El valor de la compasión en Iphigenia en Tracia, zarzuela barroca de José de Nebra

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Por Norma Sturniolo

Fotos: Javier del Real

 

La zarzuela barroca Iphigenia en Tracia  de José Nebra se representa estos días (15, 19, 23 ,25 y 27 de noviembre de 2016) en el Teatro de la Zarzuela  con dirección musical de Francesc Prat, dirección escénica de Pablo Viar, escenografía de Frederic Amat, vestuario de Gabriela Salaverri e iluminación de Albert Faura.

 

 

El reparto está integrado por María Bayo, que interpreta el papel de Iphigenia, Auxiliadora Toledano, en el de Orestes, Ruth González como la princesa Dircea de Tracia, Erika Escribá- Astaburuaga como Polidoro, Lidia Vinyes- Curtis, en el papel de la criada Cofieta y Mireia Pintó, en el de Mochila. Es una nueva producción alrededor de la cual se han programado otras actividades  y una exposición que se mantendrá hasta el 27 de noviembre en el Museo Tyssen-Bornemisza titulada Frederic Amat, la escena pintada en la que  hay una retrospectiva de la obra teatral de F. Amat.

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De la obra escénica de José Nebra (Calatayud, 1702- Mardrid, 1768), el coliseo madrileño programó hace a unos años, concretamente en 2013, la zarzuela Viento es la dicha de amor donde el protagonismo lo tenía el deseo amoroso.

 

 

 

 

 

 

El libretista de Iphigenia en Tracia es Nicolás González Martínez, autor dramático, censor de comedias y poeta español de la  segunda mitad del s. XVIII. La obra se estrenó en el Teatro de la Cruz de Madrid en 1747 y se basa en la leyenda griega de los Átridas, la trágica familia maldecida por los dioses.

El mito de Ifigenia, la hija de Agamenón y Clitemnestra, hermana de Orestes y de Electra, dio lugar a una larga y rica tradición artística que llega hasta nuestros días. Referentes indiscutibles son las dos tragedias de Eurípides, Ifigenia en Áulide e Ifigenia en Táuride. En esta última, se inspira la zarzuela que nos ocupa.

 

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Recordemos algunos aspectos de la tragedia para señalar, por una parte, la fidelidad y por otra, la originalidad del libreto de esta zarzuela con respecto a su fuente de inspiración.  Ifigenia se encuentra en Táuride, (Tracia en el libreto de N.G. Martínez), porque la llevó allí la diosa Artemisa. Con anterioridad, se encontraba en su patria, en Áulide. La flota aquea contra Troya que dirigía su padre estaba inmovilizada en el mar porque, según un oráculo, lo impedía Artemisa, la Diana romana. El oráculo decía que la diosa permitiría navegar a las naves si, Agamenón sacrificaba a su hija Ifigenia. Él acepta y cuando ella está a punto de ser sacrificada -esta es una de las versiones, ya se sabe que de un mito hay más de una versión, la misma diosa Artemisa la rescata y la lleva a Táuride. Allí, Ifigenia se convierte en sacerdotisa principal del templo de Artemisa. Entre los tauros gobierna Toante e impera una ley cruel según la cual todo extranjero que llegan al lugar debe ser sacrificados. El  hermano de Ifigenia, Orestes había matado a su madre Clitemnestra, en castigo porque ella, a su vez, había matado a Agamenón y a raíz de ese acto es perseguido por las Erinnias, vengadoras de crímenes. Un oráculo explica que para liberarse de esa persecución debe dirigirse a Táuride y llevar a Grecia la estatua de Artemisa.

En esta nueva producción se nos aclara los antecedentes incorporando fragmentos muy bellos de la tragedia de Eurípides y de una obra de finales del XVIII, Ifigenia en Taurida de Goethe (1779).

Un aspecto novedoso de la zarzuela es la inclusión de unos personajes que nada tienen que ver con la tragedia: Mochila y Cofieta, dos criados, equivalentes a los graciosos de nuestro teatro áureo, que tienen dos dúos y dos recitativos en los que se alejan del mundo mítico y hay alusiones a usos de la época que rompen con el tiempo en que transcurre el mito.

 

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La música de Nebra es magnífica desde la obertura inicial y destaca en los dúos y concertantes. Además, Nebra demuestra su originalidad con respecto a las típicas arias barrocas donde se representaba un solo afecto. En un misma aria podemos encontrar dulzura, melancolía e ira como podemos comprobar en la primera aria de la princesa Dircea. En ella, se compara los tiempos felices en los que gozaba del amor de su prometido con los actuales en los que él ha dejado de amarla porque se ha enamorado de Ifigenia. A través de la música y el texto, vamos conociendo el mundo rico, complejo y lleno de inseguridades propio de la psicología humana.

La catarsis, el alivio de la angustia que atenaza a Orestes y a los demás personajes se produce a partir de la anagnórisis, del descubrimiento de la verdadera identidad del forastero. La comprensión y el apelar  al sentimiento de la compasión producen la purificación de los afectos. Ifigenia reconoce en Orestes a su hermano y pide que se le perdone la vida ya que: tirana ley severa, que con holocaustos fieros, obsequiar la deidad quiere, comete crueldad, no obsequio.

Ese mensaje aleccionador de la obra está implícito desde el principio ya que el título completo de la zarzuela es: Para obsequio a la deidad, nunca es culto la crueldad y Iphigenia en Tracia.

 

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Frances Amat, en su labor escenográfica , demuestra una exquisita sensibilidad realizando una coreografía escultórica en movimiento que puede sugerir un bosque, los mástiles de las embarcaciones y todo aquello que despierte en el espectador, apelando  así, a una participación del espectador que se convierte en cocreador del espacio escénico. Una vez más se demuestra que las grandes obras establecen comunicación con todos los tiempos y lugares.

La pasión y el melodismo de Norma en el Teatro Real

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Por Norma Sturniolo

Fotos: Javier del Real

 

El Teatro Real, inmerso en la conmemoración de su Bicentenario (1818-2018) y en el veinte aniversario de su reapertura, ofrece como segunda ópera de la programación de 2016/17 una de las obras maestras del belcantismo Norma de Vincenzo Bellini.

Acontecimiento muy esperado, sobre todo, si se piensa que la última vez que se llevó a escena esta ópera fue el 28 de diciembre de 1914. Asimismo, hay que celebrar que se retransmitirá en directo el 29 de octubre a través del canal de la televisión Arte-concert.

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Norma es fruto de la feliz conjunción entre la música celestial de Bellini y los maravillosos versos de Felice Romani. El dúo Bellini-Romani es comparable al tándem formado por Mozart-Daponte, Hugo von Hofmannsthal-Richard Straus o Puccini-Luigi Illica y Giuseppe Giacosa.

 

Romani, traductor del francés y autor de un Diccionario histórico y mitológico, ya había realizado para Simon Mayr, el maestro de Donizetti, la ópera Medea in Corinto basada en el mito griego de Medea y cuando conoce Norma ou l´infanticide, la obra teatral de Alexandre Soumet estrenada en abril de 1831, decide adaptarla para el compositor Bellini. El texto de Romani ofrece variantes y supera al de Soumet. En la obra del francés, Norma como su antecesora mítica, Medea, mata a los dos hijos que tuvo con Pollione, porque su amante se ha enamorado de la joven Adalgisa. Por el contrario, el infanticidio no se realiza en el libreto operístico.

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Sumariamente, recordemos que Romani sitúa la acción en la Galia durante la ocupación romana alrededor del año 50 a. C en el bosque sagrado de los druidas. Norma, hija Oroveso, el jefe de los druidas, es la sacerdotisa del templo del dios Irminsul. Ella ha quebrantado su voto de castidad al convertirse en amante de Pollione que, además, es procúnsul de Roma, enemiga de su pueblo y con el que ha tenido dos hijos. A su vez, los galos desean sacudirse el yugo romano e ir a la guerra. Norma, protegiendo a su amado, dice que el dios aún no quiere la guerra. Pero Pollione se ha enamorado de la joven virgen Adalgisa lo que provoca la ira de la sacerdotisa quien llegará a pensar en matar a sus hijos por despecho. Acción que, finalmente, no llevará a cabo. La joven Adalgisa al descubrir la verdad, renunciará a Pollione e intentará que Norma reconquiste el amor del procónsul romano. El fracaso de Adalgisa desencadenará la furia de Norma y llevará a un final grandioso en el que ella revelará la verdad el pueblo galo y acabará muriendo en una pira junto a Pollione.

Un resumen es un pálido reflejo de lo que sucede en la obra donde hay una riqueza enorme de sentimientos. El sublime melodismo de Bellini alcanza su máxima expresión no solo en ese aria celestial que es Casta Diva sino a lo largo de la ópera. Los dúos entre Norma y Adalgisa en el que esta última empieza a confesar a la sacerdotisa su amor culpable y provoca en Norma el recuedo de su amor con Pollione contiene una melodía cálida y tierna absolutamente conmovedora como quedó patente en el dúo entre la soprano Maria Agresta (Norma) y la mezzosoprano Karine Deshayes (Adalgisa) o el otro dúo maravilloso Mira o Norma cuando Adalgisa convence a Norma de que debe vivir , que se apiade de sus hijos y que confíe en que recuperará el amor de Pollione.

 

La dirección de escena de Davide Livermore y la escenografía de Giò Forma han generado cierta polémica. Sin embargo considero que la puesta en escena ha sabido transmitir el espírtu mágico del bosque sagrado .Quizás podrían haberse suprimido algunas proyecciones, pero no es nada fácil llevar a escena una obra en la que las batallas se libran en el corazón del personaje.

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Hay una riquísima expresión de sentimientos como el amor, la pasión, los celos, la ira, el sentimiento de venganza, el dolor, la amistad, la relación materno-filial y paterno filial que propicia la empatía del oyente. Y como broche de oro:, la comprensión final que permite a Pollione reconocer la grandeza de Norma y a ella liberarse de los sentimientos negativas de odio y venganza. La redención llega con el retorno del amor y la norma-3215purificación por el fuego.

 

 

 

 

 

Muchos han sido lo que elogiaron esta obra, uno de los primeros Donizetti que afirmó que le hubiera gustado firmar esa ópera. Schopenhauer y hasta Wagner que llegó a componer un aria para Oroveso cuando trabajaba como director en Riga. Se cuenta que Chopin lloró al escuchar esta ópera. Norma ha conmovido, conmueve y seguirá conmoviendo al público futuro.

 

 

 

 

 

 

 

 

Norma: tragedia lírica en dos actos. Música: Vincenzo Bellini (1801-1835).

Libreto Felice Romani (1788-1865) basada en la obra de teatro Norma ou l´infanticide (1831) de Alexandre Soumet.

Estrenada en el Teatro alla Scala de Milán 26 de diciembre de 1831

Estrenada en el teatro Real el 14 de noviembre de 1851.

Nueva producción del Teatro Real, en coproducción con el Palau de les Arts de Valencia y la Asociación Bilbaína de Amigos de la Ópera (ABAO)

Primer reparto Interpretado por Gregory Kunde, Maria Agresta, Karine Deshayes, Michele Pertusi. Coro y Orquesta Titulares del Teatro Real dirigido por Andrés Máspero. Dir. escena: Davide Livermore. Dir. musical: Roberto Abbado.

Representaciones : comienzo 20 de octubre de 2016 y  finalización 4 de noviembre de 2016

“La guitarra vuela. Soñando a Paco de Lucía”

Artistas del Proyecto

 

Por Patricia Larrea

“LA MAESTRO” vuela en busca del amor

Cuerpo de mujer, cinturita de romanza, y en tu vientre un mandala desde el que salen las notas rasgadas de quien te amó: Paco de Lucía.

Una guitarra, nueve países Iberoamericanos de América y Europa, 34.000 kilómetros recorridos hacen de este proyecto una historia llena de espiritualidad, amor, alegrías y lágrimas, no sería posible este proyecto si sus creadores el músico y productor Javier Limón y el creativo Jorge Martínez no sintieran como sienten este género tan nuestro.

La Maestro
La Maestro

“La Maestro” única guitarra diseñada por Paco Lucía y que encarga a su amigo y Lutier Toni Morales su fabricación, Paco de Lucía obsesionado por la afinación, sólo puede confiar en este gran amigo, grandes talentos.

Y la guitarra empieza a volar en busca de unas manos que la acaricien, ya que con su dueño no pudo ser, no tuvo tiempo la muerte le sorprende, Paco de Lucía paso a formar parte del gran macrocosmos donde habitan los genios, fallece el 25 de febrero de 2014.

Muy unido y amante del Jazz, la música Cubana y de Brasil, eleva a una categoría estética de arte mayor sus notas, por el mundo entero. “La Maestro” busca su raíz portuguesa, en una maravillosa simbiosis de Fado y Flamenco  se encuentra con la cantante portuguesa Mariza, “la fadista” que entrelaza el diálogo del fado y el flamenco.

Surcando los mares llega a América “esa guitarra mía que me acompaña” y el encuentro con la mexicana Magos Herrera, voz excepcional del jazz latino actualmente, acompañada a la guitarra del gran músico Javier Limón y el armonista Gregoire Maret donde cobra protagonismo la figura de Paco de Lucía.

Y viaja la guitarra cimbreante con su cuerpo de mujer al encuentro de unas manos que la acaricien, La Habana, punto referente para De Lucía, quería a Cuba, donde llegó a pasar largas temporadas, y la alegre viajera se encuentra con su amigo Alain Pérez, pianista, percusionista, cantante, arreglista, estrella reconocida mundialmente del jazz latino, y “LA MAESTRO” se deja acariciar junto a Muñequitos de Matanzas. La simbiosis no puede ser más perfecta, Guaguancó con aire africano y flamenco.

México, mar Caribe donde pasaba también largas temporadas, el mar le inspiraba a crear, el amor lo encontró en Gabriela Canseco, aquí nacieron sus hijos pequeños, y aquí entrega su alma a los dioses Aztecas. Es Alejandro Sanz quien tiene la suerte de interpretar su famosa canción Corazón Partío al acariciar a “LA MAESTRO”, gran amigo de Paco de Lucía, habla de sus vivencias, anécdotas con el gran guitarrista.

Y la Guitarra vuela, y en el aire se escuchan las notas de Paco de Lucía y aterriza en Colombia, el país de la cumbia y el vallenato, los ritmos se mezclan, el jazz con el bolero y el flamenco en el gran músico José Darío Martínez “Chabuco” y Mónica Giraldo.

Y la viajera incansable pasa por Uruguay, la música gira alrededor del Candombe de raíz africana, que nace hace más de 200 años, Rubén Rada, magistral artista que mezcla el Candombé con otros ritmos, cabe hacer importante reseña del artista  Fernando “Lobo” Núñez percusionista y lutier afrouruguayo quien también fabrica tambores.

De Uruguay “LA MAESTRO” vuela soñadora a Salvador de Bahía, y se encuentra con Carlinhos Brown, gran percusionista de gran prestigio mundial, hombre comprometido socialmente, solidario que consigue por algo tan especial con el ritmo de los tambores y la música erradicar la violencia y la droga, el músico ayuda a sus gentes con programas sociales apoyado siempre por la música popular, talleres de capoeira, alfabetización, etc

Carlinhos acaricia “LA MAESTRO”, rasga de forma espiritual sus cuerdas, y quizá en este sitio el documental rodado tiene un álgido sentido espiritual, en la que Javier Limón cede su corazón de artista a esta tierra, con magia en exquisitas imágenes de Brasil y sus músicos callejeros, el gran Caetano Veloso, maestro respetable, espera con sus brazos amorosos para tocar la mujer de la cinturilla de romanza “LA MAESTRO”.

Y nos encontramos con Guinga quien cuenta su gran amistad con Paco de Lucía, Guinga gran virtuoso de la guitarra.

Cartel del Documental "La Guitarra Vuela-Soñando a Paco de Lucía"
Cartel del Documental “La Guitarra Vuela-Soñando a Paco de Lucía”

No podía faltar Argentina, la tierra del tango, hermoso documental del tango, sensual baile, que parece que el hombre acaricia a “LA MAESTRO”, cuando baila con la dama ceremonialmente. Aquí nos encontramos con Luis Salinas, cantante compositor, guitarrista que cultiva varios géneros con gran virtuosismo, cultiva el jazz, tango folclore, blues, bossanova y el flamenco, en vida llegó a tocar junto a Paco de Lucía, componiendo temas para de Lucía, el documental sacó el alma de este artista, emocionantes tomas del artista en el que siente el flamenco como suyo, inmerso en las notas al rasgar la guitarra, no podían ser de mayor belleza para que el espectador se sienta unido al acorde de las notas.

Y la guitarra vuelve sigilosamente a su tierra España que le vio nacer, surca los mares para entrar a la tierra del flamenco, Tomatito, Paco de Lucía fue su maestro, es su seguidor el que quiere seguir los pasos al acariciar  haciendo vibrar de amor a la guitarra, y saliendo notas de flamenco cual golondrinas al viento.

Y “LA MAESTRO” hace su última parada, Jerez de la Frontera, donde el flamenco se respira en cada esquina, cuna de este arte, aquí la esperan los grandes puristas del flamenco, Diego del Morao y otros grandes hicieron el homenaje que se merecía Paco de Lucía.

Gracias a sus autores, grandes artistas, que hicieron posible este documental lleno de sentimientos, Javier Limón entiende, lo vive, el flamenco, si no sientes y crees en algo tan profundo, no se podría llevar a cabo este hermoso documental.

Directores del Documental: Javier Limón, Jorge Martínez y Marco Sansavini
Directores del Documental: Javier Limón, Jorge Martínez y Marco Sansavini

Iberia que al cumplir sus 70 años de vida surcando los mares, ha hecho algo especial, magnífico, tendiendo la mano en este gran proyecto, para rendir el homenaje que se merece este gran universal, artista que hizo un cambio revolucionario en la historia del flamenco, hizo que con su música y composiciones se llegara a todo tipo de público, que se amara el flamenco, que llegáramos  a llorar de emoción al acorde del rasgar  de esa su guitarra, la de la cinturilla de romanza, de la que su vientre de Mandala saliera vida y alegría.

Jorge Martinez
Jorge Martínez
Javier Limon
Javier Limón

Regresan en concierto cuatro leyendas de la música española

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Por Sara Castro

Las cuatro leyendas de la música española: Ana Belén, Joan Manuel Serrat, Víctor Manuel y Miguel Rios, después de veinte años, vuelven a estar juntos, en rueda de prensa, recordando aquellos tiempos que juntos salieron de gira.

 

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Un país y un tango con “sentimiento” celebran sus orígenes populares

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Por Sully Fuentes

Uruguay celebró ayer el 99 aniversario de ‘La cumparsita’, el tango más conocido a nivel mundial. Compuesta por el uruguayo Gerardo Hernán Matos Rodríguez, quien por aquel entonces cursaba los estudios de arquitectura, durante todos estos años su partitura ha pasado por más de mil artistas que la han versionado, incluyendo, en muchos casos, diferentes letras. Voces emblemáticas del panorama musical mundial han interpretado esta canción, como es el caso del archiconocido Carlos Gardel.

Comienza así una cuenta atrás de 365 días para la celebración del centenario, que conllevará multitud de actividades conmemorativas. Un año por delante que sirve como excusa idónea para conocer el territorio uruguayo siguiendo las raíces de este género musical. La historia del tango en Uruguay puede medirse en cifras: más de 17.000 piezas registradas hasta hoy.

Uruguay  tiene varios Patrimonios  Culturales  muy valorados por su impacto en la sociedad.  Algunos como “ La cumparsita”  reconocidos por UNESCO como Patrimonio Cultural inmaterial.

Se entiende por “patrimonio cultural inmaterial” los usos, representaciones, expresiones, conocimientos y técnicas (junto con los instrumentos, objetos, espacios culturales que le son propios) que las comunidades, los grupos y en algunos casos los individuos reconozcan como parte integrante de su patrimonio cultural.

Se transmite de generación en generación, y es recreado constantemente por las comunidades y grupos, dándoles un sentimiento de identidad y continuidad y contribuyendo a promover el respeto de la diversidad cultural y la creatividad humana.

La cumparsita “declarado Himno Cultural y Popular de Uruguay, como decíamos,  con su música creada por el uruguayo Gerardo Hernán Matos Rodríguez y estrenada en Montevideo, el 19 de abril de 1917 (Ley Nº 16.905 de 2 de enero de 1998) ha sido aplaudida universalmente.

 

Otros reconocimientos  a la música  y su autor son los siguientes:

La declaración de interés nacional de la producción del filme documental “La Cumparsita: el tango uruguayo” (Resolución Nº 933/001).

En la declaración de Monumento Histórico del edificio Palacio Salvo, uno de los edificios  que se localiza en la Plaza Independencia, se hace alusión a que el espacio en que fue construido es el predio que ocupaba “La Giralda” – Café y Confitería donde según la tradición se ejecutara por primera vez el tango “La Cumparsita”

La declaración de Interés Nacional del proyecto del film conmemorando los 100 años del natalicio de Gerardo Matos Rodríguez (Resolución Nº 31/996) en los ámbitos siguientes: tradiciones y expresiones orales, incluido el idioma como vehículo del patrimonio cultural inmaterial; artes del espectáculo; usos sociales, rituales y actos festivos; conocimientos y usos relacionados con la naturaleza y el universo; técnicas artesanales tradicionales.

En la lista  que dio a conocer la Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO) en el 2009   también figura el tradicional candombe de Uruguay, un frenético ritmo que se toca con tambores cuyo origen se remonta a la época colonial y que aún perdura en  los descendientes de esclavos, en un país en el que un poco  menos del 10 % de los 3,3 millones de habitantes es de raza negra.

Ambas expresiones empezaron como expresiones culturales despreciadas por la sociedad que se creía “culta” y no valoraba sus raíces.

Si supieras…. que  el futuro con un guiño, nos pide que  tomemos  mejor  nota  de los  hechos  que  por su importancia permanecerán en la memoria colectiva…

Si supieras que aún dentro de mi alma Conservo aquel cariño que tuve para ti Quien sabe si supieras Que nunca te he olvidado Volviendo a tu pasado

Te acordarás de mí…

Rigoletto y Traviata

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Por María Rosa Jordán

El Teatro de la Luz Philips Gran Vía 66, acoge desde el 1 de marzo, dos grandes clásicos; RIGOLETTO y La TRAVIATA del compositor italiano Giuseppe Verdi.

La Compañía Festival Lirico vuelve a ofrecer ópera de calidad a todos los públicos y llena el espacio dejado por las grandes producciones extranjeras, únicamente accesible para grandes espacios.

Desde sus comienzos, la Compañía Festival Lirico ha desarrollado una intensa labor musical y escénica con un gran éxito de crítica y público.

Su elenco artístico está compuesto por solistas especialistas de cada uno de los géneros. Todos ellos figuras del canto que ya demostraron y viven constantemente una intensa actividad profesional, conocida por el público amante de la lírica.

La orquesta Filarmónica Mediterránea está compuesta por 35 profesores de escuelas de música y conservatorios de Madrid, algunos de sus miembros son invitados de otras Orquestas Sinfónicas de los países del Este, especialistas en música romántica y religiosa, actualmente como orquesta estable de la Compañía Festival Lírico, ha interpretado numerosas zarzuelas y óperas en los que se incluyen títulos como Carmen, La Traviata, El Barbero de Sevilla, Madame Butterfly, entre otros.

Dos semanas y dos grandes títulos que sirven para continuar acercando la ópera a la calle, a la gente.

RIGOLETTO. Del 1 al 16 de marzo, una de las más emblemáticas óperas italianas por su riqueza melódica y de fuerza dramática, compuesta en tres actos con música de Giuseppe Verdi, está basada en la obra teatral de Víctor Hugo, estrenada en Venecia en 1851. Intenso drama de pasión, engaño, amor filial y venganza.

LA TRAVIATA: Del 8 al 13 de marzo. Basada en La Dama de las Camelias de Alejandro Dumas, se convirtió tras su inicial rechazo, en una de las obras más aplaudidas del compositor, Giuseppe Verdi, por los valores universales que laten tras la tragedia de una cortesana, que renuncia incluso a la vida por salvar el honor de su amante.

Una historia que Verdi consagra como mito a través de una música de una profunda humanidad.

 

 

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60º Festival de habaneras y polifonía de Torrevieja, Alicante

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Por Sully Fuentes

 

 ARGENTINA   gana en ESPAÑA  premio  “ Región de origen “ en el “60 º FESTIVAL de HABANERAS y POLIFONIA de TORREVIEJA, en  ALICANTE

La música sigue siendo el inagotable patrimonio de los pueblos que van llevándolo de un punto a otro de la geografía universal

Una de las más entrañables y  auténticas señas de identidad que tiene TORREVIEJA  son sus HABANERAS. Una composición musical que ha sido llevada por los marineros  en su intenso trajín entre dos continentes.  De la HABANA  salió este ritmo, con dulce melodía y emotivo repertorio.  Canciones  que hablan de la distancia,  del amor y del desamor,  de la  mar y de los brazos  que  les reciben a un lado y al otro  del ATLANTICO. Letras que son un testimonio nostálgico  de ese peregrinaje  que  tiene la humanidad… para buscarse una vida  mejor  surcando los mares.  El evento  Internacional que las recrea año a año ha cumplido estos días, 60 años. Todo un record de éxito, como lo ha sido la presencia de ARGENTINA  en este prestigioso Certamen a orillas del Mediterráneo que  gracias al Estudio Coral Meridies ha recibido el premio ‘Región de Origen’, dotado con trofeo y otorgado a la mejor interpretación de una canción polifónica por la obra ‘Malambo’ de Marcelo Valva dirigida  por la joven directora argentina   VIRGINIA BONO.

Se trata de una organización independiente, santafecina, pero extraordinariamente profesional compuesta  por un numeroso grupo de “voces cultas” residentes en  la provincia Santa Fe. Esta joven  directora   ha sido en todo momento  una de las  representantes  que ha sabido ponderar los beneficios  de inscribirse en este certamen. Valoró especialmente  la excelente organización por parte del Patronato de Habaneras,  el poder  hacer volar este canto a la mar y  a sus hombres que  se arriesgaban a  surcarla en una época como la actual, la oportunidad que significa  disponer de un público receptivo,apasionado  y agradecido por la diversidad de las corales, y especialmente lo enriquecedor  de la interacción con todos las selectas  representaciones  internacionales. “Torrevieja es toda habanera”, ha dicho.habaneras

Ocho días dedicados  a la música  polifónica en el recinto  ERAS DE LA SAL   en el puerto de TORREVIEJA.  Este edificio multifuncional era un depósito y embarcadero de la sal desde 1777 hasta 1958. Hoy es  en un punto de encuentro de lo más selecto de la programación cultural de esta tierra alicantina. Es un  proyecto que felizmente se ha consolidado y  que le ha devuelto el esplendor de antaño a tradiciones que han marcado a tantas generaciones en la azarosa aventura de llegar  a varios continentes.

Los resultados y los aplausos aseguran cada año más,  una nueva oportunidad  para la presencia nacional e internacional en formato HABANERA Y POLIFONIÍA por lo que el INSTITUTO CERVANTES que vela por el idioma español en todo el mundo, es  desde ahora su firme y entusiasta promotor.

PREMIOS 60º CERTAMEN INTERNACIONAL DE HABANERAS Y POLIFONÍA:

Del 19 al 26 de Julio.2014

MODALIDAD DE HABANERAS

  • Primer Premio “Juan Aparicio” dotado con 12.000 € y trofeo
    Ateneo Chambers Singers de Quezon City, Manila (Filipinas)
  • Segundo Premio de Habaneras, dotado con 5.000 € y trofeo
    Coro Voces Graves de Madrid
  • Tercer Premio de Habaneras, dotado con 2.500 € y trofeo
    Jevshan Galician Chamber Choir de Lviv (Ucrania)
  • Premio “Francisco Vallejos”, instituido por el Excmo. Ayuntamiento de Torrevieja, otorgado a la mejor interpretación de una habanera de comprobado arraigo popular, dotado con  trofeo.
  • The Archipelago Singers, de Tangerang Selatan (Indonesia), por la habanera “Tú”, de Fernán Sánchez y  Eduardo Sánchez de Fuentes

MODALIDAD DE POLIFONÍA

  • Primer Premio “Costa Blanca-Diputación de Alicante”, dotado con 10.000 € y trofeo
    The Archipelago Singers, de Tangerang Selatan (Indonesia)
  • Segundo Premio de Polifonía, dotado con 4.000 € y trofeo
    Kammerchor Consono de Koeln  (Alemania)
  • Tercer Premio de Polifonía, dotado con 2.000 € y trofeo
    Coro de la Universidad Autónoma de Bucaramanga (Colombia)
  • Premio “Región de Origen”, otorgado a la mejor interpretación de una canción polifónica de la región de origen, dotado con trofeo.
  • Estudio Coral Meridies de Santa Fe (Argentina)  por la obra ‘Malambo’ de  Marcelo Valva

PREMIO NACIONAL

  • Premio Nacional “Ciudad de Torrevieja”, dotado con 5.000 € y trofeo.
    Coro Voces Graves de Madrid

PREMIO A LA MEJOR DIRECCIÓN

  • Premio a la mejor dirección “José Hódar Talavera”, dotado con trofeo y la dirección del canto conjunto de la habanera obligada.
  • Juan Pablo de Juan, director del coro de Voces Graves de Madrid.
    PREMIO DEL PÚBLICO
  • Premio del público, dotado con 2.000 € y trofeo.
    Coro Voces Graves de Madrid

Contares y Cantares

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Por Vicente López Pérez

 

La pasada noche del viernes, el Colegio Mayor Argentino de Madrid se vistió de gala, y lleno hasta la bandera recibió a una de las grandes de la canción Argentina.
Teresa Parodi cantautora y contadora de historias, argentina nacida a orillas del Paraná en la ciudad de Corrientes, ha iniciado una larga travesía llevando por aguas europeas su espectáculo “Contares y Cantares”. Procedente de la capital del Sena, París, anoche desembarcó a orillas del Manzanares en Madrid, para el gozo de los sentidos de todos los que aquí residimos.
“Cántame tu canción – me dijo un día un maestro- y me contarás tu historia. Me contarás la historia de los tuyos. Déjame escuchar tu mundo y conoceré tus sueños y sabré no solo quién eres sino de donde vienes”.Con estas palabras la artista comenzó un recital lleno de matices y emociones, cantó temas propios y de otros grandes autores porque así nos comentó, siente que también canta las verdades de otros. También nos contó que es mujer que vive la vida con pasión, que tiene 5 hijos y 13 nietos, que con 19 años su fue a trabajar de maestra rural en los montes de la Provincia de Misiones; y que el conocer a ese “otro país”, tan oscuro y tan injusto, la transformó irremediablemente para siempre; también recordó que en tiempos complicados llegó a la Capital con sus cinco hijos pequeños para abrirse camino en el difícil mundo de la canción, y lo consiguió!!!

Buenos Aires les abrió sus puertas y su corazón y desde allí se proyectó con una impecable carrera llena de éxitos por todo el país, testimoniando su buen hacer el haber sido galardonada con varios de los más importantes premios de la Argentina, como el de ganadora del Festival de Cosquín.
Sus temas hablan de historias y de gentes, de desigualdades y emociones en fin hablan de la vida, de sus acordes, sus paisajes y sus injusticias pero por encima y a pesar de todo de lo maravilloso de vivirla. Para finalizar y de manera simpática nos relató la historia de una lavandera a quien considera su primera profesora de música y a la cual luego le dedicara una canción, “La Negra Ulogia”; así la llamaban en Corrientes y era famosa porque cantaba y hacía música golpeando la ropa contra las aguas Paraná mientras las lavaba; aunque Teresa como maestra titulada que es, se siente en la obligación moral si hay niños presentes, de aclararles que Ulogia se escribe con E.Grande, cercana, humilde y rotunda Teresa Parodi nos dejó con ganas de más y con la sensación de sentirnos mejorados después de su actuación.

Esta gira forma parte de un proyecto del Ministerio de Educación de Argentina que pretende difundir nuestra cultura por el mundo bajo el lema “ARGENTINA, UN PAÍS CON BUENA GENTE”, y sin duda Teresa Parodi es una inmejorable embajadora de nuestro buen hacer.
Dada la tremenda expectación que causó su visita y que mucha gente se quedó sin poder presenciar su actuación por haber completado el aforo, han decidido generosamente hacer un segundo concierto el próximo Viernes 26 en el Colegio Mayor Argentino a las 20.30, acceso libre y gratuito con previa confirmación a cultural@cmanslujan.com, hasta completar aforo.
La gira finalizará a principios de Mayo en la antigua capital de los Países Bajos bañada por el Río Senne, Bruselas.

 

Foto tomada por: Dª. Angelines Filgueira

Chopin, el esplendor del romanticismo

chopin

 

Por Maria Teresa Rivera

 

“Si alguien amó a su patria, la cantó y enalteció con su obra, ese fue Federico Chopin. La vida y obra del músico romántico son inseparables de la vida, peripecias y glorias del pueblo polaco”.

Así arranca la monumental obra “Chopin, el esplendor del Romanticismo” del escritor boliviano Jorge Catalano, (en 1928 y fallecido en 1987) que consta de tres tomos con un total de 1627 páginas de la más minuciosa y exhaustiva investigación sobre la vida y la obra compositiva del gran músico polaco.

Este año que termina, marcó el bicentenario del nacimiento de Chopin, y el mundo se volcó en homenajes al músico poeta que dejara un legado imperecedero, dedicándole conciertos, recitales, grabaciones discográficas, seminarios, conferencias, con la participación de orquestas, solistas y artistas de todas las modalidades.

Bolivia no estuvo ausente de estos homenajes, y quizá el mayor tributo a Federico Chopin, desde la perspectiva de nuestro país, sea “Chopin, el esplendor del Romanticismo”, edición que data de 1985 y sobre la que el musicólogo y crítico catalán Manuel Valls dice en su prólogo dice: “es una obra de rigurosa fidelidad histórica, señalando en cada momento el ambiente espiritual y de orden político que la acompañaron”, calificándola de “documental literario de extraordinario interés histórico”

Mucho habría que comentar sobre el autor, Jorge Catalano, escritor, poeta y crítico musical, pero en pocas líneas podíamos decir que era dueño de una librería en El Prado, en La Paz, un lugar donde se reunían escritores y poetas y una juventud estudiosa, ávida de buenos libros, a la que el atraía con su guía y su enorme conocimiento de autores tanto nacionales como internacionales.

Jorge conoció a Chopin desde niño, a través de su música, cuando escuchaba a su madre interpretar al piano, valses, mazurcas, polonesas y un amplio repertorio chopiniano. Dedicó toda su vida a seguir su huella, cada vez mas inmerso en su afán de lograr una biografía, lo más completa y perfecta posible, ahondando, investigando, escudriñando, llegando incluso a visitar todos los lugares por donde Chopin pasó y donde estuvo, comenzando, por supuesto, por Zewazowa Wola, lugar de su nacimiento.

Las primeras páginas del primer tomo están dedicadas a un análisis histórico y político de Polonia, de un cuarto de siglo antes del nacimiento del compositor, luego relata su infancia, sus primeros maestros: Zywny, de piano y Elsner, de composición, su primer amor, Constanza Gladkowska, después, Varsovia, Berlín, donde conoció a Arnold y a Medelssohn, su paso por Praga; su encuentro con otro gran maestro, Hummel; sus conciertos en Viena, su editor Haslinger en la capital Austriaca donde conoció a tantos músicos e intelectuales de la época. Su regreso a Varsovia y a Zewazowa Wola; y su rompimiento con Maria Wodzinska.

(Una curiosidad por la coincidencia de apellidos y la devoción por Chopin: El gran cantante italiano Catalani, escuchó a Federico Chopin tocar el piano cuando éste tenía diez años, y le regaló un hermoso reloj de recuerdo).

El tomo segundo sigue la huella de Chopin por los castillos de Escocia, luego Paris, donde se encontró con Liszt, Field, Paganini, Bellini; su viaje a Mallorca con George Sand, deteniéndose en cartas, y escritos que dan fe de su personalidad y sus relaciones tanto de amistad como afectivas, haciendo a la vez un seguimiento de sus composiciones, con prolijidad en los detalles de cuándo y en qué circunstancias surgieron.

El tercer tomo, “Del silencio de la música a la chispa de la gloria”, abarca su última etapa en Paris, cuando ya irremediablemente enfermo, se ve rodeado de cuidados y del afecto de los amigos y de su hermana Luisa que acudió a su lado. Habla de los médicos que no le aliviaban, y de su entrañable amigo el pintor Delacroix que le acompañó hasta su triste final, el 17 de Octubre de 1849.

Hay notas aclaratorias y de referencia a continuación de cada capítulo y el Índice de Personalia es extenso y muy detallado. Igualmente impresionante es la bibliografía de casi un centenar de obras consultadas.

“Chopin, el esplendor del Romanticismo”, es pues una verdadera joya que merece ser ampliamente conocida, tanto dentro como fuera de Bolivia.

En 1986 pude entrevistar a Jorge Catalano cuando regresando de Varsovia, camino a La Paz, pasó por Madrid. El se sentía muy satisfecho por la aceptación de su obra en Polonia. El mismo Gral. Jaruselsky, entonces Presidente de Polonia, lo había recibido expresándole su agradecimiento personal y un reconocimiento público, y su obra fue traducida al polaco. Jorge conoció la felicidad del triunfo y sobre todo la satisfacción de ver su obra terminada, y editada –aunque hubiera sido con sus propios medios y por su propio esfuerzo.

Los años en que Jorge Catalano vivió en una especie de encierro y reclusión en beneficio del proyecto que marcó toda su vida, le llevaron a aislarse incluso de su propia familia. De ahí su sentida dedicatoria a su esposa e hijos que es un reconocimiento y casi una disculpa:

“nadie mejor que tú, amada familia, para comprender mi silencio y el fruto de ese silencio”.

“Alcanzar la meta y morir”, fue una realidad para Jorge Catalano cuyo corazón no resistió mucho mas allá de su regreso de Polonia.

(Los tres tomos de “Chopin, el esplendor del Romanticismo” pueden adquirirse en Escaparate Cultural).
escaparate@boliviacultural.com