza! Ha empezado otro ciclo.

El pintor en su estudio
El pintor en su estudio

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Marañón (1): En Cuba, el fruto del árbol de las Antillas, Venezuela, y América Central, perteneciente a la familia de las Anacardiáceas. Según la R.A.E. el fruto tiene “forma de pera, es una nuez de cubierta cáustica y almendra comestible.”

 

Nota del webmaster: Este reportaje forma parte de la Revista Literaria ACPI, una de las páginas de nuestra web. Pinchando en el siguiente enlace podrá leer otros trabajos que podrán ser de su interés:

Revista Literaria

Monasterio de las Comendadoras

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Por María Rosa Jordán

Exposición de Doña Ana de Orleans

Se ha inaugurado recientemente una exposición de 90 acuarelas de S.A.R. Doña Ana de Orleans, princesa de Francia y duquesa viuda de Calabria, en el Real Monasterio de las Comendadoras de Santiago de Madrid (calle del Acuerdo 19).  El objetivo de la muestra, organizada por la Fundación Comendadoras de Santiago, es cooperar en la restauración del monasterio, que lleva a cabo la arquitecta Emanuela Gambini.

La exposición cuenta con 90 obras y se divide en once apartados con nombres de mujer, cuya denominación comienza por cada una de las once primeras letras del alfabeto: Amalia, Beatriz, Isabel, Katia, Fanny…

La iconografía de las acuarelas va desde paisajes naturales y urbano2016_may_Comendadoras (24)

(Roma, Toledo, Madrid…) hasta frutas, flores y floreros, pasando por interiores y abstracciones de intenso o sutil cromatismo.

La exposición coincide con la inauguración de la sala capitular del monasterio, una de las estancias más singulares del monasterio, espacio de encuentro de las monjas con la aristocracia de la época.   Las paredes están decoradas con papel pintado a mano en la Real Fábrica.       La autora de la exposición en las Comendadoras ha llevado a cabo diversas exposiciones individuales o colectivas en su trayectoria artística y es la presidenta de honor de la Bienal “20 pintores unidos por la acuarela “que recorre diferentes ciudades españolas. Su obra se encuentra en diversos museos.

El Real Monasterio de las Comendadoras de Santiago, uno de los mejores ejemplos del barroco madrileño, fue fundado en 1680 por expreso deseo del rey Felipe IV y su esposa Doña Mariana de Austria.  Don Íñigo de Zapata y Cárdenas cumplió la orden del rey, con los arquitectos José y Manuel del Olmo.   Es el primer monasterio de los construidos en Madrid que se conserva íntegramente en su extensión, en su propiedad y en sus funciones.

El convento de las Comendadoras de Santiago fue declarado Bien de Interés Cultural en la Categoría de Monumento en 1970, por lo que goza de la máxima protección jurídica prevista por la Ley de Patrimonio Histórico de la Comunidad de Madrid.

Este edificio data de los siglos XVII y XVIII, alberga a las monjas de la orden de Santiago, las Comendadoras.

En 1774 Carlos III encargó a Francisco Sabatini la construcción de un nuevo edificio que vino a completar la manzana.   La Cúpula recuperada se suma a otras zonas del complejo restauradas en los últimos años, como la Sacristía de los Caballeros, las Capillas de las Fuentes de los Caballeros del Tránsito, del Locutorio de las Flores, el patio de Moradillo, la Capilla de los Hábitos y la Capilla de las Niñas.    La Comunidad de Madrid ya ha invertido una suma importante para su restauración y este programa permite a los ciudadanos visitar las dependencias ya restauradas de este conjunto arquitectónico.

Falta recuperar la preciosa iglesia que se aparta de la tipología jesuítica, ya que se trata de una planta de cruz griega, con los cuatro brazos iguales y terminado en forma obsidial.   El altar mayor está presidido por un cuadro de Lucas Jordán, representando a Santiago luchando en la batalla de Clavijo.    Una verdadera maravilla que se debe conocer.

Doña Ana de Orleans muestra sus acuarelas a la corresponsal María Rosa Jordán, de Acpi
Doña Ana de Orleans muestra sus acuarelas a la corresponsal María Rosa Jordán, de Acpi

San Sebastián: Capital de la Cultura europea 2016

DONOSTIARTEA

Adriana Zapisek – Pintora argentina

Por María Rosa Jordán

Tuve el privilegio de acompañar a una gran pintora argentina-polaca, nacida en Buenos Aires, Argentina, que reside en esa ciudad, como así también en la ciudad de Madrid.

 

La pintora acompañada por la corresponsal de Acpi
La pintora acompañada por la corresponsal de Acpi

 

Adriana Zapisek participó invitada por la Galería Gaudí de Madrid, en la exposición colectiva organizada en el Kursaal de San Sebastián, durante los días 12,13,14 y 15 de mayo.

Con cuatro de sus cuadros más significativos de su arte deconstructivo, actualmente siguiendo en la investigación de las formas y esencia de sus mismas obras, ha encontrado un nuevo desarrollo de sus estructuras por medio de la fotografía digital, y en las tecnologías actuales, una naturaleza nueva de expresión e investigación.    Zapisek emplea diferentes técnicas mixtas, como acrílicos, aerógrafo, acuarelas, y  lápices de colores.

INAUGURACION DONOSTIARTEA

Desde 1985 ha realizado más de 30 Exposiciones Individuales en ciudades como Pekín ( China ) Singapur, Yakarta ( Indonesia ) Londres ( U.K ) Roma ( Italia ) Sofía ( Bulgaria ) Varsovia   (Polonia ) Asunción ( Paraguay ) Punta del Este ( Uruguay ) Buenos Aires ( Argentina ) y Madrid ( España ) siendo la última exposición individual en octubre de 2013 “ Juego de Mentes “ en el Círculo de Bellas Artes de la ciudad de Madrid.

Asimismo, ha participado en más de 140 exposiciones colectivas en Estados Unidos ( Palm Beach , Coral Gables y Miami ) Europa ( Glasgow, Zurich, Bucarest, Viena, Tunsdorf ) Cuenca, Sevilla, Marbella, entre otras ) y América Latina ( Buenos Aires, Córdoba, Misiones, Asunción de Paraguay, Punta del Este, Uruguay )

Ha ofrecido Conferencias sobre Arte Argentino en distintas ciudades del mundo, invitada por Universidades o Instituciones de prestigio.

www.adrianazapisek.com

INAUGURACION

Exposición de cuadros y esculturas de Patricia Larrea y Amparo Méndez

 

Por Mª Rosa Jordán   

Preciosa exposición de las artistas  Patricia  Larrea  y  Amparo  Méndez en la sala” Grupo Tres X Cuatro” en la calle Doctor Velasco 6 de Madrid muy cerca de la Estación de Atocha, son muy pocos días que se podrá admirar,  del 9 al 13 de diciembre pero al finalizar la nota, dejaré los contactos de las pintoras.

Patricia Larrea nace en Guayaquil (Ecuador) donde estudia bachillerato artístico, cursando estudios de pintura, dibujo y escultura en el Colegio Nacional de Guayaquil, estudia periodismo en la Facultad de Periodismo de Guayaquil. Posteriormente se traslada a España graduándose en la Escuela de Artes Aplicadas y en la Escuela Oficial de cerámica de Madrid.PATRICIA-exposicion del 140215-320x240

Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid (Facultad de San Fernando)     Realiza estudios de dibujo en el Círculo de Bellas artes de Madrid y cursos de escultura y cerámica en Francia e Inglaterra. Académica de número por la Academia de la Hispanidad.  Dama del Capítulo de Caballeros y Damas de Isabel la Católica.

Miembro de la Asociación de Corresponsales de Prensa Iberoamericana desde 1974. Corresponsal de la Revista “Diplomático Consular “y el diario “Expreso “de Guayaquil. Sus exposiciones desde el año 1969 en su Guayaquil natal, recorren el mundo en años sucesivos, por toda la geografía hispana y países de Europa: Dinamarca, Bélgica, Paris y fue invitada varias veces, para exponer en su tierra Ecuador.

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Participa en más de 200 exposiciones colectivas, como invitada y en diversos certámenes nacionales. Ha obtenido más de 20 premios y sus obras figuran en en distintos Museos y Entidades.    Bibliografía Cultural e Ilustraciones en España y Ecuador.La actual exposición es de gran belleza, acuarelas y tintas, con un tema común La Metamorfosis en distintos niveles, Mandalas en distintos momentos del día, palomas que inspiran paz y armonía y Una Noche en los Andes verdaderamente espectacular.

www.patricialarrea.com         Facebook: Patricia Larrea Esculturas    patricia-larrea@hotm.com

Amparo Méndez, vive y trabaja en la Capital de España, es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, desde 1980 expone en distintas galerías  de España, Europa: Portugal, Noruega, Dinamarca, y en ESTAMPA Galería Arte Privado, Rosario ( Argentina ).amparo mendez

Ha tomado parte en distintos concursos desde 1976.   Otras actividades, diseño y Pintura de Murales, dirige, talleres de pintura en Madrid y Cádiz y sus obras se encuentran en diversas colecciones particulares en España, Méjico, Dinamarca, Noruega, Portugal, Japón y en distintos Museos.

Sus cuadros muy originales y bellos, pinta mucho a distintas formas de mujer y su técnica variadas, sobre aluminio, grabados ,calcografías y también oleos mixto sobre papel.

http://www.amparomendez.com/           

e-mail: amparomendez1@gmail.com

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El sueño de Gea

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GEA: La tierra, madre de todos los dioses (cuenta Plutarco  su historia). Es la diosa primigenia de la que surgió todo, adorada como fuente de toda vida. Nace después del Caos y antes de Eros (el Amor). Todo está relacionado con ella. Soñemos pues.

 

En esta ocasión exponemos juntos seis artistas e intentamos captar la magia que desprende esta idea de GEA. Todos somos distintos y esto hace que la exposición tenga un mayor interés al aunar distintas visiones diferentes sobre un fin común.

 

Por orden alfabético

 

AMPARO MÉNDEZ, GRABADORA, presenta once grabados realizados con técnica mixta en donde expresa con hondura y destreza aspectos internos de nuestros sueños ocultos.

 

CESAR JUSTEL, FOTÓGRAFO, capta en sus fotografías intensos momentos con un toque mágico y una visión muy poética. Son estudios etnológicos que le llevan a viajar por todos el mundo.

 

GUDRUN EWERT, GRABADORA, intensifica su hacer con mano firme y sus grabados siguen recordándonos la técnica de Goya y Rembrant; sus tonos intensos hablan de su profundidad y certeza.

 

JULIÁN BUSTAMANTE, PINTOR Y DIBUJANTE, sus retratos captan el  alma de sus personajes y nos muestran no sólo el desnudo de sus cuerpos, sino la profundidad de sus sentimientos. Es un hábil cirujano que penetra en el interior y nos muestra la belleza interna de las cosas.

 

MIRTYA HUIZZI, GRABADORA, sus grabados son como intuitivos, profundos y llenos de misterio; con mano sutil revolotea sobre el papel y desgrana aspectos internos de la magia de la plancha plasmada sobre papel.

 

PATRICIA LARREA, ESCULTORA, transforma con mano maestra troncos y materias primas pertenecientes a la naturaleza, que transforma con su cincel, como si de una varita mágica se tratara. Últimamente enriquece su trabajo con colores sobre las esculturas o el cuadro, tratados con la técnica del estuco. Con una sensibilidad que transmite en todas sus obras.

 

 

OS INVITAMOS A CONOCERLOS.

 

La Exposición, como figura en el cartel, durará del 10 al 25 de Septiembre.

 

 

GRUPO TRES X CUATRO

grupotresporcuatro@gmail.com

grupotresxcuatro.blogspot.com.es

Ciclo de Pintura Cósmica

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Francisca Blázquez ha inaugurado su Ciclo de Pintura Cósmica ‘Luz’ en el Hotel Miguel Ángel de Madrid el pasado 26 de mayo con gran éxito de público

Por Joan Lluís Montané

Crítico de arte, escritor y poeta

La artista madrileña ha inaugurado el pasado día 26 de mayo a las 20:00 horas una exposición de tres días -26, 27 y 28 de mayo-en el Hotel Miguel Ángel de Madrid titulada Ciclo de Pintura Cósmica, ‘Luz’ inspirada en la Ley Universal de la Causa y Efecto. La muestra ha contado con el apoyo de ADE (Asociación de Diplomáticos en España) y de la Academia de Diplomáticos.

 

La pintura desprende una emisión energética muy alta

La exposición ha contado, además, con la presencia del reconocido radiestesista José Luis Martos García de Pamplona quien midió en directo la energía que desprenden las obras pictóricas. Revisó diez obras pictóricas y declaró que: ‘he revisado las pinturas y la medición da bastante alta en general. Hay alguna diferencia de un cuadro a otro, pero pequeña, siguen más o menos, la misma línea de emisión de onda de forma.
La obra de Francisca, al medirla desprende entre 7.500 a 9.000 unidades bovis, eso quiere decir que la energía vibracional es bastante alta. La medición la he realizado con un biómetro de a. bovis, esto es una escala orientativa para ver la energía vibracional que emiten las diferentes formas, dependiendo del enfoque que se le dé al testarlas.
El trabajo en la exposición ha consistido en medir cada cuadro con péndulo y con el biómetro, también con varillas.’ 
Por otra parte declaró que se puede hacer un estudio en profundidad de cada obra, como el efecto que produzca, a corto medio y largo plazo, cómo utilizarlos, cómo armonizar, donde ubicarlos , que efecto pueden hacer a distancia.

Sesenta embajadas y más de 170 personaspintura cosmica

En la inauguración asistieron más de 170 personas y sesenta embajadas. La representación diplomática estuvo formada por embajadores y personal diplomático de diferentes áreas y secciones de las mismas. Entre otros países presentes estuvieron diplomáticos y personal de las embajadas de Rusia, Emiratos Árabes, EE.UU., Palestina, Qatar, Siria, Líbano, Portugal, Grecia, Rumania, Italia, Francia, Túnez, Marruecos, Argelia, Jordania, Japón y otros muchos.

Los diplomáticos se mostraron muy entusiasmados por la medición de los cuadros, admirando el trabajo pictórico y energético de la artista Francisca Blázquez, siendo sus comentarios muy favorables.

El acto inaugural empezó con los parlamentos de Ana María, la portavoz de la Asociación de Diplomáticos en España (ADE). También hablaron Chus Ventura, la artista Francisca Blázquez y el radiestesista.

Francisca Blázquez desde niña la llamaban espíritu. Es una mujer que se ha regido desde siempre por lo espiritual. Concentrada en el arte, disciplinada y ordenada, su visión de las cosas descansa en la dinámica de que todo lo que existe es parte de una misma concepción: todo lo que hay forma parte de una verdad universal y puede transformarse en positivo.

Nace en 1966 en Madrid. Estudia en el Estudio Rajona de la capital de España de 1983 a 1989. Obtiene diversas becas de forma continuada a lo largo de los años en sus estudios, tras rigurosa selección: Estudio Arjona. Dibujo Estatua, Dibujo Figura, Bodegón Pintura, Pintura Figura y Personal Interpretación.

Su capacidad para la innovación le acompaña. Parece que su imaginación es inagotable. No tiene problemas de concentración, es más, la pintura le impulsa a centrarse en la verdadera dinámica de su existencia. Crear para comunicar aquello que pueda contribuir al progreso de los demás y al de uno mismo.

De 1989 a 2002 realizó diferentes cursos: Curso Intensivo de Pintura con Dª Mª Luisa Esteban en el Monasterio de Polo, Pontevedra; Estudio en grupo, Bienal de Venecia; estancia en Nueva York; estancia en París; Círculo de Bellas Artes en Madrid curso Intensivo de Arte Contemporáneo con Mr. John Armleder; Estudio Kassel Documenta con María Luisa Esteban y Curso Completo de 3D (Tres Dimensiones) con Joaquín Carnicer.  Estudios de grabado en Madrid. Estudios de joyería con Pablo Tardón en la capital de España. Se inicia en meditación con William Van Marsenille. Además de poseer una extensa formación en terapias energéticas con diferentes autores y maestros. Pero, en realidad, es, esencialmente, autodidacta y pose una gran intuición que le ha impulsado a investigar en múltiples campos que luego aplica a la pintura y a la vida.

Por otra parte realiza diversas y complejas animaciones artísticas, fotografías digitales y posee una gran producción artística en este medio electrónico de alcance internacional.

Su dedicación al arte es total, hasta el punto de que sus padres cuando iban a pasear por el Parque del Retiro de Madrid siempre comentan que la niña realizaba figuras, esbozos y dibujos más o menos abstractos con un palito en la arena del parque en lugar de jugar como hacían los demás niños.

A los ocho años su padre le compra el primer caballete y su madre y abuela le impulsan en la senda de la pintura. Más adelante  empieza con su obra académica. Está formada por bodegones, naturalezas muertas, figuración y estatua de figura e interpretación, además de interiores de diverso tipo como temas principales. Siempre quiso pintar. Fue constante y muy precoz, siendo muy evolucionada en la época que le tocó vivir.

Investigadora incansable, experimentaba constantemente, siendo muy audaz en el color. De niña dibujaba las muñecas y sus vestidos, se inventaba otras muñecas y originales vestidos y paisajes. Siempre tuvo iniciativa y estaba abierta a la creación.

En el colegio constantemente la destacaban en dibujo, hasta el punto que pintó un  mural en la pizarra que no se atrevió a borrar la profesora hasta que sus padres lo vieron directamente. Más adelante, dejó los estudios y se dedicó de lleno a las Bellas Artes en la Academia Arjona, una de las más prestigiosas y rigurosas de Madrid,  ganando siempre primeros premios, siendo becada. Obtiene cinco becas en Dibujo Estatua, Dibujo de Figura al Natural, Pintura Bodegón –Color-,  Pintura de Figura al Natural a óleo o acrílico e Interpretación.

María Luisa Esteban fue una profesora crucial en su dinámica plástica, potenciando sus dones y habilidades, en definitiva su capacidad creativa sin límites.

Ganaba siempre los primeros premios y se dedicaba a corregir a sus propios compañeros cuando se lo pedían. Muchos de sus compañeros eran estudiantes de Bellas Artes, incluso catedráticos y pintores de una cierta trayectoria. Francisca era muy joven pero ya despuntaba como pintora, siendo seleccionada para la exposición de la Cámara de Comercio e Industria de Madrid en una muestra colectiva donde estaban los mejores artistas de España dirigida por los más importantes críticos de arte de la época, siendo Raúl Chavarri el comisario general que se interesó por la obra y la quiso comprar, destacándola en ABC.

Abierta a nuevas percepciones pasó del academicismo al impresionismo, después se interesó por el expresionismo, a continuación por el arte abstracto y el arte conceptual. Siempre innovando mezclando radiografías, con fotos, pintura sobre papel, tela y madera, elaborando esculturas de diferentes formatos a las que les incorporaba luz.

Participa en todos estos años hasta la actualidad en alrededor de 400 exposiciones individuales y colectivas en España, Italia, Francia, Portugal, Ecuador, República Dominicana,  Perú, Argentina, Dinamarca, Estados Unidos, Alemania, Gran Bretaña, Rusia, Japón, China, México y Suiza. En relación a su asistencia a ferias fundamentalmente  acude a ARCO, con la galería Anselmo Álvarez de Madrid;  feria de COLONIA (Alemania), con la Galería d’ Art Contemporani  Antoni Pinyol de Reus (Tarragona-España); Lineart, en Gent – Gante (Bélgica) con la Galería Berruet Pabellón de Logroño; DeARTE, Madrid (España), entre otras.

En la época en que pertenece a la Galería Anselmo Álvarez de Madrid acude a ARCO y realiza dos macro-instalaciones de 800 metros cuadrados cada una para dicha galería, siendo un éxito por su sagacidad, expresión, sinergia de disciplinas y determinación empleando desde materiales reciclados procedentes de construcción y edificios, tales como puertas de ascensores, maderas, muebles, etc.  hasta luces que iluminan esculturas de grandes proporciones.

Por otra parte, incorpora a las mismas, video creación y danza contemporánea. Es la etapa experimental, con una obra geométrica y a la vez gestual y expresiva, que va más allá de la forma, que pretende revolucionar el medio a partir de una actitud claramente vivencial y metafísica.

Es una época de grandes cambios y transformaciones tanto en su vida personal como profesional. Viaja mucho y expone en América y Europa.  

En esta época su vocación espiritual y cósmica deja su impronta que se va afianzando cuando se dedica a la investigación geométrica y posteriormente al Dimensionalismo.

Francisca Blázquez (www.franciscablazquez.com y www.franciscablazquez.net) autora del Dimensionalismo en 1998, indaga en su obra pictórica a partir de ese año en la investigación angélica, esotérica, exotérica, etérica, átmica, búdica, espiritual, monádica, cristalográfica, la dimensión del amor y galáctica, entre otras. 

Cada dimensión tiene sus propios códigos, formados por la determinación vibracional, concentración diversa de energías que configuran la faceta visible que la artista refleja más allá de la forma conectando a través de la meditación.

En su serie de cristalografías del agua presenta la estructura interna del agua, sus moléculas y sus divisiones con sus subdivisiones, compaginándolas con la esencia iluminada.

Por otra parte en sus series espaciales contemplamos formas de planetas, entidades suspendidas, flotando, también geometrías extrañas y elaboradas a la vez.

Asimismo posee series en las que exhibe la fuerza de los seres dévicos, otras que son esotéricas, relacionadas con lo misterioso del conocimiento profundo que a todos los atañe.

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Y, especialmente, en los últimos tiempos, fundamentalmente, realiza singulares obras  dentro de su particular proceso de meditación. Esta serie es la que está desarrollando en la actualidad, exhibiendo obras de extraordinaria belleza y certeza espiritual que transmiten energía e interactúan con la persona, la empresa y el medio transformándolos a nivel positivo.

La creadora multidisciplinar e interdisciplinar madrileña, esencialmente pintora, pero, también, autora de dibujo, escultura, joyería, fotografía, animación digital, instalaciones,  grabado, performances, video creación, danza experimental, creación digital y arte interactivo, aporta al arte actual armonía entre la ciencia y la espiritualidad, indagando en la energía, prescindiendo del aspecto puramente formal, habiendo superado el ego.

Su obra se halla representada en las mejores colecciones del mundo: Fundación Newman de Chicago, Fundación Argentaria de Madrid, JJ.00. de Pekín -en escultura, siendo seleccionada entre 5.000 artistas de todo el mundo, pasando la criba tan solo 40 entre ellos Francisca Blázquez-, Museo Marugame Hirai de Japón, Círculo Artístico de Venecia, Platinum Collection, Grupo Dúplex, Eurodesign, Bolsa de Comercio de Buenos Aires, 200 empresas suizas,  240 empresas españolas, Unión de Bancos Suizos, Corporación Bancaria Suiza, Museo Arte On, Ayuntamiento de Marbella, Embajada de Mónaco, Embajada de Palestina, Embajada de Egipto, Instituto Egipcio de Estudios Islámicos de Madrid, Casino de Marbella,  N&N,  decenas de obra pictórica en coleccionistas de Nueva York, Londres, París, Milán, Brescia, Bérgamo, Venecia, Ascoli Piceno, etc.

Destacar su exposición en Londres en el estreno mundial de la película What the Bleep Do We Know!? 

Entre sus animaciones digitales destacar la titulada ‘Universo Dalí’, concebida expresamente para la I Exposición Internacional Dolmen de Dalí, proyectada en Casa de la Moneda y en pantalla gigante en la misma Plaza Dalí de Madrid ante mil personas.

Como poeta participa en diversidad de libros, entre los que cabe citar la edición de Mujeres Poetas del Siglo XXI de Lord Byron Ediciones. Asimismo escribe textos y poemas para revistas de arte e imparte conferencias sobre el Dimensionalismo.

Artista sensible y espiritual, desde el principio de su carrera  está siempre relacionada con la espiritualidad, que refleja en su creación.

Trabaja para el Congreso  itinerante ‘Nueva Luz, Nueva Consciencia’,  especialmente en la imagen corporativa, realizando animaciones digitales de una extraordinaria belleza espiritual y arquitectónica y es la artista pictórica del mismo. 

El arte es un medio para expresar energía

Para Francisca Blázquez el arte en la actualidad es ‘un medio para expresar la energía, la evidencia de que existe una abundancia cósmica tan grande con la cual todos podemos ser felices. Solo hay que aprender a conectarse para darse cuenta de ello.’ 

Es fundamental para la creadora madrileña conectarse porque es un paso más en su progreso espiritual evolutivo y constante. ‘Conectarte’, -afirma- ‘me refiero a meditar a través de la glándula pineal, irradiar, abrir los chacras, estar en la no mente. Después  aprender a ser uno con el universo, con la abundancia cósmica que nos afecta a todos. Todos somos uno con la luz, porque todos somos parte de ella.’

Considera que la meditación es fundamental para el progreso artístico y para el suyo propio, aplicándola en todas las disciplinas en las que participa: ‘Cuando estás meditando es el Ángel Solar quien actúa, es el estadio átmico el que te impulsa a hacer lo que hago tanto en mi pintura, como en joyería, arte digital, fotografía, poesía, montajes, instalaciones y otras disciplinas. Pero para conectarte tienes que abandonar el ego, alejarse de la mente egóica, la mente racional que todo lo fiscaliza, para entrar en el proceso de meditación profunda que no conoce límites. El ego es quien nos impone condicionantes. Cuando meditamos todo obstáculo desaparece porque nos convertimos en esencia. Y en plena meditación puedes pintar, crear, moverte, vivir, actuar, porque estás en la plenitud de la meditación activa’.

Es disciplinada y rigurosa, tiene una forma de trabajar meticulosa, porque considera que  todo posee su proceso y su esfuerzo. Claramente su creación va más allá de los limites habituales y considera que todo depende del grado de evolución de uno mismo: ‘Todo depende de la persona, de sus conocimientos, características, formación, forma de ver las cosas, manera de contemplar el mundo y voluntad. Hay que practicar, limpiarse de malos pensamientos, tener los cinco sentidos preparados, buscar la armonía, ser consecuente con uno y con los demás.’

Consciente de que nos encontramos en unos momentos de cambio mundial, sabe que hay que hacer un esfuerzo para cambiar el mundo dentro de la dinámica sostenible y armónica. ‘Estamos en unos momentos de transformación de la humanidad. No hay vuelta de hoja. La energía platino que, procedente del centro de la galaxia está conectando con el planeta, nos conduce a un cambio de consciencia. La pretendida crisis económica no es más que un eslabón del gran cambio mundial para pasar de una sociedad consumista a una sociedad más espiritual y humana.’

Piensa que todos estamos influidos por dicho cambio y que, a la vez podemos influir para reconducirlo: ‘A todos los afecta.  A los artistas plásticos también. Dado que el artista es un ser humano que vive en el planeta tierra. Quizás nosotros tenemos la posibilidad de dar a conocer otras alternativas a la actual forma de ser y de vivir, a través de nuestro ejemplo. En mi caso, yo pinto, no solo dentro de la dinámica del mercado, es decir de la inversión, de lo funcional o de la estética, sino también en línea con los parámetros de la creación que interactúa con la persona en este caso aportando la energía que actúa con el ser humano y el medio.’

Está claro que su forma de pintar descansa en el conocimiento espiritual y energético que posee. Ella es una creadora intuicional. Muchas de las informaciones le vienen canalizadas, aplicándolas a la pintura con decisión. ‘Al pintar canalizando, la energía que plasmo en mi obra luego actúa beneficiando a la persona y al medio. Lo mismo con las otras disciplinas plásticas. Es el poder de la intención, luego de la realización y, ésta, a su vez, transforma actitudes, pensamientos, empresas, personas, ideas buscando lo positivo, lo energético vibracional, la fuerza de la luz, de la iluminación, del conocimiento superior.’

Es una creadora implicada, que, a la vez, posee el conocimiento metafísico, esotérico, espiritual y átmico necesarios para ir más allá de las especulaciones artísticas. Antes, al contrario, considera que su creación es producto de su práctica interior más arraigada y de sus creencias espirituales. ‘Con mi pintura alcanzo un estadio de iluminación. Iluminarse es alcanzar un estadio en el que lo importante es la esencia de lo que somos, no lo que nos rodea o la forma. La materia al servicio de la energía y del espíritu. La materia llega un momento que se ilumina y al hacerlo todo cambia, la percepción del  planeta es otra, el universo ya no es lejano, todos estamos conectados, somos luz, somos esencia.’

La gente es receptiva, conecta la gran mayoría de las veces directamente con la obra y sus procesos espirituales, además de con la energía que desprende. Es casi instantáneo. ‘Hay una conexión muy grande y precisa. Hay personas que me han escrito testimonios comentándome de que se les ha transformado la vida. Empresas que realmente estaban en una situación precaria y todo ha vuelto a cambiar en positivo. Hay testimonios realmente conmovedores. Otros más racionales pero todos con la carga de intensidad del agradecimiento. La gente comenta que mi arte les transforma su vida en positivo. Mi misión es pintar. Soy un canal de comunicación y a través de mi arte y de mi intención plasmo la energía que luego actúa beneficiando.’

Francisca Blázquez, además de ser una excelente pintora y artista, su imaginación es inagotable, considera que el arte también puede aportar su granito de arena para hacer un mundo más sostenible y para ofrecer una vida mejor a las personas. En los últimos tiempos conecta con Nichiren Daisonin, fundador del budismo verdadero, continuador de Sakiamuni,  quien afirma que La Ley Nam-Myôhô-Rengue-Kyô es fundamental para los tiempos actuales, permitiéndonos alcanzar la iluminación.

Francisca posee grandes conocimientos esotéricos, espirituales, místicos y prácticos que combina para cambiar y transformar la vida de todos en positivo.

Su actitud ante la vida, es sobre todo espiritual, complementándose con su actividad creadora.

No es una persona que sea solamente teórica sino que sus conocimientos son tan fundamentales que es capaz de ir más allá de la anécdota y ser coherente consigo misma, no solo como artista sino como persona.

Esto es fundamental dado que en la actualidad poca gente puede afirmar que lo que dice hace sino que intenta hacer. Mientras que Francisca es capaz de ir hasta el fondo de la existencia para poder actuar tal y como es: una mujer espiritual, que se da a los demás y que, a la vez, es una artista excelente. 

Ahora es madre de un niño que se llama Alexis, tiene casi cuatro años, un niño que es más que eso, dado que posee muchos dones, entre ellos el de pintar. Hasta la fecha Alexis lleva mucha obra pictórica pintada, con carácter y garra, con fuerza y expresividad. Otras de sus obras son sutiles, poéticas, pero, sobre todo, su pintura destaca por su clara personalidad y por su actitud determinante, amante de lo sugerente e incisivo a la vez, para ser consecuente con su gran inteligencia. De tal madre tal hijo.